Seguimos hoy con la emocionante y gran aventura que supone para nosotros la creación de un nuevo trabajo musical, dando por terminada la maqueta preliminar que supone la tercera canción que se incluirá en el disco.
Esta vez, dejándonos llevar sin estilismos absurdos, en la partitura de "Es así como se debe querer" (la canción que hoy os presentamos), hemos pretendido deliberadamente simplificar la carga instrumental, para concederle mayor importancia a la carga armónica de la composición. No sé si con acierto, o no, pero intentamos en esta ocasión cabalgar por terrenos típicos de bolero, con sucintos acordes de guitarra cercanos al jazz, y una atmósfera que bien podría resultar en smooth, latin, o incluso de canción para tema central de película romántica.
"Es así como se debe querer", es ante todo, una canción elegante, sin estridencias, y que atesora toda la belleza que he sido capaz de capturar entre sus estrofas. Está mal que yo lo diga, y no quisiera pecar de pedantería insulsa; pero ésta, bien podría ser una de las canciones de mayor éxito comercial, de alguna rutilante estrella del panorama musical, por aquí, o incluso más allá del charco...
Espero que os guste: "NACHO VALENCIAGA - ES ASÍ COMO SE DEBE QUERER"
Seguimos inmersos de lleno en el arduo proceso creativo de mi nuevo disco "2012", y justamente ayer dimos por concluida la maqueta preliminar de lo que será la segunda canción que se incluirá en él: "Febrero".
Está siendo una auténtica delicia trabajar los temas junto a mi mujer, que a pesar de no poseer conocimientos musicales técnicos, sí sabe reconocer lo que le gusta y lo que no, y sabe reconocer lo que le suena bien y lo que no. Es una situación inusual para mi, y está consiguiendo creo yo, entre otras cosas, hacerme crecer como músico; ya que al componer y grabar me libera de los "tecnicismos" del compañero entendido en la materia.
Es la primera vez en toda mi carrera musical que abandono ese estilo pop-rock que siempre ha caracterizado mis composiciones, para intentar adentrarme (con toda humildad, por supuesto) en paisajes mucho más jazzeros, o mejor dicho: más "smoothjazzeros". Con cadencias rítmicas a medio tiempo (sin prisas y sin pausa). Con armonías elaboradas desde las líneas de acordes iniciales, y dejando que el "groove" de las canciones fluya por terrenos hasta ahora inexplorados para mi.
Os pido que tengáis en cuenta que las grabaciones se están realizando en mi estudio casero, y que yo me estoy encargando de tocar todos los instrumentos. Así que si encontráis "impurezas", sed benevolentes: es una grabación no profesional (con todo lo bueno y lo malo que ello conlleva).
Nuevamente quiero llegar hasta vosotros con ánimo de auto-promoción. Y es que no se me ocurre artista más desconocido que yo mismo, así pues, creo que esta plataforma que creé hace ya unos años para promocionar músicos de todo el mundo y músicas de todos los estilos, que se encuentran en la misma situación de desamparo que yo, me vendrá de perlas para presentaros lo que será mi nuevo trabajo musical, que publicaré a lo largo de este año, y que llevará por título: "2012".
Tengo la intención de ir presentando las canciones en el mismo instante y orden en el que las vaya creando, en tiempo real. No me apetece esperar al proceso final, que a buen seguro me llevará algunos meses, para poder compartir mis nuevas composiciones con todos vosotros. A priori me parece una idea estupenda, el hecho que podáis ir comprobando por donde deriva el trabajo que vaya haciendo. Será divertido. Es como si todos estuviésemos juntos en el estudio, viendo como nacen las canciones... Bueno, al menos eso espero... que os resulte divertido...
De momento, y como botón de muestra, aquí os dejo la primera pieza que formará parte de ese "2012". Una pieza instrumental titulada "Fifteen Years Later (instrumental time), que se adentra en los terrenos del smooth jazz, para narrar con sonidos la historia de mi gran amor.
Espero que os guste: "NACHO VALENCIAGA - FIFTEEN YEARS LATER
Desde 1989 y hasta casi 1992, tuve la inmensa fortuna de formar parte de lo que podría haber llegado a ser una de las últimas grandes bandas del rock español, justo antes de que todo comenzase a simplificarse en OT y Reggaeton...
En aquella época, el A&R de una importante multinacional discográfica dijo de nosotros que llegaríamos a ser los "Toto españoles", y el celebérrimo productor musical Julian Ruíz, nos aseguró que "eramos demasiado buenos para lo que este país demandaba..."
Realmente no sé si tantos parabienes eran justificados, pero el caso es que ayer mismo, mi ex-compañero de aquella banda, Juan Carlos López, recuperó para nosotros una grabación inédita y perdida, de un concierto realizado en 1991 en el teatro de la añorada "LaNave", y hoy me apeteció compartir con todos vosotros este delicioso tema que os traigo y que tantos buenos ratos nos hizo pasar en aquellos primeros años '90: "Noches de vagar".
Vaya el homenaje por mis compañeros Juan Carlos, Cope, Johnny, por mi mismo, y por tantas y tantas personas que apostaron por nosotros en aquél momento, en un imperecedero recuerdo de lo que pudo llegar a ser y no fue... Pero verdaderamente vaya el homenaje por José (nuestro fantástico cantante y guitarra solista), del que se acaban de cumplir dos años desde su desgraciado fallecimiento... y que al volver a escucharle 21 años después, aun consigue ponerme la piel de gallina...
Espero que os guste: "CIELO ROJO - NOCHES DE VAGAR"
En este incesante camino que nos hemos marcado, por el cual estamos paseando sobre las 15 piezas que componen mi disco de 1997 “Instrumental Project”, llegamos hoy ya al track número 11: “Rise of the wise men”.
“Rise of the wise men” es seguramente una de las composiciones de la que más orgulloso me siento. Escribí y grabé esta pieza durante la segunda mitad de 1997, y con ella pretendí abrir mis experiencias musicales hacia el terreno de la música cinemática. Estamos ante una pieza en la que se aúnan sólidas bases rítmicas, junto a líneas de bajo completamente andantes, anti-escalas, y casi “rotas”. Melodías que buscan deliberadamente el choque frontal contra las armonías, en un intento de crear así el clímax perfecto para el desarrollo de una buena escena de cine negro. Quizá de todas las piezas que componen el disco, esta sea la que menos suena hoy a “años ‘90”, y por ello quizá pueda resultar algo más intemporal al oído.
En cuanto al aspecto más inspiracional se refiere, deciros que para crear esta pieza dejé volar mi imaginación por paisajes oscuros, brumosos, y claustrofóbicos; en los que una raza de seres humanos inteligentes, comenzaba quizá a gestar su revolución contra otra de “no inteligentes”. Durante todo el proceso de creación, pretendí pensar que estaba creando la BSO de una película futurista de misterio, así pues, la atmósfera en la que toda la partitura se desenvuelve, tiene muchos guiños deliberados hacia la cinemática, y otros no tan deliberados hacia el acid-jazz.
Espero que os guste.
NACHO VALENCIAGA – INTRUMENTAL PROJECT – RISE OF THE WISE MEN
Tras unos días de vacaciones, seguimos hoy desde donde dejamos este breve pero intenso repaso a mi “Instrumental Project”. Llegamos hoy al track 10, de los quince que componen el disco, y en este caso traemos una pieza hermosamente “ligera”: “Sur les rives du lac Léman”.
Esta pieza originalmente la escribí y grabé muy a finales de 1997, y significó un intento más o menos acertado, de introducirme en el terreno del smooth jazz, aunque mostrando para ello toda la precaución que un novato sea capaz de atesorar en estas lides.
Se trata de una las piezas más cortas en minutaje de cuantas caben en este proyecto, y esto es sencillamente, porque con ello pretendí conferirle un aspecto mucho más comercial y “consumible” que a las demás. Ya que el primigenio intento era el de crear una pieza cercana al smooth jazz más clásico, no quise sobrecargar en demasía la composición, para hacerla así deliberadamente fácil de escuchar, fácil de oír, y porque no: fácil de recordar.
Con una estructura nada laberíntica, y firmemente asentada en una contundente base rítmica. “Sur les rives du lac Léman” pretende ser una pieza relajante, paisajística, y sin reveses estilísticos. Una composición escueta, y casi flamígera, que pretendía provocar en el oyente la sedante sensación del más tranquilo paseo al borde de un hermoso lago: el lago Léman.
Espero que os guste.
NACHO VALENCIAGA – INTRUMENTAL PROJECT – SUR LES RIVES DU LAC LÉMAN
Con la misma calma que se respira en una gran ciudad, a esa hora tan temprana en la que ni los primeros trabajadores han salido aun de sus lechos para dirigirse a sus puestos de trabajo. Llegamos de nuevo hoy hasta las líneas de nuestro blog, para seguir desgranando las, a mi entender, maravillas sonoras que se esconden tras el anonimato de mi trabajo musical más desconocido y desaprovechado. Y es que he de reconocerlo. Por momentos me estoy volviendo a enamorar de estas piezas instrumentales. Que a buen seguro a algunos les parecerán anticuadas. A otros quizá puedan parecerles ramplonas. Y tal vez no interesen a muchos, pero siguen siendo una obra muy personal, esforzada, y meritoria; que como hace unos días me animaban en sus comentarios los amigos Jorge “Flaco” Barral, y Agustín Leal; ambos venían a coincidir en lo mismo: “…lo importante es que te hayas animado a mostrarlas, las canciones no son para quedarse guardadas en los cajones…”. Gracias “Flaco”!. ¡Gracias, “Magic”!
“Zero”. Este el rotundo y escueto título que elegí en 1996 para denominar esta composición, cuya idea surgió, creció, y se plasmó en música, con el intencionado proyecto de servir como decoración palpable del vacío más absoluto. Estamos ante una pieza con claras reminiscencias new-age y chill-out, que no pretende otra cosa, que provocar en los oyentes sensación de frío, de vacío, de distancia, de desapego, de un cierto abandono… Recuerdo que mientras componía los pasajes de esta pieza, releía por segunda vez “La Nausea” de Jean Paul Sartre, así que supongo que alguna de las sensaciones que ese libro me provoca, se fundieron con la inspiración que me llevó hasta la realización final de la partitura que hoy os presento.
Batería con un bombo profundo y sincopado, con una antagónica caja minimalista y casi “gélida”, para crear un ritmo pausado y sólido al mismo tiempo. Armonías que dicen mucho más en sus silencios, que en sus momentos de más auge. Melodías construidas a golpe de guitarra distorsionada “enlatada”, que deliberadamente desafina la cola de su sonido, para intentar así amplificar ese sentimiento de desgarro y “desarraigo”. En definitiva: una pieza para subir el volumen, cerrar los ojos, y dejarse volar…
Pues como casi siempre que uno se propone llevar hacia adelante un trabajo que le satisface, casi sin darnos cuenta hemos llegado al track número 8 de este “Instrumental Project”, del que tan orgulloso me siento, y cada día estamos más cerca de alcanzar el “bonus track” final.
Hasta ahora os he presentado piezas del disco cercanas al new age más clásico. Otras composiciones con claros matices cinemáticos. Y casi todas ellas indudablemente bañadas en las fuentes del chill-out menos costumbrista. Escuchando detenidamente cada una de las piezas, podemos hacernos un recorrido casi pictórico y muy costumbrista, por los paisajes que en aquellos años 1995, 1996, y 1997, me inspiraron para crear este trabajo.
Y hoy le llega el turno a “Elara”.
“Elara” es una pieza que comencé a escribir a finales de 1995, y que concluí a principios de 1996. Podría decirse que estamos ante la partitura más “pop” del disco, ya que su clara construcción de “estrofa-puente-estrofa-puente-estribillo”, se asemeja bastante a lo que vendría a ser el típico “armazón” de cualquier canción cantada de ese estilo.
Originalmente es una pieza que se creó alrededor de la secuencia de sintetizador que puede escucharse a lo largo de todo lo que podríamos denominar como estrofas, y que con ese sonido que en cierta medida puede recordarnos el sonido de un telégrafo recibiendo un mensaje, le confiere a la composición un aire grácil, liviano, y volátil; gracias a lo “andante” de su dibujo.
Solidez rítmica, armonías cautivadoras, y melodías sin pretensiones ultra-terrenas, consiguen dibujar una pieza que pretende simbolizar con sucintos aires de smooth jazz, el triunfo de la tenacidad y la constancia. En la mitología griega, Elara fue amante de Zeus. Al quedar ésta embarazada, Zeus, que a pesar de ser un Dios, le tenía más miedo a su esposa Hera que a un nublado, la escondió en lo más profundo de la tierra para que su consorte no pudiera encontrarla jamás. Allí, Elara supo sobreponerse al engaño, al abandono, y al dolor causado por el Dios. Parió a su hijo: el gigante Ticio, y ambos se convirtieron en hijos de Gea… A fin de cuentas, siempre es mejor tener los pies en la tierra…
Hoy llegamos al tan merecido como deseado viernes, y con ello hacemos una nueva escala en el repaso de mi “Instrumental Project”. Con este track número 7 que hoy os propongo, llegamos también al meridiano del disco, y para servir como línea del ecuador, no encontré mejor opción que este: “Dawn”.
“Dawn” es una pieza que originalmente compuse y grabé muy a finales de 1996, aunque a decir verdad, la versión que aquí os traigo, y que es la que se incluye en “Instrumental Project”, ha sido sometida a diversos “retoques” a lo largo de todos estos años, para alcanzar así el perfil definitivo que hoy nos muestra.
Escuchando “Dawn” nos encontramos con una pieza que se desenvuelve sin reparos en el terreno del chill-out más clásico, y que en su propuesta musical, combina deliberadamente la dulzura “indócil” de una melodía de piano sin complejos, que pretende con osadía sonar milimétricamente desafinada; junto a unos colchones armónicos densos, opacos, y con multitud de giros y matices estilísticos. Todo ello se redecora con una base rítmica de bajo y batería, que cambia varias veces de sonidos y de construcción a lo largo de toda la pieza, con la estudiada intención de conferirle a la misma un cierto aire de agilidad y dinámica.
Estamos muy acostumbrados ya a los sonidos de la puesta de sol, que nos llegan sobre todo con el exquisito chill-out que siempre nos propone “Café del Mar”. Es por eso que con “Dawn”, yo buscaba justamente todo lo contrario. No pretendía buscar el camino de la luz hacia la oscuridad, sino más bien, el camino de lo oscuro hacia la luz… Pretendí construir la pieza como si de una imaginaria banda sonora original se tratase, que pudiera servir como decorado de ese instante en el que el sol comienza a apoderarse del horizonte, y las sombras de la noche desaparecen tras su fuerza. Buscaba a propósito la complicidad del sol, y no la de la luna, como solemos hacer siempre en este tipo de composiciones.
Estoy casi completamente convencido de que hoy os traigo una verdadera joya musical. Sé que es complejo y pudorosamente imposible diferenciar el amor que se siente por cada una de tus propias creaciones; pero también tengo la certeza, de que los creadores somos perfectamente capaces de discernir la belleza, aun dentro de nuestro propio trabajo. Por ello estoy seguro de que esta pieza que hoy os presento, siguiendo el orden establecido en el track list de mi “Instrumental Project”, es indudablemente la más hermosa del disco, y posiblemente una de las mejores composiciones instrumentales de toda mi carrera musical.
Siempre me alucinó sobremanera, la impresionante capacidad y el asombroso talento que desarrollan artistas como Phil Collins, para con dos o tres acordes, ser capaces de crear auténticas maravillas sonoras, que pueden resultan sencillas en su concepción, y someras al oído; pero que realmente son un asombroso dechado de creatividad, de buen gusto, y de trabajo bien hecho. Y hablando de Mr. Collins, así a bote pronto, se me ocurren ejemplos como su celebérrima: “Another day in Paradise”… Pues con ese espíritu (salvando las distancias, por supuesto), pretendí yo abordar este “Minimalist Lovers”.
Es una pieza que escribí a principios de 1996, y en la que intenté desarrollar un trabajo lo más minimalista posible; persiguiendo la sencillez armónica, la belleza melódica, la contundencia rítmica, y unos ambientes sonoros deliberadamente poco o nada sobrecargados. Se trataba a fin de cuentas, de intentar sacar la partitura adelante a través de la “ley del mínimo esfuerzo”, para reflejar con sonidos simples, el paisaje pictórico nada enrevesado que podría ofrecernos una pareja de enamorados cualquiera, cuando cada uno de ellos sólo es capaz de hacer lo mínimo, para que su amor siga vivo: de ahí lo de “Amantes minimalistas”.
Llego hasta vosotros más tarde de lo habitual, y espero que podáis disculparme por ello. No os engañaré. He tenido uno de esos sábados perezosos en los que lo único verdaderamente apetecible era aplastar el sofá, y ahora creo que ha llegado el momento de dejar de vaguear, y trabajar un poco en la canción que me toca presentaros hoy: “Loose talk”.
Compuse y grabé esta pieza a mediados de 1996. En principio, con ella pretendía dar cumplida respuesta a una necesidad interior de seguir experimentando con el software secuenciador que en aquella época utilizaba para mis creaciones (“Scream Tracker 3.2”, como ya os conté con anterioridad). No estoy seguro, pero creo que así es, este es el primero de mis trabajos en el que incluí voces humanas “enlatadas”, como si de un instrumento más se tratasen. En los ’80 escuché muchos discos de “Orchestral Maneouvres In The Dark”, y ellos muy a menudo incluían en sus producciones grabaciones muestreadas de emisiones radiofónicas, por lo que yo me decidí a hacer lo mismo, y experimentar con un par de “samplings charlatanes”.
Colchones armónicos deliberadamente “espesos”. Una base rítmica sólida y homogénea. Un par de efectos al más puro estilo “acid”. Unas capas superpuestas con melodías más o menos aterciopeladas y agradables de escuchar. El “viejo truco” de subir un tono toda la partitura hacia el final de la misma, para hacer renacer, y refrescar las armonías, y zas!... Tenemos una pieza estupenda, para ponerle sonidos a una conversación estéril, vacía, y sin sentido; que es lo que me inspiró para esta composición.
Seguimos avanzando a lo largo y ancho de mi “Instrumental Project”, y así llegamos al track número 4 de cuantos componen esta colección, que espero os esté resultando interesante, refrescante, o cuando menos: agradable de escuchar.
“From far away” es una pieza que compuse muy a finales de 1997, fue de las últimas en llegar al disco, y para mi proceso de aprendizaje significó un interesante trabajo de estudio. Quería dotar a esta pieza de argumentos suficientes para cabalgar entre el chillout menos reposado, el smooth jazz menos rebuscado, la cinemática más moderada, y el pop menos consumible. Así pues, para conseguir todos estos objetivos primigenios, intente elaborar melodías pegadizas y ciertamente iterativas, que se impusiesen agradablemente sobre ligeras capas armónicas construidas con pocas notas. Esto, junto con una sólida base rítmica con el bajo constantemente dibujando corcheas, y la batería “tapando” todos los huecos, le confiere a la pieza un cierto aire de sencillez sonora, y de “easy listening”. Los “truncados” de ritmo que podemos encontrar hacia el final de la pieza, también logran darle a “From far away”, ese perseguido aire de “espesor” y ese deliberado sabor a banda sonora original.
Espero que os guste.
NACHO VALENCIAGA – INTRUMENTAL PROJECT – FROM FAR AWAY
Llegamos hoy ya a la tercera pieza de las quince que componen ese “Intrumental Project” que pretendo promocionar desde estas páginas, compartiendo con todos vosotros la emoción de cada una de ellas. Y es que como ya os dije con anterioridad, a pesar de ser una colección de canciones antiguas, y que en algunos casos cumplen ya más de 20 años desde que las escribí y las grabé, creo importante darles hoy una significación que quizá jamás tuvieron a lo largo de estos años, y que las hizo permanecer guardadas en los más profundos recovecos de esos cajones donde guardo los sueños por cumplir…
Esta “Beautiful life” pretendía ser una pieza que transmitiese optimismo filosófico, calor solar, y energía vital. La compuse y la grabé a principios de 1996. En aquellos instantes de incesantes cambios en mi vida personal, deseaba transmitir musicalmente la positividad, y el “buen rollo” que respiraba en aquellos días.
Estamos ante una “sencilla” composición, que no pretende mostrar en su partitura ningún tipo de pretensión ultra-terrena, o de “funambulismo” estilístico. Se trata tan sólo de una incursión más o menos explícita en el terreno del “pop” menos exigente, y por otro lado, también menos convencionalista. Que a través de unas líneas de piano muy al estilo de aquél “Gypsy Woman”, popularizado en 1991 por “Crystal Waters”, y de una línea de bajo ágil, distendida, y no excesivamente supeditada a escalas, buscaba la frescura como seña de identidad, el ritmo como excusa, y las armonías poco enrevesadas como argumento final.
Espero que os guste.
NACHO VALENCIAGA – INTRUMENTAL PROJECT – BEAUTIFUL LIFE
En esta nueva singladura, y con la nueva aventura que significa compartir con vosotros este trabajo tan especial, hoy llegamos a la pista número 2 de mi “Instrumental Project”: “Three beers”.
Esta pieza fue escrita, arreglada, y grabada en mi estudio doméstico a mediados de 1996, y con ella sólo pretendía dar mis primeros pasos en cuanto a mezclar en un mismo trabajo sonidos “enlatados”, y sonidos reales. En el momento de crear esta canción, ya había trabajado con “samplings” recuperados de Internet, con sonidos muestreados desde cd’s, incluso con mi propia voz; pero realmente nunca había introducido en mi, por aquél entonces, PC “HP Vectra 500”, un sonido real, como en este caso resultan ser los loops de bajo eléctrico que llevan el peso rítmico de toda la pieza.
Con todo esta aventura tecnológica. La idea era recrear sonoramente el positivismo y los momentos de alegría que provocan una reunión de viejos amigos. Cervezas muy frías, relojes olvidados, y todo el tiempo del mundo para disfrutar de la amistad. Melodías refrescantes y "ligeras", ambientes que persiguen la recreación del acid-jazz, y la contundencia de una base rítmica que se impone como mismo soporte total de la pieza.
Espero que os guste.
NACHO VALENCIAGA – INTRUMENTAL PROJECT – THREE BEERS
Hoy me animo a retomar por unos días la actividad del blog, para llevar a cabo en él una serie de acciones promocionales, encaminadas esta vez a la difusión de mi propia obra. Bien es sabido por los lectores más asiduos de estas páginas, que el propósito original de “La música que no sonó en los 40 principales”, siempre fue el de servir como humilde altavoz, para todos aquellos artistas que no encuentran cumplida difusión de su trabajo en nuestro país, y sinceramente, creo que mi perfil artístico encaja a la perfección en ese amplio espectro. Así pues, desde hoy, y a lo largo de las próximas tres o cuatro semanas, trabajaré de nuevo en las páginas de mi querido, y últimamente un poco abandonado blog, para tener la oportunidad de compartir con vosotros este antiguo trabajo musical. Alguien dijo alguna vez, que la música no puede nacer para quedar archivada en un cajón, y este proyecto lleva "escondido" desde hace demasiado tiempo, por lo que ha llegado el momento justo de sacarlo a la luz.
“Instrumental Project” es una colección de piezas instrumentales completamente escritas, arregladas, producidas, interpretadas, y grabadas por mi mismo, en mi estudio doméstico, entre los años 1995 y 1997. Todas ellas fueron creadas con aquél magnifico y “precario” Scream Tracker 3.2, que hizo las delicias de los aficionados a los secuenciadores multi-pista domésticos en los años ’90. Y aunque quizá hoy se notan las carencias en la calidad de muestreo de algunos sonidos utilizados, estoy tan orgulloso de estas 15 piezas, que convenientemente remasterizadas para la ocasión, y acompañadas de la correspondiente historia que las inspiró, me dispongo a rescatarlas del olvido, para que podáis disfrutar con ellas, tanto como yo. Espero que os gusten. Comenzamos…
“The sons of the cold” fue la primera de las piezas en ver la luz. La compuse y grabé allá por mayo de 1995, y en ella se pretende recrear de una manera más o menos cinemática, el clímax de una película futurista, cuya historia se desarrollase en las calles más conflictivas de una ciudad atrapada bajo el hielo... Pero en realidad se trata tan sólo una metáfora sonora… Lo que realmente perseguía al escribir esta pieza, era retratar musicalmente la frialdad y despersonalización, que sufren los habitantes de las grandes ciudades.
Algunas reminiscencias de “Música Cinemática”. Etéreas pinceladas “New Age”. Algunos esbozos de “Chill Out”, y un gran despliegue de armonías, melodías, efectos de sonido y secciones rítmicas, para alcanzar la plenitud de una pieza perfecta con la que inaugurar el disco, y esta serie de artículos sobre él.
Espero que os guste.
NACHO VALENCIAGA – INTRUMENTAL PROJECT – THE SONS OF THE COLD
Casi sin darnos cuenta de ello, estamos a punto de cruzar el ecuador del mes de agosto, y aunque en cierta medida molesta recordarlo, en un par de semanas ya se habrán acabado casi todas nuestras excusas para holgazanear, y nos tocará volver a la cruda realidad de la cuesta de septiembre, la vuelta a la "escuela", y a comprobar como poco a poco nuestra indumentaria diaria se va haciendo más y más densa. Pero no anticipemos desagradables acontecimientos, que aun nos quedan bastantes días de estío por delante, y yo personalmente, mañana inicio mis vacaciones, así que nada de llantos, y refrescaremos nuestra mente, nuestro espíritu, y nuestros oídos, con otra buena descarga de jazz...
Hoy con todos nosotros: "FATS NAVARRO".
Theodore "Fats" Navarro fue un extraordinario trompetista estadounidense, nacido en Florida (USA) el 24 de septiembre de 1923, y fallecido en Nueva York el 7 de julio de 1950, con tan sólo 26 años de edad, a causa de la tuberculosis, y sus excesos con las drogas.
Realmente su introducción al mundo de la música se produjo de la mano del piano, instrumento que comenzó a estudiar a los 6 años de edad, debido a que su padre era un gran aficionado de este instrumento; pero la falta de resultados y avance en su estudio, casi le obligaron a pasarse a la trompeta.
Inició su carrera profesional como trompetista en 1939 tocando con Walter Johnson, hasta que en 1941 trabajó con la orquesta de Andy Kirk, y más tarde sustituyese al mismísimo Dizzy Gillespie, en la reputada orquesta de Billy Eckstine. Ya en enero de 1947 formó su propio grupo, y en agosto de ese mismo año entró a formar parte del quinteto de Bud Powell, junto a los hoy ya míticos Sonny Rollins, Tommy Potter, y Roy Haynes.
Estamos ante un trompetista irrepetible. De estilo conciliador entre la ciencia armónica, la frescura melódica, y la audacia rítmica; que a pesar de su corta carrera, consiguió influir de forma muy notable en trompetistas coetáneos y de otras generaciones posteriores, tales como: el casi adolescente Clifford Brown, la estrella de "Blue note" Lee Morgan, el gemelo "no bajista" Art farmer, o el consagrado Donald Byrd.
Imposible de encasillar en un solo estilo. Navarro poseía un estilo propio y virtuosista en iguales medidas. Quizá menos acrobático que Dizzy Gillespie, pero con su mima fuerza. Tal vez menos rebuscado que Miles Davis, pero con igual perfección instrumentista. Además, componía con un sentimiento exquisito, y sus improvisaciones resultaban de una precisión, y de una belleza sonora, verdaderamente aterradoras. Su habilidad era tal, que fue el único trompetista de su época, capaz de tocar, y de clavar nota por nota, el célebre solo de Charlie Parker en la emblemática, intrincada, apabullante, y casi agobiante partitura del "bebop", "KoKo" (Que si os apetece, podéis escuchar AQUÍ).
Espero que os guste: "FATS NAVARRO - DOUBLE TALK".
Poco a poco va avanzando el mes de agosto, ya se acercan mis merecidos días de vacaciones, y nuestras serie de editoriales dedicados al jazz más puro y vibrante, siguen en su línea de intentar ofreceros calidad, calidez, sencillez, y sonoridad; persiguiendo de alguna manera agradar a los muy entendidos, enganchar a los menos habituados, y sorprender a los completamente neófitos, quizá interesando a todos por igual. Espero que este intento nuestro de colaborar a "reconducir" la cultura musical de nuestro país, no caiga en saco roto, y cuando llegue septiembre, podamos haber ganado para la causa, al menos a uno solo de los oyentes que por aquí paséis...
Hoy: "SHIRLEY HORN".
Estamos sin duda ante una de las auténticas figuras del jazz más contemporáneo. Cantante y pianista de voz suave y ligeramente grave, Shirley Horn comenzó a estudiar piano clásico a los 4 años de edad, aunque fue en su adolescencia cuando descubrió el jazz, y con tan sólo 14 años ya dirigía su primer trío.
Nacida en Washington el 1 de mayo de 1934. Horn aparecía en sus conciertos como "aquella señora que canta canciones tristes", y según las propias palabras de algunos importantes críticos especializados: como "el secreto mejor guardado del jazz". Pero realmente lo de cantar en público no entraba en los planes de nuestra diva. Ella ante todo se consideraba pianista, y como tal, lo único que le interesaba era tocar el piano.
Comenzó a cantar a los 17 años de edad, casi por casualidad, y creo que merece la pena contaros la anécdota de como se producen esos primeros gorgoritos sobre un escenario.
Horn contaba que en unas navidades se encontraba actuando en un night club de Washington, en el que de repente entró un cliente, que portaba en los brazos un oso de peluche del mismo tamaño que ella. En mitad de la actuación el cliente le hizo llegar una nota que decía: "Si me cantas el Melancholy baby, el oso es tuyo". Horn siempre afirmó risueña que de repente se le antojó aquél oso, y superando la vergüenza que le suponía cantar en público, agarró el micrófono por primera vez en toda su vida, por supuesto, consiguiendo el peluche, el entusiasmo del público, y desde entonces, su entusiasmo por el canto. Así pues, una de las más interesantes voces que el jazz nos ha ofrecido, no se la debemos a importantes productores, o espléndidos visionarios, si no: a un gigantesco oso de peluche. Lo que es la vida...
Shirley Horn grabó su primer disco en 1960 ("Embers & Ashes"), para una minúscula compañía discográfica que apenas pudo distribuirlo, y por ello, la estupenda grabación apenas tuvo repercusión alguna en el mercado discográfico de aquella época. Pero el mismísimo Miles Davis fue uno de aquellos pocos afortunados que compraron aquél vinilo, y desde entonces se convirtió en el principal valedor de Shirley. De hecho fue la insistencia de Davis, la que animó a Horn, para que saliese del "familiar" recogimiento en el que desde 1965 había arrinconado su carrera musical, y retomase el sendero de su mejor jazz...
A finales de los '70 comenzaron a llegar las nuevas grabaciones de nuestra gran diva, y sus discos se prodigaron uno detrás de otro hasta 2003. No hubo tiempo para más, ya que en 2005 falleció de una apoplejía. Aunque a decir verdad, desde 2001 su salud ya se vio drásticamente mermada, justo desde que le amputasen su pie derecho a causa de la diabetes. Pero antes de todo eso, el 16 de julio de 1999 nos regaló una sublime actuación sobre el escenario del Festival de Jazz de Vitoria-Gasteiz, que supuso su descubrimiento para muchos de nosotros.
Y para recordarla hoy, no se me ocurren mejores sonidos que los propuestos por Horne para re-inventar el celebérrimo "Hit the road Jack", compuesto en 1961 por Percy Mayfield, y popularizado por el genio de Ray Charles. Grabado por nuestra diva en su disco "Light out of the darkness -1993", álbum homenaje al "divino ciego".
Un swing sexy, despreocupado, y siempre a salvo de toda rigidez rítmica. Tórridas baladas que resultaban ser su especialidad, y siempre definida como la voz que canta los silencios... Así era, y es: Shirley Horn.
Espero que os guste: "SHIRLEY HORN - HIT THE ROAD JACK".
Tercer capítulo hoy de nuestro veraniego acercamiento al más vetusto e interesante jazz, en el que vamos a dejarnos seducir por la suave cadencia de aquellas magníficas orquestas que sonorizaban los años '30 y '40, y que conseguían elevar la música a las más altas cotas de aceptación por parte del público oyente. Resulta curioso pararse a pensar, cómo es posible que orquestas tales como la que hoy nos ocupará resultasen auténticos llena-pistas, y en la actualidad la música transite por los caminos en que lo hace. Me pregunto ¿Qué perdimos por el camino...?
Hoy, para todos vosotros: "STAN KENTON".
Cuando se trata de hablar de jazz, en innumerables ocasiones nos centramos casi exclusivamente en cantantes, saxofonistas, trompetistas, pianistas, o cualquier otro tipo de instrumentistas; y en muchas ocasiones nos olvidamos de una de las figuras más influyentes en este terreno de musicalidad sin limites, y virtuosismos a raudales, como es: el Director de Orquesta.
Stan Kenton fue un soberbio compositor, arreglista, y director de orquesta nacido en 1911 y fallecido en 1979, que ya desde niño evidenció de forma superlativa su pasión por el jazz, dejándose influenciar en sus gustos por mitos tales como Earl Hines, o Benny Carter.
Musicalmente, Kenton escribió sus primeras partituras de arreglos allá por 1928, pero realmente no comenzó su carrera profesional hasta bien avanzado 1933, y llegó a 1940 deambulando por diferentes orquestas de Estados Unidos, para en 1941 tener la oportunidad de dirigir su propia, y a la sazón, magistral orquesta. En la que desde el principio tuvo la gran valentía de incorporar a una cantante blanca de jazz: Anita O'Day, ni más, ni menos; con la que Kenton y su orquesta obtuvieron un impresionante éxito, hasta llegar a convertirse en la mejor big-band de su época.
Stan Kenton siempre intentó fusionar, dentro de su estilo marcadamente swing, la música clásica europea, y la tradición jazzística más norteamericana. Con lo que entre 1947 y 1956, nos regaló un muy buen e interesantísimo compendio de grabaciones indispensables, que resultan ser un impagable legado musical, que convendría revisitar de vez en cuando. A lo largo de su carrera hubo de todo. Desde el impresionismo "debussiano", hasta el expresionismo de Stravinsky, pasando por la grandilocuencia Wagneriana, e incluso intercalando ritmos y sonidos totalmente latinos. Siempre innovando, experimentando, fusionando...
Tras el arrollador éxito cosechado por Kenton en Europa, sobre todo en París y Dublín, la orquesta comienza a languidecer lentamente desde 1954 hasta 1958, y aunque por algunos momentos parece recuperar la brillantez de otros años anteriores, finalmente llega a desaparecer como tal, debido sin duda a la fuga de los principales solistas que la sostenían. Y aunque Stan Kenton continuó aun veinte años más ensayando, experimentando, y fusionando, con su "laboratorio-orquesta" (siempre formada por recién licenciados en la Universidad); ya jamás recuperó el esplendor de sus primeros sonidos. Hasta que una fractura de cráneo le apartó del jazz, muriendo el 25 de agosto de 1979.
Indispensable revisitar la obra de Stan Kenton, para comprender la magnificencia de un buen arreglo en una partitura. Y si indispensable es su carrera al completo, de obligada escucha debería ser su álbum más asombroso: ("Balboa Bash -1941), en el que podremos encontrar al Stan Kenton que hoy es ya un referente para los amantes del género. Fresco, novedoso, musical, e intuitivo...
Pues decididos a continuar con nuestras veraniegas sesiones de jazz, y animados sin duda por las muestras de aceptación que por ello he recibido en las ultimas horas, llegamos al segundo capítulo de esta serie de editoriales que inauguramos ayer, y que hoy se teñirá con las fabulosas e inmensas tesituras vocales, de uno de los mejores intérpretes que el jazz/blues nos ha regalado en toda su historia.
Señoras y señores, con ustedes: "JIMMY WITHERSPOON".
Nacido en Gurdon (Arkansas, USA) el 8 de agosto de 1920, y fallecido en Los Angeles el 18 de septiembre de 1997, nos encontramos sin duda ante los 77 años mejor aprovechados de la historia del jazz. Cantante de genio indiscutible, genuino y vanguardista para su época, siempre será recordado por la calidad y la innovación que para el género suponían todos y cada uno de sus arreglos vocales y sus producciones discográficas.
Witherspoon aprendió a cantar en el coro de la iglesia de su ciudad natal, y mientras se dejaba seducir por los grandes "blues-singer" del momento: Jimmy Rushing o Big Joe Turner, nuestro protagonísta dio el salto hasta la dorada California, en donde pagaba sus facturas trabajando como friegaplatos en un local que ofrecía conciertos, lo que le permitió conocer a aquellos mitos del blues californiano, tales como el guitarrista y cantante T. Bone Walker.
Pero su debut como cantante no se hará realidad hasta algo más tarde, y resultará de lo más pintoresco, ya que se produce en un hotel de Calcuta, cantando en el grupo del afamado pianista Teddy Weatherford. Hasta que en 1952 se lanza a la aventura de su carrera ya en solitario.
Tras su lanzamiento, mucho rithm & blues, y algún importante tropiezo en su carrera musical, Witherspoon reconduce su camino hacia senderos mucho más jazzisticos, lo que a decir de los entendidos en la materia resultó todo un acierto, y ya inmersos en 1959, le llega el merecido éxito al participar en el mítico Festival de Jazz de Monterey (del que existe un disco indispensable) lo que definitivamente encumbró a nuestro protagonista hasta los altares más exquisítos del jazz, y consiguió que en 1961, los lectores de la revista especializada "Down beat", le premiasen como mejor intérprete del género.
Así, éxito tras éxito, llegamos hasta la década de los '80, momento este, en el que tras superar un cáncer de garganta, que supuestamente acabaría con su carrera y con su propia vida; tras una intervención quirurgica en Londres, todo dio un maravilloso giro, y Witherspoon no sólo consiguió salvar su vida, si no que además vio como se suavizaba su voz, ensanchando su registro de graves, y otorgándole una segunda juventud a sus mejores y más virtuosas interpretaciones. Buena prueba de ello es que su carrera discográfica continuó de una forma muy regular en la década de los '90, y casi hasta el mismo día de su fallecimiento en 1997.
Nosotros, desde "La música que no sonó en los 40 principales (2010: un verano de jazz)", hoy queremos recordar a Jimmy Witherspoon en su máximo esplendor y en toda su gloria de "bluesman", así pues nos cobijaremos entre los surcos de uno de sus mejores discos ("Singin' the blues -1959), y con este "Then the lights go out" que hoy os propongo, nos hacemos un hueco en el alma para disfrutar del mejor sonido de ojos azules...
Espero que os guste: "JIMMY WITHERSPOON - THEN THE LIGHTS GO OUT".
Para más info sobre Jimmy Witherspoon: http://www.jimmywitherspoon.com
Aquí estamos de nuevo. Parece mentira, pero ya desde mayo no habíamos vuelto a actualizar nuestro querido blog. Y es que entre unas cosas y otras, la verdad es que las motivaciones para continuar sacándolo adelante han resultado tan esquivas, como alarmantes. Pero bueno, creo que hoy es un buen momento para retomar en cierta medida el trabajo ya desarrollado con anterioridad, y a través de una nueva serie de publicaciones que pretendo comiencen hoy, y al menos se extiendan durante el mes de agosto, retomemos el pulso de lo que siempre ha sido y será nuestro blog: una lucha contra la incipiente mediocridad musical que asalta nuestro país...
Tenemos por delante este mes de agosto, para realizar un intenso e interesante recorrido por la música más "anti 40 principales" que existe en el mundo, y que como no podría ser de otra forma, es la adorado, mágico, y no siempre bien ponderado jazz.
25 días por delante. 25 editoriales por publicar. 25 grandes del jazz que traer hasta estas líneas. Y 25 piezas magistrales que deberían permanecer enmarcadas en la discoteca que cualquier melómano que se precie de serlo. Os aseguro que mi pasión por el jazz, es mucho mayor que mi erudición sobre él; pero esta próxima aventura, que podríamos titular "La música que no sonó en los 40 principales (2010: Un verano de Jazz)" intentará estar a la altura de los eruditos, y cercana a los neófitos, con la intención única de difundir, difundir, y difundir, lo que esta maravillosa música es...
Hoy comenzamos con: "MAX ROACH".
Maxwel Lemue Roach, más conocido como Max Roach, fue un asombroso, estilista, proactivo, e influyente baterista y compositor estadounidense. Nacido un 10 de enero de 1925 en New Land (Carolina del Sur, USA), y fallecido en 2007, a los 83 años de edad, en Nueva York. Desde muy pequeño se interesó por el jazz, debido sin duda a la fascinación que le provocaban aquellas vibrantes big-bands que tanto se prodigaban en su época infantil, y por ello en 1942, a la temprana edad de 17 años, se diplomó en percusión en el "Manhattan Conservatory of Music".
Durante toda su carrera formó junto a los más grandes del género, y una de sus mayores proezas profesionales, fue sin duda la de colarse de rondón como baterísta en las orquestas de Duke Ellington o Count Basie, lo que le abrió de par en par las puertas de los clubes de la calle 52 neoyorquina, y con lo que consiguió convertirse en uno de los baterístas preferidos e imprescindibles de monstruos tales como Charlie Parker, o Dizzy Gillespie. De echo, Roach formó parte del histórico quinteto que Parker y Gillespie, formaron junto al propio Max Roach, y a los excepcionales Bad Powel, y Charlie Mingus.
Su discografía es tan extensa, como intensa, y abarca desde su primera grabación allá por 1944, hasta algunas ultimas joyas grabadas a principios de los 2000's; pero sin duda, podemos estar seguros de que sus tresillos, su swing, su groove, sus paradiles, y toda su magia con las baquetas, ha estado presente en las grabaciones más importantes de este genero. Para muestra, sepamos que los archiconocidos "Billie's bounce", y "Now's the time" (por no mencionar otra decena de ellos), llevan su sello, junto al de Charlie Parker, Dizzy Gillespie, y Miles Davis.
Pero nosotros, para inaugurar esta serie veraniega, vamos a transportarnos hasta el 26 de mayo de 1998, fecha en la que nuestro héroe Max Roach publicó su disco titulado "Max", y de él extraeremos el primer corte de los seis que contiene el disco. "Crackle hut". Una pieza con un swing ineludible, con armonías que rivalizan en "savoir faire" entre ellas, y con un gusto exquisito, por la música cálida, elegante, emocionante, sonora, y sencillamente soberbia...
Hola a todos!
