JULIE DEXTER

Hola a todos!

Sábado tranquilo donde los haya. La calle casi desierta, el sol en lo alto, la temperatura que oscila entre los 16 y los 18 grados centígrados, la mitad de los negocios que pueden verse desde mi ventana están cerrados, apenas hay coches, y mis vecinos parece que han decidido dejar de volverme loco con su sinfonía de martillazos. Es un momento perfecto para sentarse a escuchar, y disfrutar de las delicias que nos ofrece una buena sesión de buen soul...

Hoy quiero presentaros a: "JULIE DEXTER".

Nacida y crecida en Birmingham (Inglaterra), de padres jamaicanos, y actualmente residente en Atlanta (Georgia, USA), Julie Dexter es una excepcional cantante y compositora de talla mundial, que con su exquisíto trabajo ha logrado ganar numerosos e incuestionables premios internacionales, y atesorar el reconocimiento de la crítica y el público con su estilo profundo, susurrante, y cálido.

Con una sólida formación musical clásica, hoy por hoy Julie está considerada como una de las más importantes voces femeninas de su generación, desarrollando su trabajo en la creación de maravillosas composiciones que cabalgan entre el soul, el drum n' bass, el reggae, el jazz, y todas sus posibles variantes; pero siempre profundamente influenciada por leyendas de la música como Abbey Lincoln, Nancy Wilson, y Bob Marley; o iconos atemporales como Omar y Sade.

Debutó en la música en 1997, año en el que su voz apareció por primera vez en el disco del grupo inglés de jazz "J-Life". Mientras tanto Julie comenzaba a escribir su propio material, y se dedicaba a interpretar versiones de sus canciones favoritas, entre las que cabría destacar su cover en clave de swing, del éxito "Gonna make you mine", que en los años '80 lanzase al estrellato al trío británico de soul/r&b/funk, "Loose ends'".

En "Peace of mind", EP publicado en 2001; "Dexterity", editado en 2002; y "Conscious", lanzado en 2005; Julie nos regala una trilogía de álbumes indispensables. Cargados con grandes canciones, y que nos muestran a las claras, la ingente cantidad de talento que se esconde tras su elegante y fabuloso trabajo. Toneladas de soul, sentimiento, groove, y acid jazz, que conquista el oído con la sensualidad de una voz temperamental, de tesitura muy suave y agradable. El sonido de Julie Dexter te encantará si disfrutas de voces tan cargadas de "soulful" como las de Erika Badu, Sade, Jill Scott, o Lauryn Hill; pero si algo parece interesante en el trabajo de Julie Dexter, es que quizá sus canciones puedan sonar a algo ya escuchado, pero no por ello dejan de tener una magnética y poderosa personalidad propia.

En los últimos siete años, Julie ha estado compartiendo escenario con los mejores artistas soul de su misma generación, como: Jill Scott, Amel Larrieux, Donnie, Omar, Loose Ends', Jaguar Wright, Rachelle Ferrel, Ledisi, Frank McCoomb, Eric Robertson, Raheem DeVaughn, o Fertile Ground; y ya en 2008 nos anunciaba su próximo disco ("The Julie Dexter Collection"). Así pues, estaremos atentos al lanzamiento del nuevo álbum, que promete ser una auténtica joya de ese "nuevo soul", que tanto nos gusta por aquí.

Espero que os guste: "JULIE DEXTER - CHOICES"

Para más info sobre Julie Dexter: http://www.juliedexter.com

HASTA MAÑANA!!

DEBRA ARLYN

Hola a todos!

¡Porfin ya es viernes! Con ésta tan trillada exclamación llegamos hasta el fin de semana, y hasta esos instantes de auto-dedicación, en los que uno puede disponer de un valioso tiempo que dedicarse a si mismo. Y no sólo por el consabido descanso físico y mental. También apetece disfrutar de horas en las que poder realizar esos proyectos que siempre quedan aparcados a causa de la semana laboral, y que en éstos días de solaz retoman el pulso de mi espíritu más aletargado. El domingo llegará y habrá que volver al trabajo, pero éstas magníficas horas de consagración al "yo", conceden una excusa perfecta para ejercer la auto-disciplina, y resurgir así, con inéditos y renovados bríos, a una nueva semana que vendrá...

Hoy quiero presentaros a: "DEBRA ARLYN".

Y es que ya hace un par de semanas que no me dejaba seducir por el trabajo de alguna de esas fantásticas féminas, que tanto nos gustan en "La música que no sonó en los 40 principales". Pero nunca es tarde para retomar buenas costumbres, y hoy, de nuevo encontramos nuestro objetivo editorial en todo el talento, la sensibilidad, la juventud, y la belleza, que nos llega desde el otro lado del Atlántico.

Desde Portland (Oregón, USA), nos llega el fantástico trabajo de ésta impresionante cantante, compositora muy inspirada, y pianista autodidacta, que, sin prisa pero sin pausa, está consiguiendo acaparar en torno a su proyecto una incipiente cohorte de seguidores, y una interminable colección de buenas críticas especializadas, que aseguran estamos ante una más que rutilante estrella.

Ganadora en 2003 del concurso "Oregón Idol", ésto le facilitó su llegada hasta Los Angeles para participar en el multitudinario show televisivo "American Idol". Algún "avezado caza-talentos" debió pensar allí, que Debra no poseía los suficientes mimbres para prosperar en el programa, y no pasó el corte; pero ello no le imposibilitó para desde entonces haber compartido escenario con otras grandes estrellas como el neo-zelandés Daniel Bedingfield, la preciosa afro-americana Blu Cantrel, el dúo danés "Junior Senior", y los también portlantienses Geoff Byrd, o Scott Fisher.

Las canciones de Debra Arlyn son melódicas, pegadizas, y agradables. Desenvolviéndose a la perfección en un brillante universo de pop urbano y lleno de alma, que combina sonidos clásicos al más puro estilo de Carole King, con pinceladas más contemporáneas que recuerdan a Alicia Keys, o a Sarah Mchloughlin. Con una voz verdaderamente conmovedora, honesta, y muy dinámica, que en su rendimiento, expresividad, y capacidad para hacer participar emocionalmente a la audiencia, encuentra los argumentos perfectos para ganarse en su país la etiqueta de: "...esa muchacha con la voz increíble...".

"Thinking out loud" -2005; "Complicated mess" -2006; y "Tomorrow another day" -2008; son hasta la fecha los tres álbumes publicados por ésta juvenil voz del pop estadounidense, que a pesar de mostrar una imagen de típica-tópica jovencita de clase media norteamericana, se encuentra muy lejos del estereotipo de chica "Beverly Hills, 90210", y quizá más cerca de ese pop maduro "AAA", que tanto gusta en el país de las barras y estrellas. El sonido sencillo a pop fresco y desenfadado de Debra, te encantará si te gustan opciones sonoras tales como las que ofrecen la rubia californiana Colbie Caillat, la espectacular Michelle Branch que conquistase a Carlos Santana en su "The game of love", o la diva, hija del maestro Ravi Shankar, Norah Jones. Más, seguro. Mejor... imposible.

Espero que os guste: "DEBRA ARLYN - LET IT GO".

Para más info sobre Debra Arlyn: http://www.debraarlyn.com

HASTA MAÑANA!!

10cc

Hola a todos!

Ayer noche mientras trabajaba, me vino a la memoria una memorable canción de los años '70, que al sonar como ambiente en un instante de la jornada laboral, casi consigue retrotraerme a momentos mucho más deliciosos de mi vida. Dado que nací en 1967, la verdad es que llegué tarde hasta nuestros protagonistas de hoy (era yo aun un tierno infante durante su época triunfal, y reparé en ellos ya en los 80'); pero desde el primer momento quedaron archivados en mi memoria más selectiva, como una de las bandas más subyugantes de aquellas dos décadas.

Hoy quiero presentaros a: "10cc".

Graham Gouldman, Eric Stewart, Kevin Godley, y Lol Creme, formaron originalmente la banda en 1972, aunque su debut discográfico no se produce hasta 1973, y su mayor éxito llegaría ya en 1975, de la mano de la impresionante y sobrecogedora balada "I'm not in love", que por supuesto, será nuestra protagonista de hoy.

Emblemática banda de pop-rock/soft-rock británica, que desde Manchester nos proponía una excepcional mezcla de rock reposado, y sensualidad sin límites, que aunque ciertamente anclada a su exitoso "I'm not in love", también cuenta con algunas otras piezas merecedoras de sonar en cualquier lista de reproducción que se precie de albergar buena música. "Silly love", "Wall Street shuffle", o "Dreadlock holiday", serán también canciones eternas, que a buen seguro aun permanecerán en el subconsciente de muchos "cincuentones" adictos al rock.

El enigmático nombre de "10cc" (sugerido por el manager del grupo), viene derivado de la cantidad media de esperma que el hombre suele expulsar en cada una de sus eyaculaciones. Y es que todo en ellos resultaba jocoso, divertido, y exento de sobriedades absurdas. Todo el universo de "10cc", incluido su apelativo, contenía grandes dosis de una fina y elegante ironía.

11 magníficos discos editados acompañan la carrera discográfica del grupo, que desde su "10cc" de 1973, hasta el "Mirror mirror" de 1995, traspasaron tres décadas con un sonido extremadamente sinfónico, bastante atrevido para la época, y siempre dejando su huella indeleble en un sonido cargado de un talento incuestionable.

Como suele ocurrir en éstos casos, la falta de "tirón" comercial que tuvieron sus últimos trabajos publicados ya en los '90, forzaron la disolución de la banda, y cada uno de sus componentes emprendió proyectos en solitario, de entre los que cabe destacar el dúo que a finales de los '80 formó Gouldman ("Wax"), y del que seguro todos recordamos su celebérrimo "Right between the eyes". Pero 1999 sería el año elegido para el regreso de "10cc", y diez años después, aun hoy podemos seguir disfrutando de un más que aceptable "remake" del grupo, que re-estructurado con Rick Fenn (guitarra, bajo, y coros); Mick Wilson (percusión, coros, y guitarra); Mike Stevens (teclados, guitarra, bajo, y coros); Paul Burgess (batería); y el fundador Graham Gouldman (voz, bajo, y guitarra); siguen desarrollando un soberbio trabajo musical.

Y como no podía ser de otra manera, la eterna "I'm not in love" es la canción elegida para ambientar nuestro post de hoy. Una canción que no necesita presentación, y que aun hoy, 34 años después de su publicación original, sigue apareciendo tan sensual, exquisita, electrizante, y estremecedora, como ya sonara en las radios del mundo entero allá por 1975. Para enamorarse otra vez, para recordar una vez más, para hacer el amor sin prisas. Para saborear la dulzura de un beso lanzado al aire, para escuchar hasta la última nota, para disfrutar hasta la última gota, para soñar... Una extraordinaria versión larga y remasterizada, que en 6 minutos de duración, aglutina todo lo mejor de una década de música: aquellos sensuales y coloridos '70...

Espero que os guste: "10cc - I'M NOT IN LOVE".

Para más info sobre 10cc: http://www.10ccworld.com

HASTA MAÑANA!!

TONY LOWE & ALISON FLEMING

Hola a todos!

Estoy convencido sin ningún género de duda, que la música es el arte más propenso a facilitar la captura de cualquier tipo de sentimiento. Las palabras, las entonaciones, las melodías, las armonías. En ocasiones todo se alía en torno a un círculo de imágenes sonoras, que consiguen atrapar nuestros sentidos en una tupida red de disfrute extenso y explícito. Hay quien asegura que el olfato es el más poderoso de nuestros sentidos, consiguiendo evocar a través de un ínfimo aroma toda una amalgama de recuerdos. Y realmente resulta impresionante comprobar cuantas imágenes, sonidos, situaciones, lugares, personas, y ambientes, pueden aparecer súbitamente tras un olor determinado. La música quizá no puede realmente traernos a la memoria una fragancia; pero ¿cuántas puestas de sol se esconden tras un sonido concreto...?

Hoy quiero presentaros a: "TONY LOWE & ALISON FLEMING".

Impresionante, emotivo, y evocador. Así de rotundo he querido comenzar nuestro editorial de hoy. Y es que el proyecto musical que Tony y Alison nos proponen desde Londres, contiene todos los mimbres necesarios para convertirse en una obra de culto en el género de la música, llamémosle: cinemática".

Tony: músico, guitarrista, compositor, cantante, productor, y convencido activista humanitario. Ha trabajado en más de 150 discos publicados por algunos de los más importantes nombres de la industria musical, entre los que podríamos mencionar a Julian Lennon, Pet shop boys, David Cross, John Foxx, Phil Ramone, Visage, Belouis Some, Aretha Frlanklin, Genesis, o Kim Wilde. Además posee una muy interesante y dilatada carrera en solitario.

Alison: pasó gran parte de su infancia en Yorkshire, mientras comenzaba a escribir poesía muy personal y quizá extraña. A medida que iba creciendo escribió música para aquellos textos, y muy pronto se convirtió en una excepcional canta-autora, con un estilo tan extremadamente personal, como sensacionalmente único. Poseedora de un talento sólido e inusual en el terreno más conceptualmente pop, que sin duda se debe a la naturaleza original, cautivadora, y atemporal, de sus letras, sus melodías, y su voz ajustadamente perfecta.

Ambos, juntos desde hace al menos 20 años, nos proponen un trabajo que camina entre el pop y el rock, dejándose seducir en ocasiones por la épica de las orquestaciones más clásicas, y del sinfonismo más glorioso. Aunque en otros trabajos (sobre todo de Tony en solitario), también podremos disfrutar con sonidos más típicos del smooth jazz.

"All of above" -2006; y "Second nature" -2007; son a día de hoy la dupla de álbumes que firma éste magnífico dúo londinense, en el que nos presentan una genial e inspirada colección de canciones, sugeridas por los colores intrínsecos que irradia el aura de las historias que cada una de ellas pretenden contarnos. De hecho, su disco "All of above" encierra en su "track list" el conjunto total de una ópera rock, que se plasma mágicamente en un álbum de corte conceptual, en el que cada canción es tratada como un capítulo de la historia completa. Es un trabajo sensacional, entretenido, y verdaderamente muy interesante.

Y precisamente, con el último corte de esa obra vamos a quedarnos para hoy: "I believe in everything". Una canción tan breve como intensa, y que sirve de perfecto cierre al álbum, facilitando por sí sola un epílogo eminentemente orquestal, positivo, y con mensaje implícito. Un ligero sonido a "Pet shop boys", y quizá también al John Miles de "Music", o al Gerry Rafferty de "Baker Street". Pero uno puede casi imaginarse el patio de butacas puesto en pie, mientras los artífices de la obra saludan con una reverencia desde el escenario, al mismo tiempo que la orquestación final crea un climax a lo "Jesucristo Superstar", mientras que el genio de John Williams toma nota... Sensacional.

Espero que os guste: "TONY LOWE & ALISON FLEMING - I BELIEVE IN EVERYTHING".

Para más info sobre Tony y Alison: http://www.myspace.com/tonyloweandalisonfleming

HASTA MAÑANA!!

WILL READ

Hola a todos!

El pequeño verano de San Miguel parece que se alarga más de lo normal, y he de reconocer con cierto grado de apasionamiento, que ya empiezo a echar en falta los colores ocres del otoño, sus refrescantes pero no fríos días lluviosos, y esa cadencia distinta que suele darse durante éstos meses de transición hasta llegar al invierno. Quizá por eso, nuestro editorial de hoy se va a llenar de sonidos ambientales, emotivos, y otoñales.

Hoy quiero presentaros a: "WILL READ".

¿Quién es Will Read? En pocas palabras: una incógnita que nos llega discretamente desde MacClesfield (Cheshire, Reino Unido). Recién levantado ésta mañana, con los ojos aun semi-cerrados, y con un aletargado sabor a melancolía en el espíritu, comencé como cada día a recorrer mis discos duros en busca de alguna canción que consiguiese "atraparme", y de repente me encontré con la maravillosa y ambiental pieza que de él hoy os propondré.

Puesto a investigar sobre la obra, vida, y milagros del señor Read, aumenta más si cabe la capa de misterio que para mi se cierne sobre su currículum, ya que no parece existir ningún dato que sea relevante. Estamos, pues, ante otro de esos asombrosos y mágicos proyectos sonoros que en ocasiones caen en mis manos, y que sin remitente, sin procedencia, y sólo a golpes de elegancia, se abre paso por méritos propios en la atmósfera brumosa de mi duermevela.

En las diez o doce canciones que de él he podido escuchar, salta a la vista que Will es un cantante y compositor extremadamente elegante, cadencioso, y cálido, que en gran medida nos ofrece canciones íntimas, intimistas, y aterciopeladas, de sonidos lustrosamente pulcros, ambientales, y de una exquisita producción. Con un "feeling" verdaderamente brutal, y que en algunos pasajes de sus composiciones, quizá me retrotrae al sonido calmado, distinguido, y sin absurdas estridencias, de artistas tan geniales como Van Morrison, Chris Rea, Paul Carrack, o Christopher Cross. Un trabajo "sencillo", efectivo, evocador, y casi pictórico. Casi un alquimista de las sensaciones...

Si ésta apreciación personal no os basta, sólo puedo deciros que Will Read compone, interpreta, graba, y auto-produce todo su material, para lo que él mismo nos dice: "...dispone de mucho tiempo libre, un bien surtido estudio de grabación multimedia cargado de equipo, y una inusitada afición por los ritmos lujosos, y las melodías cursis..."

Yo no encuentro nada cursi en el trabajo de Will, muy al contrario. Lo encuentro delicado como un amanecer entre sábanas de raso junto a la persona amada, deleitable como una inquietante puesta de sol junto al mar, confidencial como quien ama sin estrépitos y en secreto, inmenso como un paisaje de la tundra ártica...

En ésta ocasión no puedo "postear" un link a la página web de Will, ya que he sido incapaz de encontrarla (ni siquiera sé si existe), así que al menos hoy tendréis que fiaros de mi, disfrutar con la preciosa, enigmática, y cadenciosa canción que os traigo, y creer en mi palabra: el resto de su trabajo es tan delicioso como ésto...

Espero que os guste: "WILL READ - MAGIC BRACELETS".

HASTA MAÑANA!!

P.D.: Hoy me es imposible colocar la cinta de cassette habitual, ya que el "upload" de la página con la que habitualmente lo hago, no funciona... ¡¡¡otra vez!!!

JAY JOHNSON

Hola a todos!

Pues así como quien no quiere la cosa, ya estamos camino de cumplir nuestro noveno mes de vida, y con el de hoy ya serán 241 los artículos publicados en "La música que no sonó en los 40 principales". 241 días, y otros tantos artistas presentados, con los que en mi modesta opinión, estamos consiguiendo elaborar un espectacular y nutrido catálogo de músicos sensacionales. En muchos casos desconocidos, y siempre carismáticos, ellos nos ofrecen una fantástica alternativa para combatir el actual tedioso mercado discográfico oficial. Cuando comenzamos nuestra singladura aquél 26 de enero de 2009, parecía que todo iba a resultar sencillo, y la verdad es que no lo ha sido; pero con inconvenientes o sin ellos, he de confesaros que ya estoy completamente enganchado a ésto, y puede decirse que actualmente escucho y consumo más música "al margen de la ley", que aquella que nos llega por los canales más habituales... ¡Mejor para los artistas, que son quien realmente lo merece...!

Hoy quiero presentaros a: "JAY JOHNSON".

Una buena descarga de rock sureño parece buena opción para comenzar semana, y podemos decir que "Jay Johnson" nos ofrece para ello un trabajo simplemente espectacular. Cantante y compositor con sede en Dallas (Texas, USA), Johnson vincula su trabajo musical a un fabuloso compendio de "Americana-rock-country-funk-folk-blues", que consigue electrizar todos los músculos de nuestro cuerpo con grandes descargas de energía, sonidos fronterizos, y toneladas de talento. Estamos ante un compositor "multi-género" (aunque él odia esa palabra), que en su trabajo es capaz de transmitir algo más que meras sensaciones musicales.

Algunas voces experimentadas de su país, coinciden en presentarnos el sonido de Jay Johnson como el resultado de juntar bajo el mismo techo el trabajo cerebral de Mr. Bob Dylan, con las atemperadas melodías de "The Eagles", y todo convenientemente filtrado por el tamiz de Elvis Presley. Yo no me encuentro capacitado para asegurar si la descripción es fiel a lo que Johnson nos ofrece en su sonido, pero sin duda, argumentos para corroborarlo no le faltan.

En su intensa y extensa carrera, Jay ha compartido escenario con algunas de las más grandes estrellas del firmamento musical norteamericano, entre las que se encuentran: Jackson Browne, Pat Green, Willie Nelson, Charlie Robinson, Jack Ingram, Ray Wylie Hubbard, o Steven Fromholtz (sólo por mencionar algunos). Además sus canciones son muy apreciadas por otros profesionales de la música estadounidense, habiendo sido publicadas en discos de diversos y reconocidos artistas. No en vano, en USA comparan su estilo de componer con el de James Taylor, Black Crowes, Townes Van Zandt, o el mismísimo Neil Young.

Actualmente desconozco si existe una más amplia discografía de éste fabuloso artista tejano. Tan sólo conozco dos álbumes: "Images" -1999; y "Royal blue moon" -2004; pero la verdad es que en ésta escasa colección de discos, Jay nos ofrece un trabajo sólido, contundente, y eléctrico; que hará las delicias de los amantes de ese rock fronterizo tan mestizado, y especial, que en ocasiones nos recuerda la silueta de interminables camiones surcando comarcales desiertas, con bares de carretera plagados de pandillas de motoristas barbudos, sombreros de cowboy, olor a humo, y sabor a cerveza. Tópicos, sí; pero es lo que hay... mucho aroma a E.E.U.U.

Espero que os guste: "JAY JOHNSON - THE TRUTHWAGON"

Para más info sobre Jay Johnson: http://www.jayjohnsonmusic.com

SEÑOR MOSTAZA

Hola a todos!

Hoy domingo de madrugón para ver en televisión la carrera de fórmula 1, y ciertamente decepcionado con la clasificación de nuestro súper Fernando Alonso, creo que es un momento estupendo para que el blog vuelva hasta España, y con ello alimentar nuestra ración de chauvinismo. Y es que aunque en ocasiones me da pereza, e incluso llega a cansarme el bucear en música cantada en Español, sin duda en nuestro país existen muy buenos e interesantes proyectos que llevarse al oído...

Hoy quiero presentaros a: "SEÑOR MOSTAZA".

Hasta Valencia nos marchamos para encontrarnos con éste fantástico, entretenido, y experimentado cuarteto de músicos, que liderado por Luis Prado (voz, piano, y batería), aglutina en su formación y en su sonido toda la experiencia de unos inconmensurables: Paco Tamarit (guitarra y coros); Alejandro Climent (bajo y coros); y Eduardo Olmedo (batería); que sumados a la frescura escritora, y al desparpajo vocal y pianistico de Prado, consiguen ofrecernos un proyecto muy recomendable, en el que nos sorprende un excepcional piano, unas poderosas bases rítmicas, unos coros de voces muy armónicos y pegadizos, unas letras inteligentemente tragi-cómicas, y unos preciosistas e insospechados acordes.

La trayectoria de éstos chicos no es nueva, ya que tres de ellos formaron el grupo "The Flauters" en 1989, con el que cosecharon el cariño y la estima de los seguidores de la escena musical valenciana de aquella época. Pero además el currículum engorda de manera espontánea y floreciente, ya que comprobamos que algunos "mostaceros" han colaborado en importantes trabajos musicales españoles, tales como la gira de 2000, y el disco "Sin Enchufe" de los murcianos "M-Clan, así como en el álbum "Lo siento, Frank" de Ariel Rot. Pero sobre todo están orgullosos de haber participado en la grabación del disco de Miguel Ríos "Solo o en compañía de otros", con el que grabaron la canción "Memorias de la carretera".

Currículum aparte, "Señor Mostaza" firman hasta la fecha una estupenda trilogía de álbumes: "Pianoforte" -2002; "Mundo interior" -2005; y "Somos poco prácticos" -2008; en la que encontramos a un grupo curtido, elegante, divertido, refrescante, fresco. Estupendos malabaristas de un pop categórico, que oscila entre el blues, el ragtime, y el rock, para sobre todo, incrustarse en nuestros tímpanos a golpe de composiciones "redondas", aparentemente sencillas, y cimentadas en un ámbito de textos descaradamente costumbristas. Una entretenida delicia sonora, pero sobre todo, una bocanada de aire limpio...

Espero que os guste: "SEÑOR MOSTAZA - SER VULNERABLE".

Para más info sobre Señor Mostaza: http://www.srmostaza.com

HASTA MAÑANA!!

THE BLUE VOODOO

Hola a todos!

He de reconocer que cada día que pasa resulta más complicado poder sacar adelante el editorial diario, ya que aunque la música no cesa jamás de sonar por el mundo adelante, en ocasiones es a mi mismo al que se le atascan las neuronas, y el oído no encuentra nada que le resulte seductor, provocandome con ello un vacío de ideas que me obliga (como ayer sin ir más lejos), a saltarme deliberadamente nuestra cita. Pero hoy, volvemos a la carga...

Hoy quiero presentaros a: "THE BLUE VOODOO".

Y es que para ayer tenía pensado traer hasta el blog alguna potente muestra de buen blues, pero de repente me agobié entre datos, sonidos, y cierta dosis de cansancio físico, y siguiendo el consejo de ese refrán colombiano que dice: "...a camino oscuro parar, y esperar que amanezca...", preferí darme un respiro, para poder volver hoy por los fueros habituales. Y a buen seguro las horas de silencio han resultado fructíferas, ya que si lo que quería era mostraros blues del bueno, la banda que hoy os traigo sin duda hará las delicias de los más exigentes oyentes del género.

Ted Tosoff (guitarra y voz); Rick Dalgarno (guitarra y coros); Gerry Berg (bajo); y Kelly Stodola (batería); son los pilares maestros que cimentan el proyecto "The blue voodoo". Consiguiendo mostrarnos en su perfecta conjunción a una experimentada y solvente banda, que en su sonido mezcla las raíces más acústicas del blues clásico, con toda la electricidad del más moderno blues-rock, hasta alcanzar un estilo con grandes melodías, armonías inteligentes, y que siguiendo la estela de nombres como Muddy Waters, Ben Harper, o Dave Mathews, consigue plasmar todo su talento en canciones rotundas, refrescantes, enérgicas, y originales.

"Ride" publicado en 2003; "Sparkle and shine" en 2004; y "Back to the shack" en 2007; son la trilogía de álbumes publicados hasta la fecha por ésta estupenda banda que nos llega desde Vancouver (Canadá). Tres discos muy recomendables, en los que podemos encontrar toda la "triste" calidez del blues más descarnado, a través de unos soberbios trabajos de instrumentación, que se encuentran a la altura de las mejores propuestas que he podido escuchar en los últimos tiempos en el género "azul".

Ciertamente suenan a nuevo, aunque guardan en su interior un indudable sabor de antaño, que convierte cada una de las composiciones de la banda en piezas casi intemporales. Blues del siglo XXI, ejecutado con grandes cantidades de sentimiento, fuerza racial, talento, y con toda la elegancia que nos ofrece la profunda "sencillez" de sus dinámicos y consistentes compases.

"The blue voodoo" nos anuncian un nuevo disco para 2009/2010. Pero mientras éste llega hasta nosotros, para ofrecernos seguramente una muestra más de que el "azul" es infinito e insondable..., nosotros hoy vamos a quedarnos con una de las mejores y más representativas canciones de la banda canadiense: "World is burning". Una canción sólida, ondulante, hermética; que consiguió el premio a la mejor canción blues 2007 en los "IAC Music Awards", y que sin duda nos muestra las exquisiteces musicales que se esconden tras el fantástico proyecto que conforman Ted, Rick, Gerry, y Kelly. Ansiamos, desde ya, ese nuevo trabajo...

Espero que os guste: "THE BLUE VOODOO - WORLD IS BURNING".

Para más info sobre The Blue Voodoo: http://www.thebluevoodoo.com

HASTA MAÑANA!!

SHE

Hola a todos!

Hoy en nuestra ración diaria de buena música, vamos a volver de nuevo hasta Europa, para encontrarnos con los protagonistas que fundamentarán nuestro post en éste primer día del mes de octubre. Retomamos así nuestros viajes por el "viejo continente", para retomar al mismo tiempo la vertiente más "pop" de nuestras preferencias musicales, y nos dejaremos seducir por éste estilo sencillo, melódico, pegadizo, y normalmente asimilable para el gran público.

Hoy quiero presentaros a: "SHE".

Linnea Kempe (voz); Klas Norberg (guitarra); Erik Eurenius (bajo); y Martin Odlund (batería); son los cuatro integrantes de éste grupo que nos llega desde Härnösand (Suecia), y que en su trabajo nos muestran un claro ejemplo de lo que debe ser un "pop" asequible, divertido, refrescante, y no por ello exento de unas grandes dosis de calidad.

Formados en 2004, la prensa especializada de su país habla de ellos como de una banda muy compacta, con una inmejorable puesta en escena, muy electrizante y energética, y con una personalidad arrolladora sobre el escenario. Y argumentos no les faltan a nuestros protagonistas para corroborar toda la impresionante colección de adjetivos con los que se les menciona en en Suecia, y practicamente en toda Escandinavia.

En "She" encontramos un pop "sin complicaciones", ligero, ameno, y aunque quizá sin concesiones a ningún tipo de virtuosismo, perfectamente trabajado en su sonido: directo al oído, y nada enrevesado. Canciones típicamente enclavadas en el género del que pretenden beber, y que en la típica construcción de "verso-estribillo-verso", encuentran una inagotable fuente de inspiración, divertimento, y fantasía.

Contratados por la multinacional "Warner/Chapell Escandinavia" desde 2006, antes de ese contrato ya eran considerados como una de las mejores y más importantes bandas independientes de Suecia, y hoy por hoy siguen aportando su granito de arena para buscar el continuo y desenfadado divertimento de sus oyentes.

Pocos más datos puedo aportaros a día de hoy sobre ellos. No puedo hablaros sobre su currículum, sobre su discografía, o sobre sus logros pasados; pero a pesar del misterio que ello arroja sobre sus posibilidades de futuro, hoy he creído importante compartir el sonido de "She" con todos vosotros, para así aportarle al "pre-fin de semana" una chispa de "pícara" frescura, y un ritmo desenfadado, que puedan decorar con éxito nuestras próximas horas de solaz y esparcimiento.

Espero que os guste: "SHE - I DON'T DANCE NO MORE".

Para más info sobre She: http://www.myspace.com/webshe

HASTA MAÑANA!!

REBA McINTIRE

Hola a todos!

Si por algo me satisface el trabajo que venimos desarrollando en "La música que no sonó en los 40 principales" desde hace algo más de siete meses, es porque en algunas ocasiones tengo la oportunidad de toparme de bruces con verdaderas estrellas mundiales, que lo son al margen de nuestro conocimiento. Y es que en días como el de hoy, me doy cuenta de cuanta música me queda aun por escuchar, de cuanto camino me queda aun por recorrer para llegar a saber algo de la música que se mueve por el mundo, y del tamaño que alcanza mi desconocimiento...

Hoy quiero presentaros a: "REBA McINTIRE".

Tengo que reconocerlo. Cuando ésta mañana me encontré con la música de Reba y comencé a documentarme sobre ella para preparar mi editorial, me sentí musicalmente pequeño. Y es que con una trayectoria profesional tan dilatada, inquieta, exitosa, y plagada de acontecimientos, aun no puedo entender como se da la situación de que tan sólo acabe de conocer su existencia.

Nacida un 28 de marzo de 1955 en Kiowa (Oklahoma, USA), 54 esplendorosos años contemplan la carrera profesional de ésta auténtica diva del mejor country estadounidense, que grabó su primer disco allá por 1977, y que a fecha de hoy alcanza ya la cifra de 31 álbumes editados. Sus estadísticas resultan abrumadoras: más de 55 millones de discos vendidos, 33 números 1, 2 premios "Grammy", 7 premios "Country Music Association", 12 "Country Music Awards", 9 "People's Choice Awards", y 15 "American Music Awards", decoran con quilates de oro todo cuanto ésta mujer ha emprendido durante su espectacular aventura musical.

Estamos ante una mujer sumamente polifacética, cantante y actriz, que en su música nos ofrece un sonido contemporáneo, fresco, y muy interesante. Desde sus inicios siempre fiel a las más tradicionales y efervescentes raíces country. No en vano, en su impresionante discografía encontramos piezas de auténtico culto, y que parecen desenvolverse a la perfección entre paisajes rurales, inundados de rodeos, ferias de ganado, y ambientes fronterizos.

Pero no todo es música en la carrera de Reba. Como actriz ha protagonizado una buena colección de películas, de entre las que el público español podrá recordar su papel en "Temblores" (cinta que en 1990 protagonizó junto a Kevin Bacon). Tal resulta su "tirón" estadounidense, que durante seis años (2001-2007), Reba Mcintire protagonizó también su propia serie de televisión emitida en "primetime", con la que consiguió alcanzar unas inusitadas cuotas de popularidad y éxito, que la llevaron a realizar apariciones estelares en otras afamadas series, como por ejemplo, la genial e histriónica, "Frasier".

Pero realmente la música siempre ha sido su verdadero "leit motive", y ello se advierte en los éxitos que también cosechó en Broadway, en donde de la mano de algunos importantes y muy aplaudidos espectáculos musicales, forjó su nombre con letras de oro sobre su propia estrella en la famosa acera del "Hollywood walk of fame".

Con tanto trabajo interpretativo, no es de extrañar que su carrera musical quedase aparcada durante varios años, y más si cabe, cuando en 1991 perdió a ocho de los miembros de su banda en un accidente de avión. Pero como ella misma afirma, llegada a la madurez, su interés más preclaro pasa por centrarse en su voz y en sus canciones. Para lo que se zambulle de lleno en una nueva etapa discográfica, que casi como si de un nuevo comienzo se tratase, lleva a nuestra Reba a desvincularse del sello "Polygram/Mercury/MCA" (con el que dicho sea de paso llevaba grabando desde 1976), para publicar un nuevo y fantástico disco con "Valory Records", que sin duda nos ofrece su mejor trabajo hasta la fecha: "Keep on loving you".

Trece canciones cálidas, apasionadas, maduras. Con un amplio abanico de posibilidades y sentimientos implícitos, que consiguen encandilar al oyente más acostumbrado al country; pero que también nos ofrece esa "pizca" de modernismo que otorga el emergente "new-country" que suena por aquellas tierras. Una voz sensible, sentimental, atemperada, cálida, y seductora, para acariciar las palabras vertidas en cada estrofa, con toda la pasión de una interprete que retoma su trabajo musical, ilusionada en ello como si de una principiante se tratase.

Espero que os guste: "REBA McINTIRE - CONSIDER ME GONE".

Para más info sobre Reba McIntire: http://www.reba.com

HASTA MAÑANA!!

SWING OUT SISTER

Hola a todos!

Los que seguís de manera habitual nuestro blog, ya sabéis que de cuando en cuanto me gusta sacar a pasear la artillería pesada, y bucear de forma gloriosa en esa aquilatada carpeta que guardo en mi disco duro como oro en paño, y que contiene algunas de mis canciones favoritas de toda la historia de la música. Si además me habéis visto trabajando, ya sabéis que de mis 500Gb de música archivada puede llegar a salir hasta el título más insospechado. Así pues, hoy, un día nublado en Madrid, con unos muy agradables 21º centígrados de temperatura en el exterior, y aprovechando que el río Pisuerga pasa por Valladolid; es un momento excepcional para el recuerdo más inusitado...

Hoy quiero recordar a: "SWING OUT SISTER".

"Swing out sister" toman su apelativo de la película cómico-musical con el mismo nombre, estrenada en 1945, y son un imprescindible proyecto sonoro que nos llegó desde Manchester (Reino Unido), allá por 1987, y que a finales de aquella década nos proponía un elegante estilo "soul-electropop-smooth-acidjazz", que navegaba al cabotaje en las más espléndidas aguas de lo que en su país dio en llamarse "Sophisti-pop", o "Blue-eyed soul": una cálida y bien trabajada ración de elegante jazz, y ligero soul, todo ello aderezado con melodías pop de factura suave, y de gancho indudable.

Originalmente concebidos como trío, con Corinne Drewery (voz); Andy Connell (teclados); y Martin Jackson (batería), éste último abandonó la banda en 1989 durante la grabación de su segundo disco, para con ello finalmente dar pie al dúo con el que actualmente siguen defendiendo su magnífico trabajo.

"It's better to travel" -1987, fue el primer disco publicado por la banda, e inmediatamente a su publicación consiguió hacerse con el nº 1 en las listas de ventas del Reino Unido, además de conseguir una merecida mención a los premios "Grammy" de aquél mismo año. Canciones como "Breakout", o "Surrender", eran piezas que acercaban hasta nosotros un sonido fresco, "limpio", agradable al oído, y extremadamente "consumible" en las pistas de baile, que se salía en cierta medida del "típico" pop británico, para convivir en nuestros tímpanos junto a los sonidos de un soul "negro" cantado por "blancos", a la imagen y semejanza de artistas también británicos como Lisa Stansfield, Alison Moyet, Simply Red, Rick Astley, Hall & Oates, o Culture Club.

A excepeción de éste primer álbum, todos sus demás trabajos pasaron injustamente inadvertidos para las listas de ventas occidentales, aunque con ellos, "Swing out sister" sí alcanzaron bastante renombre en Japón, en donde el grupo llegó a ganar un premio "Gran Prix" (equivalente al Grammy japonés), con su canción "Now you're not here", que además fue usada como base para un programa de la televisión nipona.

"Kaleidoscope world" -1989; "Get in touch with yourself" -1992; "The living return" -1994; "Shapes and patterns" -1997; "Filth and dreams" -1999 (sólo publicado en Japón); "Somewhere deep in the night" -2001; "Where our love grows" -2004; "Beautiful mess" -2008; y en 2009 la banda sonora de la película "Les étrangers"; conforman una estupenda y muy recomendable colección de discos, que sin duda agradará a los más adeptos al sonido desenfadado y "dicharachero" de los años '80, al mismo tiempo que puede resultar una estupenda puerta de entrada para todos aquellos más temerosos del jazz y el soul, que en la encantadora voz de Corinne encontrarán una fabulosa complicidad sonora. Sin "poses" de diva (aunque dotes no le faltan para ello), y cargada de talento, de buen gusto. Con unas canciones sencillamente elegantes, ampliamente livianas, y extremadamente fáciles de asimilar. En definitiva: la elegancia de la sencillez...

Espero que os guste: "SWING OUT SISTER - BREAKOUT".

Para más info sobre Swing out sister: http://www.swingoutsister.com

HASTA MAÑANA!!

DEATH CAB FOR CUTIE

Hola a todos!

Desde hace algunos días parece que planea por los canales informativos, la noticia de que acusan al maestro Antonio Vega de haber plagiado su canción "La chica de ayer". He de reconocer que dicha información ha conseguido sacarme de mis casillas, y tras realizar alguna que otra "investigación", había tomado la determinación de dedicar mi editorial de hoy a comentar el asunto (pulsa aquí para ver la noticia); pero finalmente no he creído oportuno concederle más pábulo al tema. Y aunque realmente creo que habría mucho que decir al respecto, prefiero que la historia quede escrita como está, y "parecidos razonables" al margen, que sea el tiempo, y no yo, el que ponga a cada uno en su lugar. Así pues, nosotros a lo nuestro...

Hoy quiero presentaros a: "DEATH CAB FOR CUTIE".

Ben Gibbard (guitarra y voz); Chris Walla (guitarra); Nick Harmer (bajo); y Jason McGerr (batería); son los cuatro fantásticos músicos que se esconden tras "Death cab for cutie". Una muy interesante banda de pop-rock alternativo creada en 1987, como un proyecto en solitario de Gibbard, en Bellington (Washington, USA), y que tras la fabulosa acogida que tuvo su primer trabajo, decide tomarse en serio, ampliar, y afianzar, formalizando para ello la banda que ahora conocemos.

Actualmente residentes en Seattle (Washington, USA), la banda toma su nombre del título de una canción satírica que popularizase en los '60 el grupo de rock británico "The Bonzo Dog Band", y en su estilo nos presentan un sonido muy refrescante y alternativo, en el que sobre todo prevalecen calidad, calidez, lirismo, un trabajo bien elaborado, e innumerables argumentos para alcanzar un merecido éxito.

A través de una incesante carrera discográfica que se inicia en 1998 con la publicación de su álbum debut "Something about airplanes", DFC llegan a día de hoy con siete "long plays", cinco Ep's, y una buena pléyade de recopilatorios editados, en los que se recogen una impresionante colección de canciones elegantes, sonoras, "redondas", y atmosféricas, cada una de ellas capaz por si sola de ambientar cualquier instante de nuestra existencia "psico-acústica". Por mencionar sólo alguno de sus más laureados trabajos, mencionaré que "Plans" (publicado en 2005), alcanzó una merecida nominación a los premios "Grammy" como mejor disco alternativo del año, Y "Narrow stairs" (2008), se situó en el nº 1 del "Billboard Top 200".

Currículum no les falta a éstos cuatro washingtonianos, a los que los más avezados oyentes es posible que ya conozcan, puesto que alguna de sus canciones pululan o han pululado en algún momento a nuestro alrededor, quizá hasta sin habernos percibido de ello. No en vano su canción "Photobooth", se incluye como B.S.O. del vídeo-juego "Project Gotham Racing" para XBOX 360. Por si ésto fuera poco, otra de sus composiciones ("I will folow you into the dark"), aparecía, y con ello daba título, a uno de los episodios de la quinta temporada de la serie televisiva "Anatomía de Grey". Pero sin duda es "Meet me on a equinox", la canción con la que más tumultuosa y asiduamente han sonado en las radios de todo el planeta, ya que ésta sensacional y empírica pieza, forma parte del "score" de la nueva entrega de la saga sobre vampiros juveniles, "Twilight: new moon" (es España titulada: "Crepúsculo").

Como veis, no estamos precisamente ante unos desconocidos; pero éxitos comerciales, y labores multinacionales al margen, "Death cab for cutie" ofrecen en su trabajo unos estándares de calidad raramente emparejables con el consumo masivo, y que bien merecen un espacio en éste blog que pretende alegar precisamente por eso: por la calidad.

"Soul meets body" es la canción que hoy voy a proponeros. Una pieza muy al gusto más alternativo de los oyentes estadounidenses, y en la que salvando las distancias, encontramos un sonido a lo "R.E.M", que sin llegar a parecerse demasiado al del grupo liderado Michael Stipe, refresca tanto o más que aquellos. Una canción fácil de oír, perfecta para escuchar, y cargada con todos los magníficos argumentos que ésta banda nos propone en su trabajo.

Espero que os guste: "DEATH CAB FOR CUTIE - SOUL MEETS BODY".

Para más info sobre DFC: http://www.deathcabforcutie.com

HASTA MAÑANA!!

IRIS DIVINE

Hola a todos!

Hoy se me acumula el trabajo, y parece que las horas del día se me echan encima sin concederme un respiro. Son las 14:30 h. cuando me siento frente al ordenador a preparar éste editorial, y aun no he comido, tengo que disfrutar en la televisión del increíble gran premio de fórmula 1 de Singapur, y guardarme algún tiempo de siesta para el descanso previo a una nueva jornada laboral. ¿Podré hacerlo todo a la vez...?

Hoy quiero presentaros a: "IRIS DIVINE".

Quizá con tanto trabajo acumulado, mi espíritu hoy se encuentra un poco más aletargado de lo habitual, y al mismo tiempo unas sucintas dosis de rebeldía contagian mis necesidades auditivas, por lo que casi sin darme cuenta me he dejado conquistar por el sonido de ésta banda estadounidense, que en su proyecto nos propone zarandear nuestro oído a golpe de guitarrazos, y brillantes canciones.

Farhad Hossain (voz, guitarra, y teclados); Navid Rashid (guitarra y coros); Brian Dobbs (bajo); y Tanvir Tomal (batería y coros); nos proponen en sus canciones una mezcla de sonidos que se alternan entre el rock progresivo, el heavy, el metal, el pop, y el rock alternativo, que siguiendo la estela de bandas como "Dream Theater", "Pantera", o "Faith no more", nos encandilan con un estupendo ejercicio de estilo, en el que priman dos voces solistas. Unas voces enérgicas y suaves según sea preciso, acompañadas por unas secciones rítmicas fuertes y poderosas, unos solos de guitarra impresionantes en su técnica, melodía, y estructura, que se decoran con unos riffs verdaderamente intrincados y muy contagiosos, en los que no falta de nada, y en los que tampoco sobra nada.

En el apartado de datos biográficos, sólo puedo contaros que nos llegan desde Alexandria (Virginia, USA), y que en 2008 nos presentaron su primer trabajo discográfico. Un álbum de título homónimo, y que en formato EP, contiene un excelente catálogo de composiciones brillantes, enérgicas, bien construidas. Con unas ejecución y producción impecables, que no sólo se limitan a buscar el típico-tópico "ruido" del heavy más rudo, explosivo, y fragoroso. "Iris Divine" son capaces de explorar en su estilo todas las posibilidades que ofrece una buena descarga del rock & roll más descarnado, y no por ello dejar de mostrar una elegancia de muchos quilates. Energía, rabia, contundencia, sonoridad, fuego, pasión, dinamismo, melodía, armonía. Cuero y tachuelas, seda y acero...

Espero que os guste: "IRIS DIVINE - BROKEN (ARMS OF HEAVEN)

Para más info sobre Iris Divine: http://www.irisdivine.com

HASTA MAÑANA!!

THE CRYSTAL METHOD

Hola a todos!

Quizá sea porque es sábado, o quizá porque hoy vuelve a lucir un precioso y escaso día primaveral. Quizá tan sólo sea por flirtear con otro tipo de propuestas musicales. Sea como fuere hoy vamos a cambiar diametralmente de estilo, y vamos a realizar una profunda inmersión en el inquietante desierto de arenas blancas y dunas negras, que de forma simétrica conforman el teclado de cualquier sintetizador.

Hoy quiero presentaros a: "THE CRYSTAL METHOD".

Tengo tanto que decir, que realmente no sé por dónde comenzar. Y es que "The Crystal Method" son uno de esos grupos musicales que están constantemente sonando a nuestro alrededor, aunque a priori no nos percatemos de ello...

Comenzaron su carrera a mediados de los '90, y desde entonces no han dejado de ser uno de los grupos más influyentes, interesantes, y valorados, de la escena electrónica estadounidense. Nacidos en Las Vegas (Nevada), y residentes en Los Angeles (California). Ken Jordan y Scott Kirkland son un espectacular dúo de músicos, productores, y Dj's, que desarrollan una intensa labor musical muy ligada a la electrónica, y que ostentan el honor de ser, junto a "The Chemical Brothers", "Fatboy Slim", y "The Prodigy", los primeros prioneros en experimentar y desarrollar el género "Big-beat". Estamos ante un estilo ecléctico en el que convergen distintas tendencias musicales como son: rock, funk, hip-hop, house, punk, breakbeats comprimidos en ritmos moderados (por lo general entre 110 a 136 golpes por minuto), líneas de sintetizador ácidas y bucles de jazz heavy.

"The Crystal Method" heredan su sonido del funk y el hip-hop, que convenientemente retocan para adecuarlo a la escena "rave" californiana, aportando para ello líneas demoledoras de bajo, que se funden con sonidos mucho más rockeros. No en vano, Ken y Scott se reconocen altamente influenciados en su música por artistas tan dispares como AC/DC, Led Zeppelin, The Beatles, Stevie Wonder, o New Order.

Cinco álbumes acompañan la prolífica carrera del dúo: "Vegas" -1997; "Tweekend" -2001; "Legion of boom" -2004; "Drive" -2007; "Divided by night" -2009; amén de la B.S.O de la película "London" (estrenada en 2005, y dirigida por Hunter Richards). Una indispensable colección de dance-electrónica-breakbeat, con toques rock, y en ocasiones hasta de metal, que han conseguido cimentar las solventes bases de un proyecto "diferente" en cuanto a sonido, y muy elegante en cuanto a realización.

A buen seguro, buena parte del público español reconocerá a "The Crystal Method", ya que una de sus canciones sirve como canción principal de la serie televisiva "Bones", que en la actualidad emite "La sexta"; y sin duda, también resultan muy reconocibles las sintonías que de ellos podemos escuchar en un buen puñado de capítulos de "C.S.I.". Y si ésto aun no es suficiente, su versión del clásico de "The Doors", "Roadhouse blues", acompañó elegante e inquietantemente en su momento, a las imágenes de la campaña publicitaria de la marca de calzado deportivo "Nike"

Otras magníficas piezas salidas de la factoria californiana de "The Crystal Method", se encuentran incluídas en vídeo-juegos tan afamados como: "Dance dance Revolution", o "Need for speed: underground". Incluso su canción "Subway showdown", decora a la perfección las espectaculares escenas del "The Matrix: Path of Neo". Como véis, al dúo no le faltan plataformas "diferentes" sobre las que promocionar su "diferente" música. Que dicho sea de paso: ondula cadenciosa y suavemente sobre mullidos colchones atmosfericos, generando un ambiente casi chill-out; pero con toda la sublime eficacia, y la matemática contundencia, de un robot trabajando en una cadena de montaje...

Espero que os guste: "THE CRYSTAL METHOD - GLASS BREAKER".

Para más info sobre The Crystal Method: http://www.thecrystalmethod.com

HASTA MAÑANA!!

HATTIE WILCOX

Hola a todos!

Hace muchas semanas que desde "La música que no sonó en los 40 principales" no le dedicamos un editorial al blues, y eso quizá puede considerarse un error imperdonable. Ya que si por elegancia sonora, y por gusto personal del que suscribe pretendemos dar a conocer el trabajo que se vierte diariamente sobre éstas líneas, sin duda, el género de los doce compases contiene todos los elementos necesario para acaparar páginas y páginas de nuestro blog, y horas y horas de vuestras audiciones.

Hoy quiero presentaros a: "HATTIE WILCOX".

Volamos de nuevo hasta Estados Unidos, concretamente hasta San Diego (California), para encontrarnos allí con ésta mujer de increíble y apasionado talento, que en su trabajo nos muestra toda la herencia musical adquirida durante su infancia.

Cantante profunda, sensual; compositora inspirada y efectiva. Hattie Wilcox nació en Raleigh (Carolina del Norte, USA). Creció escuchando a Chopin, Debussy, y todo el blues y el soul "hillbilly", que sonaba en su casa a todas horas, lo que le ha reportado una clara inclinación musical hacia aquellos géneros "negros" por excelencia.

A los 7 años de edad ya tocaba el piano durante un par de horas al día al salir del colegio, y a los 13 fue aceptada para estudiar música en la "Universidad de Duke", en donde estudió composición, solfeo, canto, e historia de la música. Tras acabar sus estudios retomó su trabajo con el piano en el "Mills College" de Oakland, y fue entonces cuando comenzó a fusionar sus dos pasiones, la poesía y la música, comenzando así a escribir sus primeras canciones, inspirada en algunas de sus estrellas favoritas, como la prodigiosa Etta James, el "divino ciego" Ray Charles, o el Reverendo Al Green.

Hoy por hoy, su sonido abarca una muy ecléctica mezcla de estilos, que van desdes el soul y el blues, hasta la música electrónica y el dance. Ésta mezcolanza se hace palpable especialmente desde que trabaja para la televisión y el cine, trabajos que quizá precisan más que nadie de esa amalgama de sonidos. Aunque ella misma declara que no quiere verse diluida en la vorágine de sus "otras" composiciones, y se declara firme y abiertamente enamorada del blues. Un blues vocal femenino y contundente el suyo, que nos muestra una pizca de Patsy Cline, Norah Jones, y un toque de Diana Krall o Lyly Lovett.

"Red bird tattoo" es el título del único trabajo hasta la fecha de Hattie Wilcox. Un disco publicado a principios de 2008, en el que encontramos blues, soul, sentimiento, sensualidad, elegancia... más blues, más soul, más pasión, y un sonido enérgico que cabalga sobre una incesante riada de estupendas canciones. "Something real" es la que hoy he elegido para compartir con vosotros. Una pieza de muy buen blues, inspirada en todo el soul del ya mencionado Al Green, y en la que encontramos a una Hattie exuberante, perfecta en su interpretación, elegante, y de voz aterciopeladamente profunda, que nos transporta en su tesitura vocal sobre una instrumentación de ritmos sólidos y opacos, que consiguen delinear una impecable y compacta sonoridad.

Espero que os guste: "HATTIE WILCOX - SOMETHING REAL".

Para más info sobre Hattie Wilcox: http://www.hattiewilcox.com

HASTA MAÑANA!!

SPANDAU BALLET

Hola a todos!

Voy a saltarme todas las normas establecidas en nuestro blog, ya que la propuesta que hoy quiero haceros no es ni mucho menos desconocida, ha sonado hasta la saciedad en las radio-fórmulas de nuestro país, y forma parte de la memoria colectiva de toda una generación de personas que crecimos con la música de los '80 como telón de fondo, y que como yo, ya superamos los 40.

Hoy quiero hablaros de: "SPANDAU BALLET".

Y digo hablaros, ya que a buen seguro éste quinteto londinense no necesita presentación alguna. Tony Hadley (voz); Gary Kemp (guitarra); Martin Kemp (bajo); Steve Norman (saxo); y John Keeble (batería); formaron desde su aparición en 1979 una de esas estupendas e innovadoras bandas, que causaron una pequeña o gran revolución en el sonido pop de la prolífica década de los '80. Desde sus primeros conciertos en el club londinense "Blitz", han transcurrido nada más y nada menos que 30 años, pero aun hoy es posible encontrar una enorme y fiel cohorte de seguidores, que siguen disfrutando de la portentosa voz de Hadley, de las magníficas composiciones de Kemp, y de ese típico sonido "Spandau", tan meloso, como elegante.

Inicialmente éstos "guaperas" adolescentes se llamaron "The Makers", hasta que tras un viaje a Berlín, en el que quedaron impactados al conocer la prisión de Spandau (famosa por ser donde se alojó a los condenados tras los Procesos de Núremberg al finalizar la 2ª Guerra Mundial, y clausurada en 1987, después de que falleciese su último inquilino, Rudolf Hess), decidieron adoptar el definitivo nombre con el que todos les conocímos después.

La carrera de "Spandau Ballet" comenzó mostrándonos unos sonidos típico-tópicos para la floreciente new wave británica de aquella época, con dos álbumes ("Journeys to glory" -1981; y "Diamond" -1982) en los que unos adolescentes de peinados arquitectónicos, y vestuario imposible, sacaban a relucir un incipiente talento en canciones como "To cut a long story short", "The freeze", "Chant nº1 (I don't need this pressure on)", o "Paint me down". Pero el giro hacia el pop más melódico no tardaría en llegar, y de la mano de su más espectacular disco ("True" -1983), nos llegaban verdaderas joyas como "True", "Gold", y "Communication", que suponían el estrellato de la banda, y la definitiva cimentación del sonido "Spandau"... "Parade" -1984, "Through the barricades" -1986, y "Heart like a sky" -1989, supondrían la consecuente evolución del estilo sencillo y romántico, con el que éstos cinco londineneses pretendían conquistarnos. Y precísamente el fracaso cosechado por ese último disco de 1989, "Heart like a sky", fue el que propició la disolución del grupo, en el mismo año de su lanzamiento.

Los hermanos Kemp iniciaron entonces carrera como actores, y los restantes miembros de la banda intentaron obtener los derechos del copyright de las canciones y el nombre del grupo, pero no llegaron a un acuerdo con el propietario de todo ello (Gary Kemp), por lo que durante la sub-siguiente época, se presentaron bajo el lamentable nombre de "Hadley, Keeble & Norman, ex Spandau Ballet". Un quiero y no puedo... Tuve la oportunidad de conocer a Tony Hadley en 1990. Compartimos un par de horas de charla durante la presentación que su compañía discográfica hizo de aquél sórdido "estirar de la teta", y aunque me resultó un tipo agradable, cercano, y de conversación interesante, no sé porqué, noté que aquél experimento no iba a ser una muy buena idea...

Y quizá os preguntaréis: ¿Porqué recordar hoy a "Spandau Ballet"? y ¿Porqué traerlos hoy hasta el blog?... Pues bien. El motivo de la digresión viene propiciado, por que ha llegado a mi conocimiento la nueva reunión del grupo tras 20 años de silencio, y desde marzo de 2009, "Spandau Ballet" vuelven a existir como proyecto musical. Y mis fuentes me informan de que el "Reformation Tour 2009" que les llevará por los escenarios de todo el mundo, también les traerá a España. Concretamente al Palau Olimpic de Badalona, en Barcelona, el 12 de marzo de 2010; y al Palacio de Vista Alegre, en Madrid, el 15 de marzo de 2010. Indudablemente están un poco más "fondones" que antaño, aquellos primeros peinados arquitectónicos han pasado a mejor vida, y las arrugas quizá ya no las tapa ni el maquillaje (¿y quién no tras 20 años?); pero siguen siendo uno de mis grupos favoritos de aquella década (dorada en la música, y horrible en la moda) y que marcaron una época en el mundo de aquellas bandas plagadas de "chicos guapos", que además sabían tocar... 6 álbumes publicados, 25 millones de discos vendidos, 6 discos de platino, y 23 singles en las listas de éxitos de todo el mundo, avalan una carrera (no precisamente muy "indie"); pero sí lo suficientemente interesante como para que hoy yo me permita la licencia de volver a recordarlos...

Espero que os guste: "SPANDAU BALLET - ONLY WHEN YOU LEAVE".

Para más info sobre Spandau Ballet: http://www.spandauballet.com

HASTA MAÑANA!!

FYREFLY

Hola a todos!

Si el pasado lunes comenzamos la semana con toda la energía que desde Estados Unidos nos aportaron "Modern Day Zero", y ayer martes nos dejamos enamorar por la sonrisa y la técnica vocal de la coruñesa "Verónica Ferreiro". Hoy vamos a cruzar el Canal de La Mancha para llegar hasta el Reino Unido, en donde vamos a encontrarnos con nuestros protagonistas de hoy, que le aportarán a éste miércoles, la pincelada necesaria de independencia sonora, de calidad, de calidez, de buen rock, y de apasionada pasionalidad...

Hoy quiero presentaros a: "FYREFLY".

Alucinante quinteto que nos llega desde Biggleswade (Bedforshire, Reino Unido), que llena nuestros oídos con un soberbio sonido a rock acústico y casi ambiental. A través de unas melodías maravillosa y sugerentemente cautivadoras, letras provocativas, y una producción realmente "cruda", que persigue deliberadamente engrandecer las composiciones, y no ocultarlas tras montones de arreglos superfluos e innecesarios. Ni más, ni menos...

Miche Follano (voz); Andy "blue" Weller (guitarra y coros); Matt Geoghegan (bajo); Jimi McCafferty (batería y percusión); y Miss Frax (percusión y coros); nos proponen un elaborado trabajo musical, en el que la calidad prima sobre cualquier otro tipo de consideración. Ofreciéndonos un seductor pop-rock-indie-folk, que atesora en cada una de sus notas, todas las sensaciones sonoras que una buena banda de rock independiente debe ser capaz de transmitir.

Creados originalmente como un proyecto de estudio, fue tal el éxito de críticas y público cosechados con su álbum debut ("Boho sheep" -2007), que "Fyrefly" han llegado a convertirse en un buen referente del "indie-rock" anglosajón, y ello les llevó a abandonar su idea primigenia de ser tan sólo una banda de estudio de grabación, para dar el salto definitivo a los escenarios. No en vano, hoy por hoy, su amplia legión de seguidores se disemina no sólo en las islas británicas, ya que numerosos son también sus fans en Estados Unidos, o Australia; debido, indudablemente, a su grandiosa y tórrida puesta en escena, que es capaz de captar la atención hasta del espectador más escéptico.

Ganadores de tres merecidos premios en los "KIAC Music Awards 2008": "Mejor banda", "Mejor canción pop" ("Prime dream"), y "Mejor canción de rock alternativo" ("Stain"). Hay críticas especializadas que los comparan con los "Led Zeppelin" del "Led Zeppelin III" (¡Oh, Dios mío!); pero también con Patti Smith, con "David Bowie", con "Small faces", con "Garbage", o con "Portishead". Así pues, no seré yo desde mi ignorancia, el que intente inventarse más odiosas comparaciones, que acertadas o no, tan sólo conseguirían enmascarar la realidad palpable y esplendorosa de ésta sensacional banda.

"The jouney of the fool: chapter 1", es el título del nuevo disco que se nos anuncia para otoño de 2009, y en el que volveremos a encontrarnos con ese sonido maduro y vibrante que, con absoluta solvencia, marca el inconmensurable estilo de "Fyrefly". Pero para hoy quiero retrotraerme a su disco debut de 2007, en el que encontramos la canción que hoy quiero compartir con todos vosotros en general, y contigo en particular...

Una excitante y preciosa canción de amor, que no precisa rodearse de exageradas "decoraciones" para subyugar el oído. Tan sólo unas amplias y sonoras guitarras acústicas. Una voz trémula y sin egocentrismos. Unos flamígeros coros que te envuelven con un halo de burbujeante misterio. Una sección de instrumentos de cuerda para armonizar la pieza con exquisito delirio. Una "simple" batería tocada con escobillas. Y miles de sentimientos que flotan sobre un ambiente emotivo, visceral, azulado, y melancólico. Toneladas de sensaciones... Una auténtica delicia sonora para acompañar el otoño que ha de llegar...

Espero que os guste: "FYREFLY - YOU".

Para más info sobre Fyrefly: http://www.fyreflymusic.com.uk

HASTA MAÑANA!!