FATS NAVARRO

Hola a todos!

Casi sin darnos cuenta de ello, estamos a punto de cruzar el ecuador del mes de agosto, y aunque en cierta medida molesta recordarlo, en un par de semanas ya se habrán acabado casi todas nuestras excusas para holgazanear, y nos tocará volver a la cruda realidad de la cuesta de septiembre, la vuelta a la "escuela", y a comprobar como poco a poco nuestra indumentaria diaria se va haciendo más y más densa. Pero no anticipemos desagradables acontecimientos, que aun nos quedan bastantes días de estío por delante, y yo personalmente, mañana inicio mis vacaciones, así que nada de llantos, y refrescaremos nuestra mente, nuestro espíritu, y nuestros oídos, con otra buena descarga de jazz...

Hoy con todos nosotros: "FATS NAVARRO".

Theodore "Fats" Navarro fue un extraordinario trompetista estadounidense, nacido en Florida (USA) el 24 de septiembre de 1923, y fallecido en Nueva York el 7 de julio de 1950, con tan sólo 26 años de edad, a causa de la tuberculosis, y sus excesos con las drogas.

Realmente su introducción al mundo de la música se produjo de la mano del piano, instrumento que comenzó a estudiar a los 6 años de edad, debido a que su padre era un gran aficionado de este instrumento; pero la falta de resultados y avance en su estudio, casi le obligaron a pasarse a la trompeta.

Inició su carrera profesional como trompetista en 1939 tocando con Walter Johnson, hasta que en 1941 trabajó con la orquesta de Andy Kirk, y más tarde sustituyese al mismísimo Dizzy Gillespie, en la reputada orquesta de Billy Eckstine. Ya en enero de 1947 formó su propio grupo, y en agosto de ese mismo año entró a formar parte del quinteto de Bud Powell, junto a los hoy ya míticos Sonny Rollins, Tommy Potter, y Roy Haynes.

Estamos ante un trompetista irrepetible. De estilo conciliador entre la ciencia armónica, la frescura melódica, y la audacia rítmica; que a pesar de su corta carrera, consiguió influir de forma muy notable en trompetistas coetáneos y de otras generaciones posteriores, tales como: el casi adolescente Clifford Brown, la estrella de "Blue note" Lee Morgan, el gemelo "no bajista" Art farmer, o el consagrado Donald Byrd.

Imposible de encasillar en un solo estilo. Navarro poseía un estilo propio y virtuosista en iguales medidas. Quizá menos acrobático que Dizzy Gillespie, pero con su mima fuerza. Tal vez menos rebuscado que Miles Davis, pero con igual perfección instrumentista. Además, componía con un sentimiento exquisito, y sus improvisaciones resultaban de una precisión, y de una belleza sonora, verdaderamente aterradoras. Su habilidad era tal, que fue el único trompetista de su época, capaz de tocar, y de clavar nota por nota, el célebre solo de Charlie Parker en la emblemática, intrincada, apabullante, y casi agobiante partitura del "bebop", "KoKo" (Que si os apetece, podéis escuchar AQUÍ).

Espero que os guste: "FATS NAVARRO - DOUBLE TALK".

HASTA MAÑANA!!

SHIRLEY HORN

Hola a todos!

Poco a poco va avanzando el mes de agosto, ya se acercan mis merecidos días de vacaciones, y nuestras serie de editoriales dedicados al jazz más puro y vibrante, siguen en su línea de intentar ofreceros calidad, calidez, sencillez, y sonoridad; persiguiendo de alguna manera agradar a los muy entendidos, enganchar a los menos habituados, y sorprender a los completamente neófitos, quizá interesando a todos por igual. Espero que este intento nuestro de colaborar a "reconducir" la cultura musical de nuestro país, no caiga en saco roto, y cuando llegue septiembre, podamos haber ganado para la causa, al menos a uno solo de los oyentes que por aquí paséis...

Hoy: "SHIRLEY HORN".

Estamos sin duda ante una de las auténticas figuras del jazz más contemporáneo. Cantante y pianista de voz suave y ligeramente grave, Shirley Horn comenzó a estudiar piano clásico a los 4 años de edad, aunque fue en su adolescencia cuando descubrió el jazz, y con tan sólo 14 años ya dirigía su primer trío.

Nacida en Washington el 1 de mayo de 1934. Horn aparecía en sus conciertos como "aquella señora que canta canciones tristes", y según las propias palabras de algunos importantes críticos especializados: como "el secreto mejor guardado del jazz". Pero realmente lo de cantar en público no entraba en los planes de nuestra diva. Ella ante todo se consideraba pianista, y como tal, lo único que le interesaba era tocar el piano.

Comenzó a cantar a los 17 años de edad, casi por casualidad, y creo que merece la pena contaros la anécdota de como se producen esos primeros gorgoritos sobre un escenario.

Horn contaba que en unas navidades se encontraba actuando en un night club de Washington, en el que de repente entró un cliente, que portaba en los brazos un oso de peluche del mismo tamaño que ella. En mitad de la actuación el cliente le hizo llegar una nota que decía: "Si me cantas el Melancholy baby, el oso es tuyo". Horn siempre afirmó risueña que de repente se le antojó aquél oso, y superando la vergüenza que le suponía cantar en público, agarró el micrófono por primera vez en toda su vida, por supuesto, consiguiendo el peluche, el entusiasmo del público, y desde entonces, su entusiasmo por el canto. Así pues, una de las más interesantes voces que el jazz nos ha ofrecido, no se la debemos a importantes productores, o espléndidos visionarios, si no: a un gigantesco oso de peluche. Lo que es la vida...

Shirley Horn grabó su primer disco en 1960 ("Embers & Ashes"), para una minúscula compañía discográfica que apenas pudo distribuirlo, y por ello, la estupenda grabación apenas tuvo repercusión alguna en el mercado discográfico de aquella época. Pero el mismísimo Miles Davis fue uno de aquellos pocos afortunados que compraron aquél vinilo, y desde entonces se convirtió en el principal valedor de Shirley. De hecho fue la insistencia de Davis, la que animó a Horn, para que saliese del "familiar" recogimiento en el que desde 1965 había arrinconado su carrera musical, y retomase el sendero de su mejor jazz...

A finales de los '70 comenzaron a llegar las nuevas grabaciones de nuestra gran diva, y sus discos se prodigaron uno detrás de otro hasta 2003. No hubo tiempo para más, ya que en 2005 falleció de una apoplejía. Aunque a decir verdad, desde 2001 su salud ya se vio drásticamente mermada, justo desde que le amputasen su pie derecho a causa de la diabetes. Pero antes de todo eso, el 16 de julio de 1999 nos regaló una sublime actuación sobre el escenario del Festival de Jazz de Vitoria-Gasteiz, que supuso su descubrimiento para muchos de nosotros.

Y para recordarla hoy, no se me ocurren mejores sonidos que los propuestos por Horne para re-inventar el celebérrimo "Hit the road Jack", compuesto en 1961 por Percy Mayfield, y popularizado por el genio de Ray Charles. Grabado por nuestra diva en su disco "Light out of the darkness -1993", álbum homenaje al "divino ciego".

Un swing sexy, despreocupado, y siempre a salvo de toda rigidez rítmica. Tórridas baladas que resultaban ser su especialidad, y siempre definida como la voz que canta los silencios... Así era, y es: Shirley Horn.

Espero que os guste: "SHIRLEY HORN - HIT THE ROAD JACK".

HASTA MAÑANA!!

STAN KENTON

Hola a todos!

Tercer capítulo hoy de nuestro veraniego acercamiento al más vetusto e interesante jazz, en el que vamos a dejarnos seducir por la suave cadencia de aquellas magníficas orquestas que sonorizaban los años '30 y '40, y que conseguían elevar la música a las más altas cotas de aceptación por parte del público oyente. Resulta curioso pararse a pensar, cómo es posible que orquestas tales como la que hoy nos ocupará resultasen auténticos llena-pistas, y en la actualidad la música transite por los caminos en que lo hace. Me pregunto ¿Qué perdimos por el camino...?

Hoy, para todos vosotros: "STAN KENTON".

Cuando se trata de hablar de jazz, en innumerables ocasiones nos centramos casi exclusivamente en cantantes, saxofonistas, trompetistas, pianistas, o cualquier otro tipo de instrumentistas; y en muchas ocasiones nos olvidamos de una de las figuras más influyentes en este terreno de musicalidad sin limites, y virtuosismos a raudales, como es: el Director de Orquesta.

Stan Kenton fue un soberbio compositor, arreglista, y director de orquesta nacido en 1911 y fallecido en 1979, que ya desde niño evidenció de forma superlativa su pasión por el jazz, dejándose influenciar en sus gustos por mitos tales como Earl Hines, o Benny Carter.

Musicalmente, Kenton escribió sus primeras partituras de arreglos allá por 1928, pero realmente no comenzó su carrera profesional hasta bien avanzado 1933, y llegó a 1940 deambulando por diferentes orquestas de Estados Unidos, para en 1941 tener la oportunidad de dirigir su propia, y a la sazón, magistral orquesta. En la que desde el principio tuvo la gran valentía de incorporar a una cantante blanca de jazz: Anita O'Day, ni más, ni menos; con la que Kenton y su orquesta obtuvieron un impresionante éxito, hasta llegar a convertirse en la mejor big-band de su época.

Stan Kenton siempre intentó fusionar, dentro de su estilo marcadamente swing, la música clásica europea, y la tradición jazzística más norteamericana. Con lo que entre 1947 y 1956, nos regaló un muy buen e interesantísimo compendio de grabaciones indispensables, que resultan ser un impagable legado musical, que convendría revisitar de vez en cuando. A lo largo de su carrera hubo de todo. Desde el impresionismo "debussiano", hasta el expresionismo de Stravinsky, pasando por la grandilocuencia Wagneriana, e incluso intercalando ritmos y sonidos totalmente latinos. Siempre innovando, experimentando, fusionando...

Tras el arrollador éxito cosechado por Kenton en Europa, sobre todo en París y Dublín, la orquesta comienza a languidecer lentamente desde 1954 hasta 1958, y aunque por algunos momentos parece recuperar la brillantez de otros años anteriores, finalmente llega a desaparecer como tal, debido sin duda a la fuga de los principales solistas que la sostenían. Y aunque Stan Kenton continuó aun veinte años más ensayando, experimentando, y fusionando, con su "laboratorio-orquesta" (siempre formada por recién licenciados en la Universidad); ya jamás recuperó el esplendor de sus primeros sonidos. Hasta que una fractura de cráneo le apartó del jazz, muriendo el 25 de agosto de 1979.

Indispensable revisitar la obra de Stan Kenton, para comprender la magnificencia de un buen arreglo en una partitura. Y si indispensable es su carrera al completo, de obligada escucha debería ser su álbum más asombroso: ("Balboa Bash -1941), en el que podremos encontrar al Stan Kenton que hoy es ya un referente para los amantes del género. Fresco, novedoso, musical, e intuitivo...

Espero que os guste: "STAN KENTON - DYNAFLOW"

HASTA MAÑANA!!

JIMMY WITHERSPOON

Hola a todos!

Pues decididos a continuar con nuestras veraniegas sesiones de jazz, y animados sin duda por las muestras de aceptación que por ello he recibido en las ultimas horas, llegamos al segundo capítulo de esta serie de editoriales que inauguramos ayer, y que hoy se teñirá con las fabulosas e inmensas tesituras vocales, de uno de los mejores intérpretes que el jazz/blues nos ha regalado en toda su historia.

Señoras y señores, con ustedes: "JIMMY WITHERSPOON".

Nacido en Gurdon (Arkansas, USA) el 8 de agosto de 1920, y fallecido en Los Angeles el 18 de septiembre de 1997, nos encontramos sin duda ante los 77 años mejor aprovechados de la historia del jazz. Cantante de genio indiscutible, genuino y vanguardista para su época, siempre será recordado por la calidad y la innovación que para el género suponían todos y cada uno de sus arreglos vocales y sus producciones discográficas.

Witherspoon aprendió a cantar en el coro de la iglesia de su ciudad natal, y mientras se dejaba seducir por los grandes "blues-singer" del momento: Jimmy Rushing o Big Joe Turner, nuestro protagonísta dio el salto hasta la dorada California, en donde pagaba sus facturas trabajando como friegaplatos en un local que ofrecía conciertos, lo que le permitió conocer a aquellos mitos del blues californiano, tales como el guitarrista y cantante T. Bone Walker.

Pero su debut como cantante no se hará realidad hasta algo más tarde, y resultará de lo más pintoresco, ya que se produce en un hotel de Calcuta, cantando en el grupo del afamado pianista Teddy Weatherford. Hasta que en 1952 se lanza a la aventura de su carrera ya en solitario.

Tras su lanzamiento, mucho rithm & blues, y algún importante tropiezo en su carrera musical, Witherspoon reconduce su camino hacia senderos mucho más jazzisticos, lo que a decir de los entendidos en la materia resultó todo un acierto, y ya inmersos en 1959, le llega el merecido éxito al participar en el mítico Festival de Jazz de Monterey (del que existe un disco indispensable) lo que definitivamente encumbró a nuestro protagonista hasta los altares más exquisítos del jazz, y consiguió que en 1961, los lectores de la revista especializada "Down beat", le premiasen como mejor intérprete del género.

Así, éxito tras éxito, llegamos hasta la década de los '80, momento este, en el que tras superar un cáncer de garganta, que supuestamente acabaría con su carrera y con su propia vida; tras una intervención quirurgica en Londres, todo dio un maravilloso giro, y Witherspoon no sólo consiguió salvar su vida, si no que además vio como se suavizaba su voz, ensanchando su registro de graves, y otorgándole una segunda juventud a sus mejores y más virtuosas interpretaciones. Buena prueba de ello es que su carrera discográfica continuó de una forma muy regular en la década de los '90, y casi hasta el mismo día de su fallecimiento en 1997.

Nosotros, desde "La música que no sonó en los 40 principales (2010: un verano de jazz)", hoy queremos recordar a Jimmy Witherspoon en su máximo esplendor y en toda su gloria de "bluesman", así pues nos cobijaremos entre los surcos de uno de sus mejores discos ("Singin' the blues -1959), y con este "Then the lights go out" que hoy os propongo, nos hacemos un hueco en el alma para disfrutar del mejor sonido de ojos azules...

Espero que os guste: "JIMMY WITHERSPOON - THEN THE LIGHTS GO OUT".

Para más info sobre Jimmy Witherspoon: http://www.jimmywitherspoon.com

HASTA MAÑANA!!

MAX ROACH

Hola a todos!

Aquí estamos de nuevo. Parece mentira, pero ya desde mayo no habíamos vuelto a actualizar nuestro querido blog. Y es que entre unas cosas y otras, la verdad es que las motivaciones para continuar sacándolo adelante han resultado tan esquivas, como alarmantes. Pero bueno, creo que hoy es un buen momento para retomar en cierta medida el trabajo ya desarrollado con anterioridad, y a través de una nueva serie de publicaciones que pretendo comiencen hoy, y al menos se extiendan durante el mes de agosto, retomemos el pulso de lo que siempre ha sido y será nuestro blog: una lucha contra la incipiente mediocridad musical que asalta nuestro país...

Tenemos por delante este mes de agosto, para realizar un intenso e interesante recorrido por la música más "anti 40 principales" que existe en el mundo, y que como no podría ser de otra forma, es la adorado, mágico, y no siempre bien ponderado jazz.

25 días por delante. 25 editoriales por publicar. 25 grandes del jazz que traer hasta estas líneas. Y 25 piezas magistrales que deberían permanecer enmarcadas en la discoteca que cualquier melómano que se precie de serlo. Os aseguro que mi pasión por el jazz, es mucho mayor que mi erudición sobre él; pero esta próxima aventura, que podríamos titular "La música que no sonó en los 40 principales (2010: Un verano de Jazz)" intentará estar a la altura de los eruditos, y cercana a los neófitos, con la intención única de difundir, difundir, y difundir, lo que esta maravillosa música es...

Hoy comenzamos con: "MAX ROACH".

Maxwel Lemue Roach, más conocido como Max Roach, fue un asombroso, estilista, proactivo, e influyente baterista y compositor estadounidense. Nacido un 10 de enero de 1925 en New Land (Carolina del Sur, USA), y fallecido en 2007, a los 83 años de edad, en Nueva York. Desde muy pequeño se interesó por el jazz, debido sin duda a la fascinación que le provocaban aquellas vibrantes big-bands que tanto se prodigaban en su época infantil, y por ello en 1942, a la temprana edad de 17 años, se diplomó en percusión en el "Manhattan Conservatory of Music".

Durante toda su carrera formó junto a los más grandes del género, y una de sus mayores proezas profesionales, fue sin duda la de colarse de rondón como baterísta en las orquestas de Duke Ellington o Count Basie, lo que le abrió de par en par las puertas de los clubes de la calle 52 neoyorquina, y con lo que consiguió convertirse en uno de los baterístas preferidos e imprescindibles de monstruos tales como Charlie Parker, o Dizzy Gillespie. De echo, Roach formó parte del histórico quinteto que Parker y Gillespie, formaron junto al propio Max Roach, y a los excepcionales Bad Powel, y Charlie Mingus.

Su discografía es tan extensa, como intensa, y abarca desde su primera grabación allá por 1944, hasta algunas ultimas joyas grabadas a principios de los 2000's; pero sin duda, podemos estar seguros de que sus tresillos, su swing, su groove, sus paradiles, y toda su magia con las baquetas, ha estado presente en las grabaciones más importantes de este genero. Para muestra, sepamos que los archiconocidos "Billie's bounce", y "Now's the time" (por no mencionar otra decena de ellos), llevan su sello, junto al de Charlie Parker, Dizzy Gillespie, y Miles Davis.

Pero nosotros, para inaugurar esta serie veraniega, vamos a transportarnos hasta el 26 de mayo de 1998, fecha en la que nuestro héroe Max Roach publicó su disco titulado "Max", y de él extraeremos el primer corte de los seis que contiene el disco. "Crackle hut". Una pieza con un swing ineludible, con armonías que rivalizan en "savoir faire" entre ellas, y con un gusto exquisito, por la música cálida, elegante, emocionante, sonora, y sencillamente soberbia...

Espero que os guste: "MAX ROACH - CRACKLE HUT"

HASTA MAÑANA!!

LENA HORNE

Hola a todos!

Ayer durante el desayuno nos sorprendíamos con la noticia del fallecimiento de una de las grandes damas del jazz estadounidense, y hoy, 24 horas después de producirse la tan luctuosa noticia, he querido traer hasta "La música que no sonó en los 40 principales, un pequeño y humilde, pero sentido homenaje hacia ella. Ante este tipo de desagradables sucesos, las "mega-estrellas" tienen siempre asegurado un buen puñado de páginas necrológicas en los periódicos, de horas y horas de honra en las emisoras radio, y de más o menos sentidos homenajes en la televisión; ahora bien, este tipo de artistas, igualmente famosas, y con igual talento, pero quizá no tan mediáticas, son las que merece la pena rescatar del olvido, en momentos como este, de tristeza por su fallecimiento.

Hoy quiero homenajear a: "LENA HORNE".

Lena Mary Calhoun Horne nació en Brooklyn (Nueva york, USA), un 30 de junio de 1917, y como decíamos, falleció en el Upper West Side de New York, en su casa del famoso edificio Apthorp, donde actualmente residía.

Legendaria actriz y cantante afro-americana estadounidense de jazz y música popular, su extraordinaria carrera abarca en activo la friolera de seis décadas, extendiéndose desde los años '30, hasta los '90 del siglo XX, en los que principalmente se prodigó como cantante de nightclub, aunque también como actriz, y como intérprete para diversas compañías discográficas de la época.

Criada por sus abuelos, ya que sus padres se separaron cuando ella tenía sólo 4 años de edad. Lena era una hermosa mujer, mitad afro-americana, mitad india americana, cuya madre era hija del inventor Samuel R. Scottron (inventor por ejemplo de la barra para colgar cortinas), y descendiente del influyente político Jhon Caldwell Calhoun (quien consiguió para su país, entre otras cosas, el Sufragio Universal, y los derechos electorales para las minorías).

Debutó como corista a los 14 años de edad en el celebérrio "Cotton Club" del mítico barrio neoyorkino de Harlem, donde trabajó como vocalista junto a grandes de aquella época como Duke Ellington, Billie Holiday, Louis Armtrog, o Ethel Waters (esta última además consiguió impactar a Lena con su canción "Stormy Weather", que a la larga sería la canción más renombrada en la carrera musical de Horne.

Además, entre 1938 y 1978, Lena trabajó en 16 películas y varios corto-metrajes, de los cuales su más famosa aparición fue en la película "Cabin in the sky", dirigida por Vincent Minelli en 1943, y en la que encarnó el fabuloso papel de "Georgia Brown", que la catapultó a la fama por su interpretación durante un pasaje de la misma, de la ya mencionada canción "Stormy Weather". Para no perderse esa sublime actuación, que AQUÍ podréis ver en "YouTube". Su última aparición en el cine fue en la fallida revisión de "El Mago de Oz:"The Wiz" (en la que interpretó el papel de "Glenda la bruja buena", junto a Michael Jackson y Diana Ross.

Gran comprometida con la lucha contra la discriminación racial, y a quien en un principio llamaban "café chanteuse" (debido a su color claro de piel), Lena Horne posee dos estrellas en el "Paseo de la fama de Hollywood" (una como cantante y otra como actriz), además de haber sido merecedora de tres premios "Grammy", y un premio "Tony" de teatro, por su actuación en el musical "The lady and her music", que en 1980 dirigió el "Rey Midas" Quincy Jones. Aun con todo este currículum a sus espaldas, se le prohibió pernoctar en hoteles para blancos hasta 1942, aunque en ese mismo año se convirtió en la primera mujer afro-americana en realizar una gira con una orquesta de jazz blanca, y en firmar un contrato permanente con la cinematográfica "Metro Goldwyn Mayer".

Casada desde 1937, hasta el fallecimiento de su marido Louis Jones en 1944, Lena Horne tuvo dos hijos, de los cuales su hija resulta ser la afamada escritora Gail Lumet Buckley, casada a su vez con el genial cineasta Sidney Lumet. Su última aparición pública fue allá por 1999, y desde entonces padecía esclerosis múltiple, hasta que ayer su voz se apagó...

De ahí nuestro sentido, humilde, y escueto homenaje, del cual es una digna merecedora, como icono que fue de toda una generación de acérrimos al cine en "blanco y negro" de hollywood, y a la mejor música de jazz. Dencanse en paz.

Espero que os guste: "LENA HORNE - THE BOY FROM IPANEMA".

Para más info sobre Lena Horn, su página tributo (no oficial): http://www.lena-horne.com/

HASTA LUEGO!!

DeNEILLE THOMPSON

Hola a todos!

Ayer por la tarde me encontraba revisando editoriales antiguos de nuestro blog, y de repente caí en la cuenta de que hace ya mucho tiempo que no le dedicamos unos minutos a la mejor música del mundo: el jazz... Y es que últimamente nos encontrábamos tan cómodos viajando musicalmente por tierras gallegas, que apenas he estado escuchando sonidos que no procediesen de aquellas tierras. El magnífico Ep de "Sleeping Cat" que os presenté el pasado día 2, y el estupendo trabajo de "Sevigny" con el que nos desayunamos el día 4, prácticamente han copado en exclusiva mis audiciones diarias; pero como diría aquél: "nunca es tarde si la dicha es buena...".

Hoy quiero presentaros a: "DeNEILLE THOMPSON".

Aparte de un escueto mensaje de invitación que este fantástico artista me envió hace unos días, para que le dedicase unos minutos de mi tiempo a escuchar su música, pocos son los datos biográficos que conozco sobre la carrera del señor Thompson. Pero por otra parte, no existe mejor tarjeta de presentación para él, que su soberbia voz negra, intemporal, temperamental, y cautivadora.

A veces definido como "un verdadero cantante de club nocturno", DeNeille Thompson es un auténtico "crooner" al más puro estilo del exitoso show radiofónico "Kraft Music Hall", que se emitía en Estados Unidos durante los años '30 y '40, y que presentaba el gran Bing Crosby.

Nacido en Newport (USA), y decidido a ser cantante profesional desde los 10 años de edad, Thompson ha pasado más de treinta años de su carrera actuando en Europa, y ha recorrido ya medio mundo, saltando desde Estados Unidos a Francia, desde Francia a Australia, desde Australia al Caribe, y de nuevo a Estados Unidos, para establecerse en Boston, en donde actualmente podemos encontrarle.

Errante, y convencido en la tradición de: "...allá donde cuelgo el sombrero esa es mi casa...", estamos ante un más que fantástico intérprete de jazz, blues, swing, bossa, y mucho más..., que en los grandes Lou Rawls y Ray Charles, encuentra las influencias necesarias para deleitarnos con su estilo suave pero enérgico, técnico pero desenfadado, cualitativo pero al mismo tiempo cuantitativo. Billy Ekstine, Sammy Davis Jr., Arthur Prysock, Tony Bennet, Mel Tormé, Etta James, Barbara Streisand, o Ella Fitzgerald... todos ellos se mezclan, sin agitarse, en el espléndido cóctel sonoro con el que DeNeille nos obsequia en cada una de sus apariciones sobre los escenarios.

Con un amplísimo y labrado repertorio, muy bien cimentado en estándares y piezas originales, resulta difícil decantarse por esta o aquella canción, para que lleguéis sin problemas hasta la plenitud estilística de nuestro amigo Thompson; pero creo que este "Let the good times roll" que finalmente he escogido, os dará buena muestra de su excepcional trabajo. Un clásico del género que escribiese el cantante y compositor Sam Theard, que inmortalizado en 1946 por los "Tympany Five" de Louis Jordan, y más tarde por los los genios Ray Charles o B. B. King, consigue desatornillar nuestra cadera a golpe de swing-blues, y que en esta fabulosa versión ejecutada por DeNeille Thompson, nos cautiva por su profunda y "andante" sonoridad, por su sabor a Nueva Orleans, y por su espíritu verdaderamente "crooner". Su título lo dice todo...

Espero que os guste: "DeNEILLE THOMPSON - LET THE GOOD TIMES ROLL".

Para más info sobre DeNeille Thompson, pincha AQUÍ.

HASTA LUEGO!!

SEVIGNY

Hola a todos!

Algo especial debe flotar en el ambiente de "a terra das meigas", y es que hace ya varios días que para escuchar buena música no he necesitado salir de aquellas tierras. Ya en mi etapa de habitante en la playa del matadero coruñesa, llegué a degustar en alguna medida el gran potencial sonoro que se escondía tras aquellos microclimáticos días de primavera-otoño, con los que tanto nos prodiga la mágica Galicia. Aun recuerdo los ratos compartidos con aquellos jóvenes principiantes que se llamaban "Distintos Caracteres", ¿Qué habrá sido de ellos?, y que tan buenos conciertos me hicieron disfrutar. Pero hoy la cuadratura del círculo ha llegado a su casi total madurez...

Hoy quiero presentaros a: "SEVIGNY".

Lucía Rolle y Xulio Vázquez, lideran este asombroso, enigmático, mágico, y atemporal proyecto musical que nos llega desde A Coruña (Galicia, España), en el que encontramos un frondoso y bien alimentado árbol de posibilidades estilísticas, que consiguen cimentar un prodigioso esqueleto de sonidos y texturas.

Con todo lo orgánico que en si mismas conllevan unas bien dibujadas guitarras acústicas, y con toda la magnificencia que pueden ofrecernos un genial ramillete de canciones, y una producción impecable. "Sevigny" acercan hasta nuestros oídos un atildado universo de paisajes sensualmente oníricos, de atmósferas transparentemente opacas, y un muy acertado aroma a centelleante languidez.

Su primer disco hasta la fecha ("Melalcoholic" -2006), nos ofrece un extraordinario sabor a folk americano, continuamente jalonado con pinceladas pop, bossa, jazz, electrónica, e incluso rock, que se afana en construir en torno a nosotros un fascinante sueño sonoro en ocho capítulos, y que nos permite acercarnos a él sin ningún tipo de prejuicio, para disfrutarlo sin prisas. Como un buen día de sol...

Dicen los que de esto entienden, que el dúo coruñés se está convirtiendo en uno de los más grandes referentes de la "música moderna anglosajona", y como ya he podido leer por ahí: cuando alguien nos explique que nueva corriente musical es esa, opinaremos sobre lo acertado o no del término; pero lo que sí es cierto, es que estos dos gallegos encuentran mucho más tirón popular en lugares como Estados Unidos, Inglaterra, o Canadá, debido sin duda a que su particular visión del éxito country "When the stars go blue", escrito por Ryan Adams en 2001, se incluyó en la serie televisiva estadounidense "Privileged", lo que les ha conseguido abrir la puerta de aquél inextricable mercado.

En cualquiera de los casos, la crítica dice de ellos que su proyecto musical parece sacado de alguna factoría artística allende nuestros mares, y que en sus partituras consiguen evocar una cierta melancolía, pero sin dejarse caer en el típico-tópico "triste-canta-autora-folk". Y yo añado: lo consiguen, sí; pero además, muy brillantemente...

"Sevigny" son, sin duda alguna: elegancia, suavidad, paz, sonoridad, talento. Ampulosa sencillez. Melodías en azul y verde. Canciones para paladear a oscuras. Radiante oscuridad para iluminar tardes de sol...

Espero que os guste: "SEVIGNY - WAITING FOR THIS LOOK".

Para más info sobre Sevigny: http://www.myspace.com/sevignymusic

HASTA LUEGO!!

SLEEPING CAT

Hola a todos!

Hoy en "La música que no sonó en los 40 principales" estamos de enhorabuena, ya que nuestro amigo Jerry (desde Noia, Coruña, España) nos presentó ayer 1 de mayo su primer trabajo discográfico en solitario, en el que con formato EP, y bajo el sobrenombre de "Sleeping cat", encontramos una magnífica noticia musical que merece la pena analizar en profundidad, reseñar con letras mayúsculas, y recomendar encarecidamente. Así pues, hoy nuestro editorial irá encaminado más bien a revisar este excepcional disco, y no sólo a revisar su vida, obra y milagros.

Hoy quiero presentaros a: "SLEEPING CAT".

El gato duerme, sí; pero lo hace con un ojo abierto. Y mientras dormita interioriza sus sentidos más artísticos, soñando con un disco elegante, pausado, armonioso. "The first EP" es un disco emocionante, sensible, sensitivo, somático... perfecto si te gusta escuchar música, degustar arreglos, sentir historias, y dejarte seducir por locos que se alejan cada vez más de la mediocridad "radio-formulera".

Jerry posee una dilatada experiencia al frente de su banda "Supersound", la cual ya analizamos aquí el pasado 17 de febrero de 2009, así que estoy seguro de que en este trabajo en solitario, no tendrá cabida la palabra decepción.

Vamos allá. Un, dos, tres: acción...

1.- "HAPPY WORLD".

Es una canción brillantemente sencilla, elegante, melosa pero sin acercarse ni de lejos a la ñoñería, y encantadoramente orgánica. Con muchas reminiscencias armónicas del folk de los '60, y remembranzas vocales que nos retrotraen al mejor trabajo cantado de "The Beatles". Espero que os guste...

2.- "I'LL BE READY".

Magnético cover realizado a partir del original de los vigueses "Maryland", en el que los arreglos de piano nos enseñan una melódica y seductora sencillez cargada con cientos de brillantes matices, que junto a los arreglos de cuerda, y las susurrantes voces de Jerry y Rubén Castelo, consiguen envolvernos en un ambiente asombrosamente poli-cromático, que causa un cierto efecto "Flautista de Hamelin". Y aquí está...

3.- "THE FOOL ON THE HILL AGAIN".

Una sinuosa carretera de montaña a bordo de un descapotable. Cabellos despeinados, el cielo azul sobre nuestras cabezas, el asfalto quimérico bajo las ruedas, la brisa acariciando nuestro rostro, y un escueto pero preciso y precioso viaje hacia el sol. Brillante, corta; pero esencia pura... Puro Sleeping cat...

4.- "THE STORY OF BANISHED MOON".

En esta deliciosa pieza, la colaboración de Jerry con Ramón Orencio de "Aló Django", produce en el oído un cierto sabor del más enérgico y magnético estilo a lo Leonard Cohen, consiguiendo con todo ello ciertas armonías y progresiones "folkis", que bien podrían haberse escuchado en siglos pasados, como canción de cuna para aquellas pequeñas princesas que dormían en sus castillos medievales. Shhhhhhhh, no despertéis al gato...

5.- "SONG FOR JOHN".

A mi modesto entender, excelente y muy bien trabajado homenaje a John Lennon, en el que no se han escatimado arreglos, ni vocales ni instrumentales, para acercar la canción hasta unos estándares de calidad que harían palidecer de envidia al mismísimo Brian Epstein. Una auténtica delicia para los sentidos. Pieza efectiva y efectista que conviene no perderse, y que a la sazón, podría llegar a ser la mejor canción del disco. He aquí...

¿Conclusión?: Excelente... ni más, ni menos. Ni trampa, ni cartón... Un disco perfecto para ser degustado, para recuperar la costumbre de pararse a escuchar y no sólo a oír. Un soberbio disco que sin duda caerá en el epatante ostracismo de la cada vez más absurda industria musical española; pero que a mi ya me ha conquistado, y tendrá un importante hueco entre mis discos de cabecera, justo al lado del "Pilgrim" de Clapton; pero a buen seguro también conquistará a todo aquél oyente que aun sea capaz de sentir ese "algo" inexplicable, cuando escucha buenas canciones...

Espero que os guste: "SLEEPING CAT - THE FIRST EP"

Para más info sobre Sleeping cat: http://www.myspace.com/sleepingcatspace

Además, Jerry permite la descarga gratuita de su disco, así que si os gusta lo leído y escuchado, no dudéis en hacerlo desde AQUÍ.

HASTA LUEGO!!

KIM McLEAN

Hola a todos!

Último día del mes de abril, y la verdad es que en las últimas semanas tengo demasiado abandonado mi querido blog. En lo que va de año, he de reconocer que me cuesta sentarme ante el folio en blanco para sacar adelante editoriales que resulten interesantes, ágiles, y que estén a la altura de los artistas a los que pretenden presentar. Y he de confesaros, no sin cierto grado de decepción, que no se trata de un abandono forzado por la ausencia de buena música. Se trata más bien de un pequeño estado de aletargamiento anímico, al comprobar en algunas ocasiones lo poquito que mi trabajo pesa en el actual panorama musical. La verdad es que no sé que esperaba alcanzar con este blog y con su versión radiofónica; pero sea lo que fuere no arranca, y eso en ocasiones me frustra. Pero por otra parte, eso es algo que no me puedo permitir. Así pues... ¡leña al mono!

Hoy quiero presentaros a: "KIM McLEAN".

Y si en 2010 tenemos demasiado abandonado el blog, también hemos de reconocer, que casi en la misma medida nos hemos ido alejando del country, y yo diría que hace ya meses que no traemos hasta estas líneas ningún exponente de esa brillante, y enérgica corriente musical estadounidense; pero eso se soluciona con una atenta escucha a nuestra fabulosa protagonista de hoy.

Kim McLean es una cantante, guitarrista, y sobre todo compositora, que cuenta en su haber con un extenso catálogo de canciones (que ella misma cifra en más de 2.000) de las cuales, algo más de 200 ya han sido grabadas por artistas como Tim McGraw, Lee Ann Womack, Trisha Yarwood, o el grupo de gospel "The Martins".

Estamos ante una prolífica autora e intérprete, que desde Kingston Springs, en Nashville (Tennessee, USA), nos propone un muy interesante compendio de composiciones al más puro estilo americana-folkrock-country, que en las influencias absorbidas de grandes del género como Dolly Parton, Emmylou Harris, o Bonnie Raitt, encuentra una clara razón de ser: contar historias, cantar momentos, y atrapar instantes...

Con una discografía en solitario que arrancó en 2005, con la publicación de su primer disco, Kim desarrolla una magnífica labor creativa en todos sus álbumes: ("Happy face" -2005; "The songwritter gospels" -2006; "God's lyrics" -2006; "Soul solace" -2008; y "Rapunzel's escape" -2009); que nos muestran a una Kim en ocasiones acústica y atemperada, eléctrica y vibrante en otros momentos; pero siempre enérgica, y comprometida fervientemente con ese sonido fronterizo, que tantos adeptos aglutina en el país de las barras y estrellas.

Folk, rock, gospel, country, blue-grass. Guitarras acústicas, mandolinas, dobros, slides, banjos. Todo un arsenal de ambientaciones típicamente americanas, para conseguir ese sonido brillante y cercano, que tanto nos gusta en "La música que no sonó en los 40 principales". Sin duda, estamos ante uno de los mejores trabajos que de este género se hacen actualmente en Estados Unidos, y no en vano, la señorita McLean puede vanagloriarse de haber contado con la inestimable e impresionante colaboración de la mismísima Dolly Parton, para la grabación a dúo de su canción "Angels and eagles", que se incluyó en su disco de 2005, "Happy Face".

Pero nosotros hoy vamos a quedarnos con una de las canciones incluida en el último disco que Kim ha publicado hasta la fecha: "Ain't no glory". Una canción que nos regala todo ese temperamento sureño, que se encierra en su voz y en los portamentos de su técnica vocal. Una canción fuerte en sus formas, y delicada en sus fondos, que en buena medida nos deja patente la calidad que Kim McLean atesora en su ánimo más guitarrístico y rayano.

Espero que os guste: "KIM McLEAN - AIN'T NO GLORY".

Para más info sobre Kim McLean: http://www.kimmclean.com

HASTA LUEGO!!

PAR-A-DIGM

Hola a todos!

Andar constantemente en la búsqueda y captura de nuevas músicas que no tengan repercusión en nuestro país, resulta ser una obligada auto-disciplina que casi siempre me ofrece una cara y una cruz. La cruz es que en ocasiones, después de horas y horas de bucear en mis discos duros, de navegar por Internet, y de saturarme los oídos con cientos de proyectos distintos, una mínima frustración consigue invadir mi espíritu más periodístico, ya que uno no siempre es capaz de encontrar lo que está buscando. Pero por otra parte, esta auto-impuesta tenacidad investigadora, también me ofrece a menudo una cara mucho más agradable, y que consigue proporcionarle a la palabra frustración su merecido antónimo.

Hoy quiero presentaros a: "PAR-A-DIGM".

Reggie (guitarra y voz); Allen (guitarra, teclados, y coros); Szi (bajo y coros); Robert (batería y coros); y Andre (teclados); son los componentes de este muy interesante combo de cinco piezas, que nos llega desde la "Sin city": Las Vegas, USA.

Formados en 2006, sus primeros pasos sobre los escenarios de Estados Unidos fueron limitados a apariciones esporádicas en las iglesias de su zona de influencia, y con grandes dosis de espiritualidad y amor a Dios, en su estilo musical adoptan influencias más o menos visibles, de artistas como "Nickelback, "Skillet", "Newsboys", o "DC Talk". Con todo ello consiguen acercar hasta nosotros, un proyecto musical que cabalga entre el rock cristiano y el pop alternativo; pero en el que también se integran elementos de hip-hop, y hasta del new wave, para proporcionarnos en su trabajo una experiencia muy diferente al rock tradicional. De hecho, en su único disco publicado hasta la fecha ("Paralyzed" -2009), se dan cita unas muy interesantes mezclas de R&b, rock, y new wave al más puro estilo de los años '80, que con textos extremadamente espirituales, melodías muy pegadizas, y armonías en ocasiones hasta etéreas, consiguen seducirnos, y conducirnos por senderos bañados en una luz casi divina. Con ellos podríamos acuñar el término: "rock-negro". Y es que en el mundo no son muchas las banda de rock, cuyos integrantes sean de raza negra.

Tanta mezcolanza racial, de estilos musicales, de talento, y de trabajo bien hecho, inevitablemente da como resultado un proyecto, que en su primera escucha quizá pueda resultar excesivamente heterogéneo, pero que poco a poco se va acomodando en nuestro oído, con toda la frescura de un sonido personal, novedoso, arriesgado, y sobre todo: cargado de fe. No en vano, estos cinco estadounidenses persiguen como fin primordial de su carrera musical, el poder llegar a ser una de las bandas líderes de la música cristiana en todo el mundo. Pretencioso o no, "Par-a-digm" lanzan su epístola musical a todo aquél que quiera escucharla, y aunque reconozco que yo no soy un experto en cuanto a música cristiana se refiere, si soy capaz de reconocer el talento en el que envuelven cada una de sus composiciones, y la armoniosidad de sus mensajes.

Nos merecemos unos minutos de paz interior, y por ello os traigo el cuarto corte que podemos encontrar en su disco. Una canción titulada "Emily", que nos acerca perfectamente al universo espiritual de nuestros protagonistas de hoy. El dicho popular asegura que: "lo que ocurre en Las Vegas, se queda en Las Vegas"; pero esperemos que en este caso se haga una excepción, y "Par-a-digm" puedan pronto cantar y contar sus historias, mucho más allá de la capital mundial del vicio y el entretenimiento...

Espero que os guste: "PAR-A-DIGM - EMILY".

Para más info sobre Par-a-digm: http://www.paradigm-rocks.com

HASTA LUEGO!!

NEEL DANIEL

Hola a todos!

23 de abril de 2010, y así como quien no quiere la cosa, ya son quince los meses en los que este blog llega hasta Internet, y con ello hasta vosotros. Persiguiendo siempre mostraros artistas desconocidos en nuestro país, desaprovechados por la industria mundial, o simplemente noveles, que con sus maravillosas y mágicas texturas sonoras, engrandecen y dan esplendor al actual panorama musical en el que nuestro globalizado mundo se encuentra inmerso. No nos importa su estilo, no nos importa donde se encuentren, no nos importa cuántos discos venden. Tan sólo nos importa lo verdaderamente sustancial: su calidad...

Hoy quiero presentaros a: "NEEL DANIEL".

Quizá sea porque es viernes, y el fin de semana incita al relajo. Quizá sea porque es primavera, y la suavidad del clima invita a la parsimonia. Quizá tan sólo sea por su sencillez, que realmente consigue agradar desde la primera hasta la última nota; pero cuando anoche me topé con el proyecto musical de Neel, me bastaron pocos segundos para poder saborear las mieles de un excelente pop-rock estadounidense. Sin complejos ni condicionamientos estilísticos, y con cierto sabor europeo, que por supuesto exhala muchos aromas country, y que sin acromegalicas algarabías consigue un sonido suelto, libre, y divertido, sin ceder un sólo ápice de fuerza.

Neel Daniel nació en Atlanta (Georgia, USA), aunque desde hace ya un buen puñado de años es una pieza ineludible de la escena musical en Washington, lo que le ha servido para participar en la publicación de más de una veintena de discos, en los que ya sea como miembro de sus propias bandas, o como músico de sesión contratado por los estudios de grabación, su huella aparece en todos ellos.

En su juventud aprendió a tocar las guitarras acústica y eléctrica, el bajo, y la batería, hasta que a los 15 años de edad decide establecerse definitivamente como "bajista-cantante", debido sin duda, a que como él mismo confiesa: "...todo el mundo necesita un bajista, y alguien tenía que cantar..."

Como casi cualquier joven de su edad, Neel creció escuchando discos de los Rolling Stones, de los Beatles, de T. Rex, de David Bowie, de Badfinger, y de todos aquellos grandes iconos que perduraban durante su adolescencia, lo que indudablemente le marca las pautas en su forma de componer; pero es sin duda su devoción por el sonido de George Harrison, el que consigue decantar la balanza de sus composiciones. Canciones muy orgánicas y elaboradas con sencillez, en las que lo acústico prima casi por encima de todo, y en las que el "slide" ocupa un papel primordial. Regalándonos verdaderas exquisiteces sonoras, limpias, asequibles, y refinadas, que sin oscuras asechanzas, ni complicaciones metafísicas, se suceden una tras otra en el "track list" de lo que será su primer disco en solitario ("Blue eyed monkey"), que se publicará en mayo de 2010, a través de plataformas digitales como "CD Baby", "Amazon mp3", o "i-tunes".

Y como anticipo a la publicación de ese primer álbum, aquí os dejo "Beautiful". Una canción perfecta para desembocar en primer sencillo de presentación, y que como la primavera, de puntillas y casi sin apercibirte de ello, te atrapa con sus maravillosas cualidades de desparpajo, franqueza, y desahogo. Hermosa simplicidad...

Espero que os guste: "NEEL DANIEL - BEAUTIFUL".

Para más info sobre Neel Daniel: http://www.myspace.com/neeldaniel

HASTA LUEGO!!

SHEILAH CUFFY

Hola a todos!

Siempre resulta agradable escuchar buena música, y casi cualquier situación suele ser proclive para ello. Así que en este sábado primaveral, antesala de un merecido fin de semana, no podría imaginar el día sin una buena dosis de sonidos, que tiñan el ambiente con su magia, y nos contagien con la cadenciosa vibración de un cálido "groove"...

Hoy quiero presentaros a: "SHEILAH CUFFY".

Y es que en nuestro cotidiano viaje por la música más desconocida de nuestro país, hoy vamos a realizar un increíble vuelo que nos llevará desde París hasta Madrid, pasando antes por Londres y Dominica. Así de viajera y multi-racial resulta ser nuestra protagonista de hoy.

Cantante y compositora nacida en Londres. Estamos ante una mujer de extenso e inconmensurable currículum, que ya en su Londres natal trabajó como cantante solista y corista en varios proyectos de soul, funk, pop, jazz, y blues; llegando a colaborar con artistas de la talla de Courtney Pine, Ronnie Jordan, Juliet Roberts, Roachford, Omar, o George Clinton. Además de encarnar diversos papeles en espectáculos teatrales musicales como "Showboat", "Ain't misbehavin", "Carmen Jones", "Blues in the night", y "We will rock you".

En 1993 Sheilah se traslada hasta Madrid para trabajar con "La Orquesta Mondragón", y desde entonces podemos disfrutarla sobre los escenarios de nuestro país, ya que inmediatamente después de su experiencia con Gurruchaga y sus chicos, prestó su voz para el teatro, y la televisión, además de acompañar en giras y grabaciones a artistas nacionales tan dispares como Sergio Dalma, Ketama, Carlos Jean, La Unión, Coti, Mónica Naranjo, Enrique Morente, Marta Sánchez, Antonio Canales, o Santiago Auserón. Prácticamente a diario nos toparemos con su voz, en spots publicitarios de firmas como "Coca-cola", "Orange", "Telefónica", "Renault", "Balay", o la "Lotería Nacional". Como podemos comprobar, se trata sin duda de una artista polivalente, inquieta, y con una muy dilatada experiencia. No en vano, Sheila se declara orgullosa de su trabajo como directora del coro de gospel acapella "Inside voices", que a la sazón resulta ser uno de los más prolijos e importantes de nuestro país.

Con un talento interpretativo que queda fuera de toda duda, Sheila Cuffy crea en España su propio y personal proyecto musical: "The Sheilah Cuffy Project", que persigue indisimuladamente recuperar en alguna medida la grandilocuencia de aquellas bandas "enormes" de los años '70. En este ambicioso y maravilloso proyecto encontramos ritmo, talento, sentido, y sensibilidad, todo repartido a partes iguales, y desarrollado en canciones verdaderamente originales y excelentemente construídas, que encuentran su caldo de cultivo en el funk más vibrante, el nu-jazz menos arquetípico, y el gospel más fantasioso.

Y si de talento y grandilocuencia debemos hablar al escuchar el sonido de su primer disco: "Sharing, loving, giving" (que se publicará a lo largo de 2010), capítulo aparte merece la excepcional pléyade de músicos, y que con la propia Sheilah al frente con su voz, forman la banda: Emmet Crowley (guitarra); Ander García (bajo); Satxa Soriazu (piano); Luis Verde (saxo alto); Iñaqui Rodríguez (saxo tenor); Roberto Pacheco (trombón); Pahola Gutiérrez, Sonia Herrero, y Marisa Quirós (coros); Juanma Urriza (batería); y Mario Edjo (percusión); son cantidad, y calidad. Una aquilatada lista de impresionantes músicos, que consiguen sonar como uno solo, y que a través de toneladas de talento, virtuosismo, y elegancia, desgranan pieza a pieza un excepcional repertorio, que haría palidecer de envidia a cualquier banda funky, de aquellos años '70 en la neoyorkina "Studio 54". Sensacionales...

Espero que os guste: "SHEILAH CUFFY PROJECT - BEAUTIFUL DAY".

Para más info sobre Sheilah Cuffy: http://www.myspace.com/sheilahcuffy

HASTA LUEGO!!

ZIGMAT

Hola a todos!

Comenzamos una nueva semana, y como de bien nacidos es ser agradecido, la verdad es que hoy me apetece comenzar agradeciendo las casi 13.000 visitas con las que ya contamos en nuestro blog, las más de 200 escuchas de nuestro programa de radio, y la treintena de descargas que hasta la fecha ha tenido el podcast del mismo. A priori pueden no parecer unas cifras excesivamente espectaculares, pero he de reconocer que cuando comencé con esta aventura esperaba algo mucho más discreto aun. Y es que es tan poco el interés que parece suscitar la música que no puede escucharse en los grandes canales de promoción, que en ocasiones esa desidia del público casi consigue desmotivarme. Pero la mediocridad instaurada en los oyentes nada tiene que ver con los artistas, y ellos sí merecen encontrar su edén particular. Así pues, por ellos, y por todos los que día a día nos seguís, continuamos adelante...

Hoy quiero presentaros a: "ZIGMAT".

Con ellos estamos quizá ante la elegancia personificada, y elevada hasta su máxima expresión. Una propuesta que resulta ser una auténtica delicia sonora, sin estridencias desbocadas ni aberraciones estilísticas, que nos conduce pausada pero enérgicamente por paisajes tan melódicos y contagiosos, como distinguidos y cautivadores.

Dúo formado en 2006 por la cantante puertorriqueña Mónica Rodríguez, y el bajista estadounidense Stephen Yonkin, nos llegan desde el corazón del populoso condado de Brooklyn (Nueva York, USA), para ofrecernos un impresionante compendio de sonidos rock, pop, electro, y trip-hop, al que los entendidos en la materia ya comparan con otros grandes del género como "Massive Attack", "Air", o "Goldfrapp".

Tras pasar ambos por las aulas del "Berklee College of Music" de Boston, Mónica y Stephen se conocieron en un bar del ya mencionado Brooklyn, justo cuando ella buscaba un bajista para su banda, y él buscaba una banda en la que poder tocar. Ese afortunado encuentro da como resultado un primer EP auto-publicado en 2008 ("Sounds of machines"), que contiene las primeras canciones escritas por el dúo desde el momento de su reunión. En ese mismo año el sello brasileño "Ultra Records" se interesa por ellos y por aquél soberbio trabajo discográfico, lo que les permite completar el EP hasta convertirlo en un disco de larga duración, que con el mismo título, se publica en Brasil con un más que aceptable éxito. Lo que sin duda colaboró en gran medida, para que en mayo de 2009 ese "Sounds of machines" viera la luz en Estados Unidos, y para que (¡oh, sorpresa!), en 2010 hayan fichado por la discográfica española "Actúa Música", lo que les supone un importante impulso en nuestro país. Y es que tal vez algo está cambiando por aquí... No en vano, el pasado 17 de marzo la banda pasó por el escenario de "Los conciertos de Radio 3", y pudimos disfrutar de ellos en el correspondiente programa televisivo emitido por "La2", en el que nos dejaron su magnífica e hipnótica impronta.

Con alguna de sus composiciones colocada en el "score" de la película "Backseat", dirigida por Bruce Van Dusen; dicen de ellos que su trabajo musical evoca imágenes al más puro estilo "Blade Runner", y el año pasado resultaron ser una de las más gratas sorpresas que nos deparase la música "made in USA". Con un sonido que recuerda a los "Talking Heads", pero que se parece más a los "Yeah Yeah Yeahs", en el primer disco de "Zigmat" encontramos un trabajo realmente rico en matices, y cargado hasta los topes de grandes y muy recomendables canciones, que narran dolores del alma, deseos del espíritu, frustraciones del amor. Introspección, anhelos, penas, y algún que otro oscuro cuadro de lujuria pseudo-sádica, dan formas inteligentemente aleatorias al trabajo de Mónica y Stephen, que con voces susurrantes, armonías pausadas, y sucintas melodías, consiguen atraparnos en una exquisita y delirante red de sonidos abiertos y oscuramente brillantes.

Espero que os guste: "ZIGMAT - BETWEEN BULLETS".

Para más info sobre Zigmat: http://www.zigmat.com

HASTA LUEGO!!

THE BASEBALLS

Hola a todos!

Desde "La música que no sonó en los 40 principales" siempre pretendemos estar atentos a todos esos grandes proyectos musicales que se mueven por el mundo, y que evidentemente no encuentran su merecida difusión en el abigarrado mercado español. Así que cuando nuestros protagonistas de hoy cayeron en mis manos el pasado fin de semana, de inmediato supe que estaba ante algo excepcional, y aunque he de reconocer que he llegado hasta ellos un poco tarde, no quiero dejar pasar la oportunidad de compartirlos con todos vosotros.

Hoy quiero presentaros a: "THE BASEBALLS".

Divertidos, geniales, auténticos... La lista de adjetivos que podría utilizar para describir a estos tres muchachos alemanes podría convertirse en interminable, y aun a riesgo de resultar redundante y redicho, reitero: ocurrentes, espléndidos, genuinos...

Sam, Digger, y Basti, son tres maravillosos y locos cantantes que nos llegan desde Berlín (Alemania). Tupés arquitectónicos, gomina por toneladas, patillas interminables, cazadoras de cuero, y Elvis en la voz, para presentarnos un fantástico proyecto que se basa en la recreación de estupendas versiones de canciones archiconocidas por todos, eso sí, revisitadas a golpe de buen rock 'n' roll, para "envejecerlas" hasta hacerlas sonar como lo hubieran hecho en los años '50.

Nuestros tres héroes engominados se conocieron por casualidad en 2007 durante una visita a unos "cutres" locales de ensayo de Berlín, y la chispa no tardó en saltar entre ellos. La química que aglutinan en su estilo desenfadado y enérgico, no persigue otra cosa que una pretendida evolución del legado musical de Elvis, Jerry Lee Lewis, Buddy Holly, y demás estrellas del rockabilly, para acuñar un estilo que ellos mismos describen como "voc 'n' roll"; y que no es otra cosa que una añeja filosofía de vida, una áurea manera de entender la modernidad, y una atezada manera de sentir la música...

Su álbum debut se publicó en mayo de 2009, y bajo el arquetípico título de "Strike!", encierra en su interior un fabuloso "track list", en el que podemos encontrar esplendorosas versiones de éxitos tan actuales como el "Hot'n cold" de la estadounidense Katy Perry, el "Umbrella" de la barbadense Rihanna, el "Bleeding love" de la británica Leona Lewis, el "Crazy in love" de la neumática Beyoncé, o el "The look" de los suecos Roxette. En una primera impresión puede resultar extraño escuchar dichas canciones reconvertidas al más puro rock and roll de los años '50, pero las versiones están tan bien pensadas, tan fantásticamente ejecutadas, y tan magistralmente amenizadas, que bien podrían haber sido éxitos escritos en aquella dorada época de la música por Bill Haley, Little Richard, o Eddie Cochran.

Un auténtico bombazo allá donde el disco se ha publicado, a saber: Alemania, Suiza, Austria, Finlandia, Suecia, Noruega, y Países Bajos; consiguiendo alcanzar el número 1 de ventas en casi todos ellos, y en los que no ha sido así, siempre podemos encontrarlos en el lujoso "top 10" de las listas. Queda patente que el rock and roll gusta a rabiar en los países escandinavos. Aunque tanto despliegue de éxito no ha servido aun, para que la "todo-poderosa" compañía que los apadrina, "Warner Music", se halla dignado a publicarlo en nuestro país... ¿Qué raro, porqué será...?

Ironías a parte, "Antena 3 televisión" se hizo eco del proyecto de estos muchachos en sus noticiarios del pasado 26 de febrero, y eso quizá pueda significar que ya hay alguien que puede estar tanteando nuestro mercado para comprobar si merece la pena o no... en cualquier caso, es un buen momento para acercarnos a ellos, antes de que quizá alguna "leonina" multinacional nos los reboce incesantemente en las radio-formulas. Son simplemente geniales...

Espero que os guste: "THE BASEBALLS - UMBRELLA".

Para más info sobre The Baseballs: http://www.the-baseballs.com

HASTA LUEGO!!

MISSBEE

Hola a todos!

Pues sí, se acabaron las vacaciones. Ahora toca volver a la rutina diaria, y con ello volver a los atascos de tráfico, al errático sonido del despertador matutino, y al siempre plausible hábito del trabajo. Sabemos que esto no seduce a casi nadie, así pues, desde nuestro blog intentaremos amenizar esa reentrada a la cruda realidad, de la mejor forma que sabemos hacerlo: con buena música...

Hoy quiero presentaros a: "MISSBEE".

Incógnita. Y es que eso es lo primero que asalta a mis palabras, cuando intento averiguar datos acerca de esta fabulosa artista. Incógnita como digo, ya que al bucear en Internet en busca de referencias que me ayudasen a conocer mejor a la señorita Misbee, pocos son los datos biográficos que puedo aportar sobre ella.

Estamos ante una fémina con unos orígenes ciertamente confusos, ya que puede tratarse de una mujer africana, pero que con sus rasgos indo-orientales, y su sólido arraigo en la cultura londinense, realmente puede hacernos dudar acerca de todo ello. Lo único cierto que atisbamos en su semblanza, es que nos llega desde Londres, y que portando bajo el brazo toda su juventud, espontaneidad, y madurez; su música resulta en nuestros oídos como un buen café por la mañana al despertar, y nos arrastra en una maravillosa espiral de clásica elegancia.

Sus intereses musicales aparecen muy diversificados, aunque ella misma se declara íntimamente apasionada por el jazz, y en su estilo contemporáneo podremos encontrar una amplia paleta de matices estilísticos, que buscan poder acomodar en torno a ellos la fina esencia del más tradicional de los sonidos, sobre un nuevo lienzo que se colorea con tonalidades muy refrescantes, burbujeantes, y actuales. Jazz, swing, soul, y una pizca de algo mucho más latino, que consiguen acercarnos a las más puras emociones de la vieja escuela jazzística, y a sus cadencias más "hot".

Dicen de ella que sabe combinar a la perfección las ricas tonalidades vocales de Ella Fitzgerald, con la actitud interpretativa de Phyllis Hyman, y la verdad es que escuchando algunas de sus canciones, rápidamente nos viene a la memoria ese aire sofisticado y genuino, que mostraban las mencionadas divas.

Nada puedo aportar en este editorial sobre su trayectoria, experiencias pasadas, formación, o currículum; pero eso no es óbice para que Missbee no pueda ganarse por méritos propios un importante espacio en nuestro blog, ya que su música habla por ella, y en ella encontramos prácticamente todo lo que de ella necesitamos saber.

"Vichickychica" es el título de la canción que hoy quiero proponeros. Una pieza deliciosa y sin par, que cabalga a la perfección en los estilos más aderezados del jazz, el soul, e incluso del rythm & blues, ofreciéndonos una partitura elegantemente rítmica, fresca, y con multitud de guiños a la sofisticación más elegante y bulliciosa. Un poco de "scat", ritmos sincopados, melodías pegadizas, y progresiones armónicas que ayudan a conseguir cierto "toque" de esa ya mencionada clásica elegancia.

Espero que os guste: "MISBEE - VICHICKYCHICA".

Para más info sobre Missbee: http://www.myspace.com/officiallymissbee

HASTA LUEGO!!

RACHEL McGOYE

Hola a todos!

Inmersos como estamos en el ecuador de estas vacaciones primaverales, este día resulta un momento idóneo no sólo para holgazanear y tomar el sol. También puede ser un momento muy adecuado para realizar alguno de nuestros viajes virtuales por la música del mundo, y dejarnos seducir por alguna de esas bellas e interesantes propuestas que flotan sobre el mar de nuestro desconocimiento; pero que nos ofrecen todo aquello que los melómanos esperamos encontrar en sus sonidos...

Hoy quiero presentaros a: "RACHEL McGOYE".

Rachel es una joven canta-autora nacida en Stuart (Florida -USA), y que ya sea a través de la guitarra, el piano, o de su delicada voz, nos sorprende con un talento juvenil muy equilibrado, en un estilo hererogéneo, ameno y desenfadado, que ella misma describe como: "...un dulce zumo de frutas lleno de sorpresas, refrescante, natural, agradable para el espíritu, y bueno para el corazón...".

Hija de una enfermera y un obrero de la construcción que falleció en un accidente laboral en 1984, en ese mismo año Rachel ofreció sus primeras actuaciones en público, al mismo tiempo que estudiaba en el "Centro de Artes" de su Stuart natal, en el que se prodigó en disciplinas como el ballet, el tap, el jazz, la danza moderna, y el hip-hop, mientras actuaba por todo el estado de Florida en una compañía de danza contemporánea.

A los 16 años de edad recibió formación en canto clásico de la mano de la gran cantante de ópera Rita Vallis, y tras conseguir una licenciatura en el prestigioso "Berklee College of Music" de Boston, decide trasladar su residencia hasta la dorada California, en pos de conseguir alcanzar su sueño de convertirse en canta-autora a tiempo completo.

Su primer trabajo discográfico nos llegó con el EP "What day is it", que se publicase allá por 2006, y que en alguna importante medida consiguió llamar la atención de la industria musical norteamericana, lo que le permitió a nuestra hermosa y joven protagonista de hoy, publicar ya en 2008 su primer disco de larga duración. Un maravilloso disco que bajo el título de "Beautiful disaster" (producido por el ex "The Temptations" Steve Harvey y grabado en ¡un sólo día!), nos seduce abiertamente con toques de folk, pop, un poco de rock, y algo de soul. Canciones que fluyen suavemente en un proceso melódico muy costumbrista y magnético, que en el "rock suave" y el "folk fuerte", encuentran el mejor aliado para una voz sensual, muy orgánica, y nada artificial.

La propia Rachel declara su estilo muy influenciado por todos los discos que podían escucharse en su casa durante su adolescencia, entre los que se encontraban grabaciones de "Fleetwood Mac", Carole King, Phil Collins, Stevie Wonder, Tom Petty, Steve Miller, o Van Morrison. Todo ello combinado con algunas pinceladas de Withney Houston, Mariah Carey, Mc Hammer, y en general la música de los '90, dan como resultado el ameno y refescante cóctel sonoro que hoy podemos encontrar en ella. No en vano, algunos expertos estadounidenses la describen como una sólida mezcla entre los estilos de Sheryl Crow, Jewel, y Fiona Apple. En cualquiera de los casos, la realidad es que merece la pena realizar el esfuerzo para descubrir los maravillosos lienzos sonoros que en cada composición nos regala la señorita McGoye, y que consiguen disfrutarse ya desde la primera escucha.

Con un nuevo disco lanzado en otoño de 2009, "Down south", se cierra hasta la fecha la trilogía de álbumes publicados por Rachel McGoye. Pero en nuestro editorial de hoy, nosotros vamos a retrotraernos hasta su anterior disco de 2008, en el que encontramos esta joya sonora que da título al disco, "Beautiful disaster", y que auna en si misma todas esas mágicas cualidades de sonoridad, elegancia, sensualidad, y carisma.

Espero que os guste: "RACHEL McGOYE - BEAUTIFUL DISASTER".

Para más info sobre Rachel McGoye: http://www.rachelmcgoye.com

P.D.: Para variar, no he podido subir la cinta de cassette que habitualmente nos sirve como reproductor de música, ya que la página que utilizo para ello lleva todo el fin de semana sin funcionar, así que al menos por hoy, volvemos al player de Goear...

HASTA LUEGO!!