BRIANNA SAGE

Hola a todos!

¡Hoy llego tarde, tardísimo! Y es que tras una jornada laboral que ayer me ocupó doce horas del día, y que me obligó a trabajar desde las cinco de la tarde hasta las cuatro de la madrugada, no voy a engañaros, mi cuerpo estaba tan cansado, que al llegar a casa ésta mañana me metí en la cama, y he necesitado todo un regimiento de infantería para poder abrir los ojos. Ésto de trabajar de noche va a acabar conmigo, cada día lo llevo peor, y mis biorrítmos andan ciertamente descompensados. Pero eso es sólo problema mío... Así que centrémonos en la siempre gratificante música, a ver si así supero mi estado "dominguero-vegetativo"...

Hoy quiero presentaros a: "BRIANNA SAGE".

24 espléndidas primaveras contemplan el inicio en la carrera musical de ésta bella cantante, guitarrista, y compositora norteamericana, de inquietantes y profundos ojos azules, que nacida en Texas, crecida en Hawaii, y actualmente residente en Brooklyn (Nueva York), llegó hasta nosotros en 2006 con su álbum debut, "In my hands", en el que nos muestra un magnífico proyecto folk-rock/acústico, cargado con 12 canciones repletas de melodías contagiosas, y de una sensibilidad extremadamente lírica y madura.

El talento que rebosan las composiciones de Brianna no se le escapa a nadie que posea capacidad para percibirlo, y en 2001 (con tan sólo 17 años de edad) fue descubierto por Miles Copeland (Manager de "The Police"), que automáticamente la tomó bajo su batuta, para concederle la primera gran oportunidad de su vida.

Copeland organizó en aquella época una especie de "retiro espiritual" en su castillo francés de Chateau Marouatte, y en el que a través de una especie de "clinic musical", reunió a veinticuatro compositores (entre ellos Brianna) para realizar una experiencia al más puro estilo "brainstorming"; aunque sin pretensiones comerciales, y desde un punto de vista mucho más creativo e idealista, que pragmático. Resultó una experiencia increíble para nuestra protagonista de hoy, que tuvo la oportunidad de escribir canciones junto a gente como Carole King, Mark Hudson (Aerosmith), Hanson, o Gary Burr (Faith Hill), lo que marcó definitivamente el inicio de su carrera en solitario.

En la actualidad Brianna Sage se encuentra preparando el material que se incluirá en su segundo disco, y cuya inminente llegada se anuncia para el año 2009. Así que habrá que estar atento a las nuevas noticias que surjan sobre sus nuevas canciones. Pero de momento vamos a quedarnos con una de las mejores piezas que podemos encontrar en su álbum ya publicado, y que con el título de "Warm with you", nos ofrece una inmejorable carta de presentación.

Entre las 12 fantásticas canciones que contiene "In my hands" he destacado ésta que hoy os traigo, pero todas y cada una de ellas podrían acompañar con su magia éste editorial. Os recomiendo escuchar también, "Ana" (una balada muy "especial", enérgica, y personal).

"Warm with you". Para un domingo tranquilo una canción tranquila, pero ciertamente temperamental, en la que se dan cita una muy agradable tesitura vocal, una elegante capacidad interpretativa, y una atmósfera nada recargada, que consiguen construir una canción muy difícil de encasillar en éste o aquél estilo; pero que nos deja bien claro el aquilatado talento de ésta joven y preciosa mujer, y nos avanza la posibilidad real de augurarle un exitoso futuro.

Espero que os guste: "BRIANNA SAGE - WARM WITH YOU".

Para más info sobre Brianna Sage: http://www.briannasage.com

HASTA MAÑANA!!

TIGER LILLY

Hola a todos!

Últimamente no he realizado ningún comentario sobre la afluencia de visitantes al blog, pero la verdad es que ya hace un par de días que superamos las 4.000 visitas, y eso es algo que me satisface mucho, ya que me ayuda a comprobar que aun existe un núcleo de gente por el mundo, a la que le interesan otras músicas distintas a las que los "profesionales" pretenden vendernos, (ya sea "por lo civil, o por lo criminal"...) España, Estados Unidos, México, Australia, Canadá, Rusia, Emiratos Árabes, Cuba, Alemania, Eslovenia, Nueva Zelanda... Llegan lectores desde todas las partes del planeta, y eso colabora con mi motivación. Para el 26 de julio se cumplirán 6 meses de "La música que no sonó en los 40 principales", y para esa fecha espero contar ya con cerca de 6.000 visitas. Seguimos adelante...

Hoy quiero presentaros a: "TIGER LILLY".

No confundir a nuestra artista de hoy, "TIGER LILLY", con "TIGER LILY", que fue una banda de "glam-rock" formada en Londres en 1973, y que desapareció en 1975 para pasar a llamarse "Ultravox". Salvo el similar nombre artístico (que en el caso de nuestra musa de hoy gana una "l" en su apellido) no existe ningún vínculo entre los unos y la otra...

"Tiger Lilly" (con doble "l"), es el nombre artístico elegido por la cantante y compositora británica de ascendentes persas, Danielle Mubarack, quien desde Slough (Reino Unido) nos presenta un trabajo muy alternativo y personal, en el que el que el pop, el rock, y la calidez acústica, se dan cita para arroparnos con canciones comerciales pero nada previsibles. De echo la crítica musical inglesa define su sonido como: "...pop-rock acústico aderezado con unas gotas de limón...".

"Tiger Lilly" nos presenta en 2009 su álbum debut en formato EP (Love and lies), en el que podemos encontrar tres canciones que nos sirven para encontrar una peculiar producción, una sencilla y sensual voz, y un magnífico avance de lo que será su primer disco de larga duración, "Queen of broken hearts", que actualmente se encuentra en proceso de producción.

"Chasing ghosts" es el título de la canción que hoy os propongo. Una canción muy orgánica y vital, en la que guitarra acústica y voces marcan el perfecto desarrollo de la pieza, y que será extraída como sencillo de presentación de su próximo disco. Una composición que se "rompe" en determinados pasajes de la interpretación, para conseguir darle a la producción ese toque "diferente" y "cítrico", que consigue aderezar con un estilo propio y muy británico, esa previsibilidad que se le supone al pop comercial. Quizá (en mi modesta opinión) a "Chasing ghosts" tan sólo le hagan falta un par de retoques en la resolución del tema, y tendremos entre manos una canción "redonda"...

Espero que os guste: "TIGER LILLY - CHASING GHOSTS.

Para más info sobre Tiger Lilly: http://www.tigerlillymusic.co.uk

HASTA MAÑANA!!

P.D.: Desde hoy el blog participa en el "Concurso Anual de Blogs" que en España organiza el periódico "20 minutos", optando a premio en las categorías de "Mejor blog de música 2009", y "Mejor diseño de blog 2009". Espero poder contar con vuestro apoyo en las votaciones, a través del botón que he situado en el margen derecho de la página, justo debajo de mi fotografía.

Gracias a todos!

MILES COPE

Hola a todos!

Hoy nuestro editorial va a resultar muy corto, entre otras cosas, por que la pieza musical que os traigo creo que hablará por si sola, y porque la información biográfica que he podido recopilar sobre su interprete resulta escasa, lo que sabéis que me gusta, ya que tiñe con cierto aire de misterio a éstos fantásticos artistas.

Hoy quiero presentaros a: "MILES COPE".

Y es que ayer cayeron en mis manos un par de discos excepcionales de éste fantástico músico norteamericano, y tras escucharlos no me he podido resistir a hacerme eco de ello en el post diario.

La información de la que dispongo sobre el señor Cope es mínima. Tan sólo puedo deciros que su dilatada carrera musical abarca más de treinta años, y que desde Stockton (California), llega hasta mis oídos, y ahora a los vuestros, con dos magníficos proyectos, que a buen seguro harán las delicias de los buenos aficionados a las músicas menos comerciales y previsibles.

Cantante profundo, inspirado compositor, y genial instrumentista. Miles Cope desarrolla su trabajo liderando dos de las bandas más interesantes del panorama jazzístico californiano, consiguiendo con ello, que el interés se multiplique hasta cotas insospechadas, al ofrecernos un trabajo ciertamente distinto con cada una de ellas.

Por un lado nos encontramos con "Blue Miles Band". Un sensacional sexteto que liderado a la voz por Cope, y con Jim Damiano (guitarra); Alex delgado (bajo); Mike Lothrop (armónica); Steve Mason (teclados); y Mike Stewart (batería); nos ofrecen una fantástica y personal recreación del blues más temperamental. A través de la cual nos presentan una indispensable colección de canciones propias y versiones "alucinantes", que con un tono "cervecero" e intimista, nos muestra ese "cerrado" estilo del blues más clásico. "Lucky fool", publicado en 2008, es un maravilloso disco en el que encontrarnos, reencontrarnos, o simplemente descubrir, algunas pequeñas joyas del género. Destacando entre las 11 maravillas contenidas en el disco, el séptimo corte "The wind cries Mary", que resulta un fabuloso y personal homenaje a Jimmy Hendrix.

En el segundo proyecto, "The Miles Cope Quartet". Nos encontramos de nuevo a Cope liderando la banda con su impresionante voz, y ésta vez Joe Gilman (piano); Steve Homan (guitarra); Fred Randolph (bajo); y Jeff Redlausk (batería), nos zarandean con una colección de composiciones de todo tipo y condición, en la que siempre en clave de jazz, son capaces de revisar temas de "The Beatles", o del mismísimo Duke Ellington, con una sensualidad, elegancia, y virtuosismo, al alcance de muy pocos. "Can't buy me love" es el disco publicado por la formación en 2004, y que ya desde su título nos deja clara sus intenciones de "voltear" hacia el jazz algunos clásico intemporales como los de Lennon y McCartney.

Y precisamente a ese disco pertenece éste "Lucky so & so" que hoy quiero compartir con vosotros. Una íntima, "opaca", y brillante composición salida del genio creativo de Duke Ellington allá por 1945, y que revisitada por el talento de Cope, llega a erizar nuestro vello con su atmósfera ciertamente de bar oscuro, ceniceros humeantes, y mucho bourbon.

Espero que os guste: "MILES COPE - LUCKY SO & SO".

Para más info sobre Miles Cope: http://www.myspace.com/bluemilesband

HASTA MAÑANA!!

SHERYL CROW

Hola a todos!

Después de haber estado trabajando hasta las 6 de la mañana, y recién levantado con la gratificante noticia de la recuperación de mi espía favorita, hoy es uno de esos días en los que nada más saltar de la cama, el ambiente de la habitación parece pedirte a gritos una banda sonora concreta. Y para ello no sirve cualquier canción. Hay días que tienen su propio carácter, y precisan su propia y apropiada melodía...

Hoy os traigo a: "Sheryl Crow".

Y es que la necesidad de escuchar esa canción adecuada, enérgica, y que pueda resultar perfecta para el día de hoy, me hace transgredir en cierta medida las normas de disciplina auto-impuestas para el blog, y tanto canción, como intérprete, resultan sobradamente conocidas por todos, habiendo sido en su momento emitidas hasta la saciedad por las "radio-fórmulas" de nuestro país. Pero hoy lejos de una necesidad de descubrimiento, me invade una necesidad de compartir, en la que más que mostraros algo que pueda resultar nuevo y desconocido para vosotros, me apetece recordar algo que no por conocido, deje de resultar muy especial. Y es que Sheryl Crow posee ese "algo" singular, que llama poderosamente la atención desde su primer, hasta su último trabajo...

Nacida un 11 de febrero de 1962, con el nombre de Sheryl Suzanne Crow, en Kenett (Missouri, U.S.A). Shery crow comenzó su andadura musical tocando el piano con tan sólo 6 años de edad, y en la actualidad puede ser considerada como una de las artistas con más talento del panorama internacional.

Cantante, pianista, compositora, y guitarrista, sus primeros devaneos con el escenario se produjeron en su etapa de instituto, en la que los fines de semana tocaba con un grupo llamado "Cashmere". Crow es licenciada en "Educación musical" por la Universidad de Columbia, y trabajó como profesora de música en una escuela primaria de San Luis, hasta que en 1986 decide trasladar su residencia a Los Angeles.

Comenzó grabando "jingles" de publicidad y como cantante de sesión, hasta que en 1987-88, Michael Jackson le abrió las puertas del estrellato, al contratarla para formar parte del coro en su gira mundial "Bad". Después de eso también ha formado parte del coro de artistas con tanto renombre como: "Sting", "Rod Stewart", o "Don Henley". Inmejorable currículum...

Pero su carrera en solitario arranca en 1991, fecha en la que grabó su primer disco para el sello discográfico "A&M". Un disco que ella misma desechó, archivó, y renunció a lanzar, ya que según sus propias palabras: "sonaba demasiado "sucio".

Sería ya en 1993 cuando lanzase su impresionante y multi-platino álbum debut, "Tuesday night music club", en el que se incluiría como sencillo de presentación su mayor éxito comercial hasta la fecha, "All I wanna do".

3 premios "Grammy" conseguidos en 1995, 2 en 1996, y 1 en 2000, terminan por avalar una inquieta y progresiva carrera, que continuó en 1996 con un disco de título homónimo, en 1998 con "The Globe sessions", y desde entonces cinco imprescindibles discos más (el último "Home for Christmas en 2008), que jalonan su vida musical con grandes canciones, y que a buen seguro nos anticipan lo que aun habrá de venir, en forma de trabajos elegantes y "guitarreros".

Precisamente de ese fabuloso "The Globe sessions" grabado en 1998, es la canción que hoy va a decorar nuestro día, y que habiendo logrado para Crow un "Grammy" como mejor interprete de rock, nos ofrece toda la sutileza, toda la energía, y todo el "savoir faire" de ésta emocionante chica de Missouri.

No necesita presentación. Impresionante "cover" de la celebérrima canción que ya "Guns & Roses" convirtieran en un himno, en la que bajo la visión de Sheryl Crow perdemos el mítico "riff" de guitarra que para la posteridad nos regalase "Slash"; pero en el que ganamos toda la potencia vocal, la expresividad sonora, y ese cierto toque "country", que Crow le imprime a todos y cada uno de sus fantásticos trabajos.

Espero que os guste: "SHERYL CROW - SWEET CHILD O'MINE".

Para más info sobre Sheryl Crow: http://www.sherylcrow.com

HASTA MAÑANA!!

SEXTO SOL

Hola a todos!

Después del mágico y preciosista viaje que ayer nos permitimos por tierras gallegas en España, hoy retomamos nuestro incansable afán de ultramar, y volveremos a saltar sobre el Océano Atlántico, para visitar una vez más los Estados Unidos de América, en donde esa fuente inagotable de talentos sigue haciendo girar su maquinaria, y sigue proporcionándome buen material que compartir con vosotros desde éstas líneas.

Hoy quiero presentaros a: "SEXTO SOL".

Sí, así es: "Sexto Sol". Y no es que haya pretendido traducir a nuestro idioma el nombre de la banda. En la musicalmente activa San Antonio (Texas), nos encontramos a éste fantástico quinteto, que con claras referencias hispanas en particular, y latinas en general, nos ofrece un muy refrescante proyecto basado en el más cálido e innovador soul latino.

Con un nombre que proviene de la terminología Azteca, y que refiere la historia de su creación, evolución, y mitología. Sam Vilella (teclados y voz); Eddie Hernández (guitarra); Greg Goodman (bajo); James Moody (percusión); y Juan Ramos (batería); consiguen fusionar de forma magnífica y elegante todo un repertorio de elementos "latin-rock", "punk", "pop", "alternativa", "heavy-rock", "rythm & blues", "salsa", "jazz", "cha-cha-cha"... para conseguir cautivarnos con un estilo muy personal de concebir música, al que ellos mismos denominan como: "música de sanación y meditación".

Un fantástico grupo, que resulta muy valorado tanto en su ciudad, como en todo el estado, y que si bien a nivel nacional quizá no goza de las mismas oportunidades de mostrar todo su talento, ya cuenta con dos imprescindibles discos en su discografía. "Sexto Sol", publicado en 2003, y "Let there be fire", en 2006, son sendas colecciones de canciones agradables, personales, rítmicas, fluidas, y extremadamente melódicas, en las que se dan cita lo étnico y lo urbano. Abrazando sonidos típicamente fronterizos, en los que que Quincy Jones, Stevie Wonder, James Brown, Carlos Santana, Tito Puente, o el mismísimo Michael Jackson, podrían haber firmado sin problemas.

Y es que la pureza quizá sólo sea deseable en los diamantes, en los caballos, y en los recién nacidos, ya que cada día con más destreza, aparecen benditos "locos" como "Sexto Sol", que sin destruir el origen, ni "prostituir" el destino de su sonido, consiguen enriquecer el uno y el otro, hasta hacerlo aparecer ante nuestros oídos como un nuevo y fascinante horizonte.

"You know I love you" es el título de la canción que hoy quiero proponeros, y que extraída de su disco "Let there be fire", nos muestra toda una impresionante amalgama de estilos y personalidades. Podremos encontrar guitarras funky, pianos al más puro estilo Stevie Wonder, una base rítmica sólida, sin estridencias, pero también sin alti-bajos; que capitaneada por una ágil y enriquecedora percusión latina, dan forma a la atmósfera perfecta en la que las voces nos cuentan y nos cantan la historia, con elegancia, sofisticación, finura, y sin ridículos "juegos malabares".

Espero que os guste: "SEXTO SOL - YOU KNOW I LOVE YOU"

Para más info sobre Sexto Sol: http://www.myspace.com/sextosol

HASTA MAÑANA!!

LUAR NA LUBRE

Hola a todos!

Hoy voy a salirme completamente de cualquier registro anterior, para acercar hasta vosotros algo que sorprenderá a más de uno, dejará indiferente a otros cuantos, y seguramente encantará a todos los demás. Y es que quizá en éste amanecer con cierto aire pamplonica me he dejado atrapar por una ligera "morriña", y hoy 7 de julio vamos a viajar hasta mi apreciada Galicia, en donde nos encontraremos con uno de esos grupos emblemáticos, que por méritos propios resulta ser abanderado de toda una sociedad, y de su cultura.

Hoy quiero presentaros a: "LUAR NA LUBRE".

Conocí a "Luar na lubre" allá por 1997, cuando en mi época de "ejecutivo agresivo", vivía y trabajaba en Galicia. Fue todo un descubrimiento para mi espíritu musical, en el que de repente se abrió un hueco enorme por donde empezaron a entrar sonidos y texturas, que jamás se me habrían pasado por la imaginación. Y es que buena parte de esos prejuicios que todos tenemos, y que a mi me mantenían atado a estilos musicales muy concretos, volaron en mil pedazos cuando alguien me hizo escuchar una pieza tradicional gallega, que adaptada por éste fantástico grupo, se convirtió en una de las bandas sonoras oficiales de mi vida por aquellas mágicas y hermosas tierras.

Formados en 1986, "Luar na lubre" basan fundamentalmente su proyecto en músicas de pura raíz gallega, y en el amplio conocimiento del cancionero popular inherente a la tierra, lo que siempre les ha otorgado una gran experiencia a la hora de encarar tanto sus adaptaciones, como sus propias composiciones.

Llamalo "folk", llamalo "música tradicional", o quizá te apetezca llamarlo "música celta". El caso es que nos encontramos ante un grupo que no deja indiferente a nadie, y buena prueba de ello son su 11 discos publicados hasta la fecha (el primero, "O son do ar", en 1988; y el último, "Ao vivo", en 2009) Cabe destacar "Plenilunio" en 1997, y "Cabo do mundo" en 1999, que alcanzaron disco de oro en ventas. Insospechado éxito para un grupo de folk de nuestro país, aunque por más insospechado, no menos merecido, ya que todos sus discos son sensacionales; pero precisamente esos dos que fueran premiados, rozan el adjetivo de obras maestras. Os recomiendo el tema "Chove en Santiago", que incluido en el disco "Cabo do mundo", ponía música al único poema escrito en gallego por Federico García Lorca

En el año 1992 conocieron al músico británico Mike Oldfield (para el cual ofrecieron un concierto privado en una conocida sala coruñesa). De ese improvisado concierto salió una amistad que aún perdura, y que se tradujo en una relación que llevó a Mike Oldfield a hacer una versión de "O son do ar", uno de los temas más emblemáticos de la banda. Oldfield lo incluyó como tema 1 en su trabajo "Voyager" (1996). Esto fue determinante en la carrera de "Luar Na Lubre", siendo un gran impulso a su propuesta, que se reforzó cuando el propio Olfield les invito en el año 1999 a realizar la gira "Then & Now" por diferentes ciudades del estado.

Sara LouraÇo Vidal (voz); Xulio Varela (bouzouki, voz y percusión); Vieito Romero (gaitas, acordeón, y zamfoña); Eduardo Coma (violín); Patxi Bermúdez (bodhran, tambor, y djimbek); Pedro Valero (guitarra acústica); Xavier Ferreiro (percusión latina y efectos); y Xan Cerqueiro (flautas); nos brindan un magnífico y elaborado trabajo que sobre el escenario es donde alcanza su máxima expresión, consiguiendo que los asistentes a sus conciertos vibren al son de toda la magia acaparada por su "artesanal" y fabulosa puesta en escena. Yo tuve la oportunidad de verlos un par de veces en 1999 (una en solitario, y otra acompañando a Oldfield) y os aseguro que acabé bailando muñeiras como un loco... ¡Impresionantes!

Personalmente, por gusto propio, actualmente echo quizá en falta la voz y el violonchelo de la impresionante Rosa Cedrón (que abandonó el grupo en 2004 para continuar con su carrera en solitario); pero os aseguro que la preciosa lisboeta Sara Vidal, pronto nos hará olvidar a su antecesora, y será capaz de meternos bajo su "faltriqueira", con toda la dulzura de sus entonaciones, y con su voz cristalína y límpia como agua de mar...

Espero que os guste: "LUAR NA LUBRE - HAI QUEN DI".

Para más info sobre Luar na lubre: http://www.luarnalubre.com

HASTA MAÑANA!!

DENI WITH CARLO LETIZIA

Hola a todos!

Hoy quiero comenzar mi editorial con una pequeña dedicatoria. Y es que mi querida y gran espía Myriam (a la que ya he mencionado en otros artículos anteriores) va a ser sometida hoy lunes por la tarde a una intervención quirúrjica, que si bien en principio no ofrece ninguna complicación, y a buen seguro mejorará su salud general, en cierta medida siempre preocupa un poco eso del quirófano, la anestesia, y la dosis de incertidumbre que nos ocupará hasta que podamos volver a verla con su sonrisa brillando a nuestro alrededor. Es por ello que nuestro grupo de hoy, el editorial, y la canción que en él analizaremos, van dedicados a ti, brindando por una pronta recuperación, para que pronto puedas volver a pulular cerca de nosotros, iluminando esas zonas oscuras...

Hoy quiero presentaros a: "DENI WITH CARLO LETIZIA".

Y es que hoy, con la excusa de la dedicatoria a Myriam, pasó por mi cabeza la posibilidad de traer hasta el blog a "The Pixies", y su canción "Here's your man", con la cual siempre consigo que se anime al baile frenético, con esos "saltitos" tan graciosos y contagiosos en los que suele perderse en cuanto suena la mencionada canción; pero de repente pensé que quizá sería mejor dedicatoria, seguir con la dinámica habitual, y no perder la línea de traer un buen grupo de esos desconocidos... Y en eso estamos.

Como su propio nombre indica, "Deni with Carlo Letizia", son el dúo formado por la cantante y compositora inglesa Denise Haworth, y el guitarrista y compositor norteamericano Carlo Letizia. Ella de Northwest, él de Nueva York. Él estilístico y elegante, ella belleza y sensibilidad ¿Qué puede ocurrir cuando dos almas gemelas de dos puntos distintos del planeta, coinciden en un mismo proyecto? Pues seguramente puede ocurrir en gran parte lo que hoy tenemos entre manos...

Un dúo con un sonido pausado, elegante, y buscando la "sencillez" en sus melodías, que nos permite comprobar que estamos ante un trabajo sensible, visceral, maduro, y que ciertamente se me antoja intemporal, en el que cada parte del conjunto brilla sin excentricidades en su parcela asignada, consiguiendo así una increíble compenetración, una magnifica sonoridad, y unos matices extremadamente orgánicos y bellos.

Gran parte del sonido del dúo es responsabilidad de los fantásticos músicos que colaboran con Denise y Carlo, en los que podemos encontrar a Jonathan Sanborn (hijo del legendario saxofonista de jazz David Sanborn) tocando el bajo, y en la batería a Jonathan Mover (músico de sesión que ha trabajado entre otros con: Joe Satriani, Marillion, Mick Jagger, Shakira, o la mismísima Aretha Franklin). ¿Buenas canciones, en manos de buenos músicos...? Es un buen camino por recorrer.

"A priori" resulta difícil catalogar el estilo de la banda. Aunque quizá lo más evidente resulta ser un pop-alternativo y quizá algo "hippie", en el que las atmósferas no se sobrecargan con decenas de arreglos superfluos, permitiéndonos con esa "simplicidad", disfrutar de un escenario perfecto en el que la agradable y flamígera voz de Denise inunda cada recoveco de la grabación, manejando los "tempos", el "timing", y las respiraciones, al estilo más profundo de algunas canciones de "The Carpenters", y quizá con la frescura de las primeras grabaciones de "Prefab Sprout". No sé si ésta comparación resultará acertada para ellos, o para vosotros, pero yo encuentro en sus canciones el lirismo vocal de "Karen Carpenter", y la capacidad creativa y arreglista de la banda que los hermanos McCallum creasen en Durham allá por los '70.

Denise y Carlo se encuentran actualmente preparando lo que nos anuncian será su disco debut, "There and back", del que no he sido capaz de encontrar ninguna referencia definitiva, a pesar de estar anunciada su aparición para las navidades de 2008. Supongo que habrá que estar atentos a su web para conocer los datos definitivos. De momento un buen puñado de esas canciones ya están disponibles en su página y en "last.fm". Y hoy vamos a quedarnos con el sencillo que da título al disco, en el que espero podáis encontrar esas mismas inmensas cualidades sonoras e interpretativas, que yo he sido capaz de apreciar en ésta "singular" canción.

Espero que os guste: "DENI WITH CARLO LETIZIA - THERE AND BACK".

Para más info sobre Deni With Carlo Letizia: http://www.myspace.com/denibidoo

HASTA MAÑANA!!

P.D.: Un gran beso para Myriam, y desde lo más profundo de mi corazón, te deseo una rápida y fructifera recuperación.

DOBLESENTIDO

Hola a todos!

Para cerrar ésta primera semana del mes de julio estamos de enhorabuena, y vamos a encontrarnos con el que espero sea tan sólo el primer grupo español, que analizaremos en "La música que no sonó en los 40 principales" durante éste caluroso mes. Independientemente de propias "perezas" y "dificultades" para encontrar conjuntos patrios que llevarse a los oídos, siempre me resulta muy agradable encontrarme con proyectos que consigan, en mi modesta opinión, alzar su voz sobre el inmenso piélago de mediocridad por el que desgraciadamente transita nuestro país. Y no me refiero solamente al terreno musical...

Hoy quiero presentaros a: "DOBLESENTIDO".

Hasta Valencia nos hemos ido para encontrarnos con: Gonzalo Amorós (guitarra acústica y voz); Mario Escuder (voz y pequeña percusión); José M. Torrelo (guitarra); Juan Carlos Ortéga (bajo); Manolo Colas (teclados); y Jaume Amigó (batería). Un grupo nacido en la ciudad del Turia allá por 2007, reunión de seis magníficos músicos provinientes de diversas bandas del "super-poblado" circuito valenciano, y que en noviembre de 2008 grabaron lo que hasta el día de hoy es su primera grabación en formato "CD-Demo".

"Doblesentido" nos proponen un buen pop-rock, fresco, desenfadado, "adulto", y cantado en castellano, en el que a través del estilo de sus composiciones, y de la voz principal de Gonzalo, quizá se hace inevitable recordar al Carlos Goñi de "Revolver". Y eso "a priori" no resulta ni bueno ni malo, ni todo lo contrario. A mi personalmente me gusta "Revolver", me gustan "Doblesentido", y me encanta ese formato "rythm and blues-pop", con textos cuidados al extremo cantautor. Éstos parecidos de los que os hablo se hacen mucho más palpables en "Sueño" (la otra canción que he podido escuchar de ellos) e insisto en que no me parece mal el más que razonable parecido de éstos con aquél (todo queda en Valencia); pero la experiencia me ha demostrado con el tiempo, que cuanto más se parece tu sonido al de alguna banda ya existente en el mercado, más fácil resulta para el "tuerce-botas" de turno, aparecer para decirte solemnemente que no les interesa tu música, por que ya está inventada. Pero eso es otra historia...

Parecidos al margen. "Doblesentido" demuestran tener un buen material entre las manos, en el que encontramos canciones bonitas, bien trabajadas, fáciles de escuchar, y en las que las voces juegan un papel principal, consiguiendo con ello centrar nuestra atención sobre las historias que nos quieren contar (cosa que, dicho sea de paso, se agradece).

Capítulo aparte merece la instrumentación elegida para cada tema, en la que encontramos una elegante "sencillez" que consigue no sobrecargar las canciones con egocéntricos y absurdos arreglos "florales", y con la que consiguen transmitirnos su música de forma directa, y compacta. Una base rítmica sólida. Guitarras con la saturación justa. Piano y Hammond ofreciendo ese contrapunto de calidez, calidad, y elegancia. Tambourine, y triangulo dejando pinceladas por aquí y por allá. Y voces, muchas voces. Bien tintadas, afinadas, y en buena tesitura, sin amaneramientos, ni exageraciones...

Creo que estamos ante un trabajo ciertamente excepcional para el "pop-español", del que sólo espero que no caiga en manos de ese "tuerce-botas" antes mencionado, y que tengamos la oportunidad de conocer ese brillante futuro que ya hoy, sin conocerlos más, se les adivina desde la distancia. A seguir trabajando, felicidades y, "mucha mierda..."

Espero que os guste: "DOBLESENTIDO - LA CIUDAD SE HACE MAYOR"

Para más info sobre Doblesentido: http://www.myspace.com/doblesentidovlc

HASTA MAÑANA!!

THE MESCAL SHEIKS

Hola a todos!

Hace un par de años alguien me habló de una buena banda de blues que giraba por Estados Unidos con mucho éxito, y desde allí me envió un par de canciones en mp3, que de verdad llamaron bastante mi atención. Se da la circunstancia que desde 2007 no había vuelto a interesarme por ellos, pero cuando hoy pretendía rescatarlos para traerlos hasta el blog, me he encontrado con la luctuosa noticia del fallecimiento de su cantante, así que el editorial de hoy, casi sin pretenderlo, bien podría resultar un homenaje póstumo.

Hoy quiero presentaros a: "THE MESCAL SHEIKS".

Clabe Hangan (cantante fallecido el 9 de agosto de 2008 a los 74 años de edad); Dean Sterling (guitarra y coros); Rick Solem (teclados y coros); Rick Smith (harmónica y percusión); y Phil Bloch (batería, percusión, y coros); conforman ésta espectacular banda de blues, en la que podemos encontrar un combo muy compacto. "Grasiento" a veces, siempre divertido, inevitablemente enraizado en su cultura autóctona, y algo sentimental.

Con influencias sonoras que llegan directamente desde el delta del Mississippi, Chicago, o Memphis, y tamizados por la ecléctica mezcolanza de los diferentes estilos de Nueva Orleans, "The mescal sheiks" consiguen un soberbio resultado en su trabajo, a través de lo que podríamos denominar "Mardi Gras Blues". Transportando a sus canciones toda la fuerza heredada del rico patrimonio musical norteamericano.

Country, rythm & blues, gospel, blues. La creatividad y versatilidad de la banda se enfatiza y gana enteros a través de su rendición al contenido más espiritual de canciones como "Walking to the river", o "This world is not my home", en las que aparece latente la diversidad de culturas musicales adquiridas por los miembros de la banda a lo largo de sus años sobre los escenarios.

Con un disco ya publicado ("This world is not my home" - 2006) la banda comenzó en 2007 a preparar lo que sería su segundo trabajo, "Second wind", que se vio paralizado por el repentino fallecimiento de Hangan, y que tras tomarse un tiempo sabático para superar tan irreparable perdida, el resto de componentes anuncian para agosto de 2009 (coincidiendo con el primer aniversario de la muerte de su líder, cantante, y amigo). Estaremos atentos a esas nuevas composiciones de "The Mescal Sheiks, que prometen encerrar toda la carga emocional y sensible que se le presupone al buen blues...

Estamos ante un grupo sin "rarezas" de ningún tipo, sin soflamas "comercialoides", y sin elaboradas, rebuscadas, y sofisticadas producciones en el estudio de grabación, que puedan llegar a distraer nuestra atención de lo único que realmente importa. Es sólo buena música, simple y llanamente...

Espero que os guste: "THE MESCAL SHEIKS - HOW LONG".

Para más info sobre The Mescal Sheiks: http://www.mescalsheiks.com

HASTA MAÑANA!!

D.J. SWEENEY

Hola a todos!

Hoy llego hasta vosotros con la alegría de ver a mi padre ya fuera del hospital, y gracias a Dios en perfecto estado de salud. Ésta situación me ha hecho poder relajarme por primera vez en toda una semana, y tras una buena sesión de sueño plácido, y descanso a raudales, puedo volver a afrontar el trabajo en el blog con todas mis capacidades mentales óptimamente recuperadas. Por eso quizá hoy me he dejado seducir por una alegre pieza swing, que chisporrotea en los oídos como muestra de la mejoría en mi estado de ánimo. Gracias a todos los que os habéis interesado en éstos días por la salud de mi padre, y como regalo, ahí vamos...

Hoy quiero presentaros a: "D.J. SWEENEY".

Resulta obligado comenzar diciendo que "D.J. Sweeney" no es un Disck Jockey que se dedique a pinchar discos, y hacer música propia de Dj's. Trás la contracción "D.J." se encuentran las iniciales de Deborah Jane, el nombre real de ésta fantástica cantante norteamericana, a la que le gusta contraer su nombre de pila para presentarnos su trabajo musical.

Deborah Jane "D.J." Sweeney nació en Los Angeles (California) un 30 de julio de 1962, y en su infancia siempre estuvo rodeada de música, ya que en los años '60 tanto su madre, como sus hermana y hermano, viajaban incesantemente por pequeñas poblaciones estadounidenses acompañando a su padre, que en aquella época se dedicaba a actuar en modestos festivales interpretando boogie-woogie, bluegrass y country. Además su madre formaba parte de una compañía de teatro, cantando en aquellos musicales que representaban. Hermana flautista, y hermano pianista, terminan por completar una familia eminentemente musical, de la que no podía salir otra cosa, que el gran talento que Deborah atesora en su trabajos posteriores.

Cuando "D.J." contaba con tan sólo 10 años de edad sus padres se divorciaron, y parte de la familia se trasladó hasta su actual residencia en Kansas City, desde donde nos presenta un excepcional trabajo que podríamos enmarcar en el terreno del jazz, el swing, y el blues.

Como casi todos los artistas interesados en la buen música, Deborah comenzó escuchando toneladas de rock, soul, y rythm & blues, hasta que con 16 años de edad, un compañero de instituto le descubrió los placeres del jazz a través de las genialidades de Billie Holiday, Charlie Parker y Joni Mitchel. Desde entonces soñó poder llegar a frasear como ellos, a cantar como ellos, a interpretar como ellos, y conseguir para si misma ese nutrido repertorio de recursos vocales y jazzísticos que poseían aquellos ídolos de su juventud.

Con un estilo extremadamente elegante, natural, y sin aberrantes exageraciones vocales o instrumentales, D.J. Sweeney nos muestra algunas claras referencias a esos artístas que ella considera como sus favoritos. Aunque interpretando la magnífica "I'm gonna lock my heart and throw away the key", nos dibuja también grandes argumentos al estilo de la esplendorosa y potente Etta James.

Con un repertorio cargado de geniales e intemporales estandares del jazz más clásico, mezclados con piezas originales, Deborah sabe rodearse de bellas y profundas baladas como, "What are you doing the rest of your life". De elegantes y sentidos blues como en, "I only want some". E imprime ese frenético ritmo del swing en composiciones como el "You'd be so nice to come home to" que hoy os traigo. Todo sin estridencias narcisístas, sin absurdos sobresaltos, y con la refrescante sobriedad que ofrece la interpretación más sensible y purísta.

Con dos discos publicados en el mercado norteamericano: ("D.j. Sweeney" - 2006) y ("Are you the one?" - 2008) Deborah Jane nos regala una intensa colección de 20 canciones, en las que encontraremos todas las influencias ya descritas en éste editorial (la primera la de su propio padre) y que resulta un buen compendio armónico, melódico, e instrumentísta, para todos aquellos que pretendan iniciarse en el magico mundo del jazz, y que no quieran asustarse a las primeras de cambio con ciertas "excentricidades" propias del género. Ni mucho ni poco, ni más ni menos, ni todo lo contrario. Todo en su lugar correcto e idóneo, y siempre acompañada por un gran cuarteto de guitarra, contrabajo, piano, y batería, (formado por algunos de los mejores músicos de Kansas), que nos asegurará horas y horas de delicias sonoras.

Espero que os guste: "D.J. SWEENEY - YOU'D BE SO NICE TO COME HOME TO"

Para más info de D.J. Sweeney: http://www.djsweeney.us

HASTA MAÑANA!!

XTC

Hola a todos!

En ciertas ocasiones uno tiene la sensación de que existen determinados grupos musicales que han convivido permanentemente a tu lado, pero a los que quizá no se le ha prestado la debida atención. ¿Os ha pasado alguna vez? Cuántas canciones y sus correspondientes autores han sonado en la banda sonora original de nuestras vidas, y ni tan siquiera sabíamos quién se ocultaba tras aquellas melodías. Hasta que un día, por casualidad vuelves a encontrarte con ellos, y removiendo material compruebas que no son nuevos, y que prácticamente todo cuanto reza en su biografía, no te es completamente desconocido. Hoy os traigo a una de esas bandas...

Quiero presentaros a: "XTC".

Quinteto formado en torno a las composiciones de Andy Partridge y Colin Moulding, que nos llegaba desde Swindon (Inglaterra) allá por 1975, aunque ambos músicos ya venían tocando juntos desde 1972, inducidos por el movimiento punk de finales de los '60.

Aunque nunca fueron una formación de fama multitudinaria, "XTC" han recorrido una más que interesante trayectoria de 30 años, que en 2005 culminó con la desaparición definitiva de la banda, y que ha sabido dejar su huella en artistas actuales como "Blur".

Capaces como ningún otro artista, de comprimir un gran éxito de calidad en apenas 3 ó 4 minutos de duración, Partridge y Moulding siempre se definieron por un característico e impecable sonido de ritmos sincopados, melodías inesperadas, estribillos pegadizos, letras tan personales como sarcásticas, y un pop que nada tenía que ver con sus ancestros de la década de los '60.

En 1977 firman contrato con "Virgin Records", y su primera grabación EP ("3D"), pasa por el mercado sin pena ni gloria. Será en 1978 con el sencillo "This is pop" (extraído de su segundo disco "White music"), el que comienza a suscitar algo de atención en su trabajo por parte de las emisoras británicas, y abre las puertas a lo que más tarde llegaría.

"Go 2", también en 1978, sigue la misma senda continuista que su anterior disco, y por fin, "Drums and wires" (1979), consigue catapultar el éxito de la banda, gracias a canciones tan "redondas" como aquél "Making plans for Nigel" que les situó por vez primera en el "Top 10".

"The black sea" (1980), y "English settlement" (1982), no hacen más que confirmar el éxito mundial de "XTC", que a pesar de todos los logros alcanzados, en ese mismo 1982 tuvieron que cancelar su gira por el Reino Unido y E.E.U.U a causa de una crisis de pánico escénico sufrida por Partridge, y que de no ser por el contrato que les vinculaba a "Virgin Records" para sus seis siguientes discos, les habría llevado a la ruina... Desde entonces jamás volvieron a actuar en directo, aunque sí grabaron cinco álbumes más, hasta su separación en 1998.

Tras multitud de discrepancias con "Virgin Records", Partridge y Moulding deciden en 1999 crear su propio sello discográfico ("Idea Records"), para poder continuar así con sus trabajos de grabación. Lo que se traduce en dos discos más: "Apple Venus Volume 1", y "Apple Venus Volume 2", (que publicados en 1999 y 2000 respectivamente), sirvieron como recopilación de todos los trabajos anteriores del grupo, como escaparate para sus nuevas canciones en dúo, y también significaron su punto y final.

Como podréis comprobar por el post kilométrico de hoy. Muchos son los ratos (que sin saberlo) hemos pasado escuchando a "XTC", muchas son las cosas injustamente olvidadas sobre ellos, y también muchas son las ganas de recordarlos. Aunque en ésta ocasión me decanto por una de sus últimas composiciones del año 2000 (ya en dúo) y que hasta en el final de su carrera, nos deja clara la genuina genialidad de su estilo.

Espero que os guste: "XTC - SPIRAL".

Para más info sobre XTC: http://www.xtcidearecords.co.uk

HASTA MAÑANA!!

SELON RECLINER

Hola a todos!

En los últimos días me está costando bastante esfuerzo sacar adelante el blog, ya que mi padre se encuentra hospitalizado desde el jueves pasado, y la verdad es que entre trabajo nocturno, visitas diurnas al hospital, dormir poco y mal, nervios, cierta preocupación, y todo aderezado con la sensación de soledad que me está provocando el "abandono" por parte de mis supuestos amigos más íntimos; creedme si os digo que me preocupa no estar trabajando los editoriales al cien por cien. Aunque la fuerza de voluntad siempre fue una de mis virtudes, y a pesar de tanto contratiempo, ésta semana ya hemos viajado a lugares antes nunca visitados en nuestro blog: Chile, Japón... y hoy, para rizar el rizo aun más, vamos a marcharnos hasta la lejana, hermosa, y desconocida Nueva Zelanda...

Quiero presentaros a: "SELON RECLINER".

"Como las hojas cayendo de los árboles en otoño, como el goteo del rocío sobre un frío hilo de alambre, como el parpadeo de pestañas durante un sueño. Como el deseo, como el beso de una madre, como pasos sobre la manta de hojarasca en el lecho del bosque. Como las alas de un ave en pleno vuelo, como la luz del sol a través de nubes oscuras, como un perfume derramado. Lujo..."

Así es como, ni más ni menos, definen su propio sonido éste maravilloso sexteto neozelandés, que desde Auckland, nos presentan un trabajo a caballo entre el indie más alternativo y el pop electrónico con tendencias "new age", en el que los ambientes resultan ciertamente sobrecogedores, épicos, y teñidos con mucha psicodelia.

Belinda Bradley (voz); Darlene Te Young (voz y coros); Guy Wishant (guitarras); Vernon Rive (bajo); Perry Bradley (teclados y electrónica); y Michael Te Young (batería y percusión); se reunieron por primera vez en 2004, con la intención de dar rienda suelta a su creatividad artística, en búsqueda de una música emotiva, cinemática y evocadora. Y ésto, que puede resultar quizá un poco pretencioso por su parte, es lo que final y magistralmente han conseguido. Por ello he querido transcribir literalmente su propia y poética definición de sonido, ya que no puede ser más acertada...

Originalmente el nombre de la banda fue tan sólo, "Recliner"; pero debido a cierta confusión que se producía entre ellos, y una banda de "neo-punk" con el mismo nombre, tuvieron que ajustar su apelativo hasta dejarlo en el actual "Selon Recliner".

Su álbum debut como "Recliner" se publicó en 2006 ("Rest room"), y con la aclamación unánime de la crítica, los expertos coincidieron en describir su estilo como un "pop oscuro, de una belleza hipnótica, con una refrescante brisa de atmosféricas guitarras, certeros teclados, y ritmos agradables". Y justo todo eso es lo que encontramos en sus composiciones: intimismo, sensualidad, y canciones trabajadas casi como si de obras pictóricas se tratasen, para conseguir reflejar fielmente los más bellos espacios interiores.

Ya en abril de 2009 nos presentaron su segundo trabajo discográfico ("The orchid door"), en el que sin abandonar su innovador y esplendoroso talento, nos refieren un abandono del interiorismo, para centrarse más en los paisajes exteriores, consiguiendo mostrarnos a través de las más hermosas y pausadas piezas, toda la épica y la sinfonía cósmica que se esconde tras una puesta de sol.

Espero que os guste: "SELON RECLINER - SWAN".

Para más info sobre Selon Recliner: http://www.selonrecliner.com

HASTA MAÑANA!!

BILL WITHERS

Hola a todos!

Para cerrar con buen sabor de boca éste agitado mes de junio, hoy me apetece traer hasta vosotros alguna de esas canciones, que de cuando en cuando saco de la carpeta de mis canciones preferidas de todos los tiempos. Y es que ya hace varias semanas que no recurro a la "artillería pesada"...

Hoy quiero presentaros a: "BILL WITHERS".

Y digo presentaros, ya que aunque muchos de vosotros le conoceréis perfectamente, tengo la ligera sensación de que el señor Withers es bastante desconocido para el gran público, aunque sin duda, algunas de sus obras maestras serán conocidas por todos.

Bill Withers es un cantante y compositor afro-americano, que nacido un 4 de julio de 1938 en Slab Fork (Virginia - U.S.A), mantuvo una espléndida carrera musical, con grabaciones y actuaciones que se sucedieron desde 1970 hasta 1985.

Withers es uno de los mayores representantes (aunque quizá no valorado como tal) de la nueva era del soul, que en la década de los '70 abanderaba junto artistas como Marvin Gaye, Al Green, o el mismísimo Stevie Wonder. No en vano, algunos de sus éxitos residen en la memoria colectiva de todos los amantes del soul, y suyas son canciones emblemáticas como: "Ain't no sunshine", "Use me", "Lovely day", "Lean on me", "Grandma's hands", o "Just the two of us". Auténticos himnos intemporales, que independientemente de haber alcanzado el estrellato en la voz de Withers, también han sido versionadas hasta la saciedad por decenas de artistas distintos, incluso en los tiempos más recientes.

Su carrera musical comenzó de una forma tardía, ya que fue al abandonar la marina en 1965, con 26 años de edad, cuando realmente se tomó en serio la posibilidad de poder llegar a vivir de la música. De echo cuando escribió y grabó el gran éxito "Ain't no sunshine", que le posibilitó su primer contrato discográfico, Withers aun trabajaba en una factoría de "Douglas Aircraft Corporation", en la que se dedicaba a la fabricación de tazas de water para los aviones "Boeing 747"; pero pronto aquella canción le permitiría dedicarse a la música por tiempo completo, y en 1970 llegó su espectacular álbum debut ("Just as I am"). Como curiosidad añadiré, que éste primer disco se grabó en tan sólo tres sesiones de estudio, aunque eso sí, entre la primera y la última sesión pasaron nada más y nada menos, que seis seis meses...

Tras aquella primera y brillante incursión en el mudo discográfico, que en cierta medida consiguió conmocionar el panorama musical estadounidense, llegaron nueve discos más, numerosas recopilaciones, y versiones de todo tipo de sus principales títulos. Hasta que en 1985, la pésima promoción y distribución de su trabajo, consiguen frustrar al genio Withers, que muy decepcionado con la "industria discográfica", se retira definitivamente, para dedicarse a cuidar su jardín...

Sus tres premios "Grammy", obtenidos en 1971 por "Ain't no sunshine"; en 1981 por "Just the two of us" (a dúo con Grover Washington Jr.); y en 1985 por "Lean on me"; parecen poco reconocimiento para éste maestro compositor, que nos muestra en cada una de sus composiciones un sentido del ritmo y una sensibilidad muy especiales, quizá sólo al alcance de los más grandes genios de la música.

Como muestra un botón, y aunque cualquiera de sus virtuosistas piezas quedaría perfectamente ubicada en éste editorial, me he decantado por quizá su sencillo más "personal", y menos comercial. Aunque el tratarse de una canción "poco estandar", no resulta un impedimento para que podamos encontrar en ella los mimbres necesarios para convertirla en una de las mejores obras del siglo XX, y quién sabe si quizá de la historia de la música en todas sus épocas...

Espero que os guste: "BILL WITHERS - USE ME".

Para más info sobre Bill Withers: http://www.billwithersmusic.com

HASTA MAÑANA!!

MONDAY MICHIRU

Hola a todos!

Comenzamos nueva semana, la que nos llevará a partir del miércoles a estrenar también nuevo mes. Y en mi denodado esfuerzo por encontrar buena música allá donde ésta se encuentre, si ayer saltamos hasta Chile, hoy el salto va a ser mucho mayor, ya que hoy vamos a viajar hasta el lejano imperio del sol naciente, Japón, para en Tokyo encontrarnos con todo el "glamour" de nuestra asombrosa y completa artista de hoy.

Quiero presentaros a: "MONDAY MICHIRU".

Cantante, compositora, flautista, productora, y actriz. Monday nació un 19 de agosto de 1963 en Tokyo, fruto del matrimonio entre la pianista de jazz japonesa "Toshiko Akiyoshi", y el también saxofonista de jazz norteamericano, "Charlie Mariano"; que decidieron bautizar a su hija con un nombre que pudiese reflejar la rica herencia de sus dos culturas, japonesa y estadounidense.

Monday comenzó muy joven a mostrar su interés por el arte, y a los 8 años de edad estudió ballet durante cinco años. En cuanto cumplió los 11 años de edad comenzó a estudiar flauta clásica, y durante ocho años más ese fue su instrumento predilecto, hasta que algo más tarde comprobó las delicias del instrumento más completo que existe: la voz...

En los años '90 fue pionera del "acid-jazz" en Japón, dedicada a producir y remezclar los trabajos de artistas compatriotas como: "Mondo Grosso", "Wyolica", "Soul Source Productions", "Angelica", o "Kyoto Jazz Massive", con los que sigue colaborando asiduamente.

En 1997 apareció en la película nipona, "Hikaru Onna" ("Mujer luminosa", en español) consiguiendo con ella el premio a la mejor nueva actriz del año, en el "Yokohama Film Festival".

Así: cine, teatro, televisión, y prensa, eran las otras dedicaciones que mantenían aun apartada a "Monday Michiru" de su carrera musical. Con una crónica sobre el mundo del jazz ("What is Jazz") regularmente publicada en el "The Tokyo Journal", y sus habituales trabajos como actriz. Hasta que en 1991 decide publicar su álbum debut ("Mangetsu"), momento éste en el que la música pasa a ocupar el primer plano en su vida artística, y ya desde ese momento no ha dejado de regalarnos y sorprendernos con algunos de los más maravillosos trabajos jazzísticos modernos que he podido escuchar.

"Mangetsu", 1991. "Maiden Japan", 1994. "Jazz brat", 1995. "Adoption Agency" y "Delicious poison", 1996. "Double Image", 1998. "Optimísta", 1999. "4 Seasons", 2000. "Episodes in color", 2002. "Moods", 2003. "Naked breath", 2004. "Routes", 2005. Y "Nexux", 2008, son sus trabajos en solitario publicados hasta la fecha de hoy.

En su extensa discografía encontramos canciones "fáciles" y pegadizas, cálidas baladas, muchos guiños a la bossa nova, y una más que clara vocación por el acid-jazz, que a los interesados por el genero, les quedará muy palpable a través de su disco "Deliciosus poison" de 1996.

Actualmente Monday reside en Nueva York junto a su hijo Nikita, y su marido (el también trompetista de jazz Alex Spiagini). Y aunque sus referencias biográficas resultan interminables, en definitiva podemos decir que estamos ante una verdadera "flor de loto" del jazz/soul/funk/bossa, aunque la constante inquietud innovadora y creativa de Monday, nos hace difícil poder encasillarla en éste o aquél estilo, ya que en cada disco nos cuenta una historia distinta, y con un diferente estilo cada vez. Personalidad arrolladora, glamour por los cuatro costados, y una depurada técnica vocal e instrumentista, que hacen de "Monday Michiru" un referente para los amantes de la música "adulta", con mucho fondo y mucha forma...

Espero que os guste: "MONDAY MICHIRU - HUNG UP".

Para más info sobre Monday Michiru: http://www.mondaymichiru.com

HASTA MAÑANA!!

MUZA

Hola a todos!

¿Qué puede ocurrir cuando se juntan jazz, boleros, bossa nova, electrónica, y una magnífica voz...? Pues, seguramente, en el subconsciente colectivo de cada uno podrán acontecer sentimientos de todo tipo; pero quizá lo primero que puede percibirse en un proyecto así, es una extraña y vibrante sensación de electricidad, anunciando la cercanía de alguna musa "traviesa", que juguetea con las pasiones, la inspiración, y las emociones. Los puristas más retrógrados se rasgarán las vestiduras al grito de: "va de retro"; pero hoy os traigo una auténtica "delicatessen", que a buen seguro os sorprenderá, os subyugará, y os encantará, todo a partes iguales...

Hoy quiero presentaros a: "Muza".

"Muza" es el nombre del proyecto tras el que podemos encontrar a la cantante y compositora chilena, Sol Aravena. Y es que, hasta un destino tan poco habitual en nuestro blog como lo es Chile, vamos a viajar hoy para conocer un poco mejor ésta auténtica delicia sonora que ayer cayó en mis manos.

Sol se inició en la música de la mano del dúo chileno "Sol azul", que en los `90 desarrollaba un tecno-pop con ciertos aires euro-dance, y con el que gracias a la telenovela de aquél país, "Adrenalina", consiguieron que su canción "Atrévete a amar" (tema central incluido en la B.S.O de la serie), se convirtiese en todo un himno generacional para la juventud "post-Pinochet" de aquella década, y en un verdadero éxito de ventas.

Trás la desaparición del dúo, Sol se decantó por continuar con su carrera en solitario, elaborando para ello un sonido mucho más electrónico y atmosférico. Adoptando definitivamente el nombre de "Muza", y publicando en 1999 su primer disco en solitario para el mercado chileno, titulado "Dream electrónico". Éste excepcional disco inmediatamente llamó la atención del sello discográfico norteamericano, "Petroglyph Records", con el que firmó la producción y lanzamiento a nivel internacional de su segundo álbum ("Cambio de estación" - 2004) que en 2006 alcanzó el premio al mejor disco de música "dance-electrónica", en los "Independent Music Awards".

"Terciopelo", editado en 2008, es el último trabajo hasta la fecha de "Muza". Un imprescindible, apasionante, bello, y sorprendente disco, en el que Sol revisa en clave electrónica, algunos de los boleros y bossa novas más populares en la música latina de los años '50 y '60. Disco dedicado a la compositora mejicana Consuelo Velásquez (compositora del intemporal "Bésame mucho") en "Terciopelo" encontramos un magnífico sonido de atmósferas líquidas, percusiones electrónicamente latinas, y guitarras eléctricas con unas preciosistas progresiones de acordes jazzísticos. Tecnología y orgánica se dan cita en las partituras de todo el disco, para acompañar a la maravillosa voz de Sol, que perfectamente interpretada en dos idiomas, acaricia cada estrofa, susurra cada estribillo, y ondula en nuestros oídos, tiñendo cada canción con una seductora sensualidad, capaz de rendir un inmenso y hermoso homenaje a las composiciones originales, con su singular y excitante estilo electrónico.

Jugando con las palabras, podemos decir que todas las "musas" se dan cita en una sola "Muza", para permitirnos acuñar y disfrutar un nuevo concepto musical: el "bolero electrónico". ¡Apasionante, hermoso, vibrante...!

Espero que os guste: "MUZA - MAÑANA DE CARNAVAL".

Para más info sobre Muza: http://www.muzadream.cl

HASTA MAÑANA!!

LUGO

Hola a todos!

¡The show must go on! Un día después de perder al "rey", intentaremos retomar el pulso...

27 de junio de 2009. Ésto, entre otras cosas, significa que justamente ayer se cumplieron ya cinco meses desde que comenzásemos con la aventura de "La música que no sonó en los 40 principales". 154 artículos publicados, 154 artistas, con 154 fotografías, 154 canciones... Y, por supuesto, toneladas de material audiovisual revisado, que aunque descartado finalmente para ser traído hasta el blog, me ha supuesto una media de cuatro horas diarias de trabajo. 616 horas de un intenso, agotador, e ímprobo esfuerzo, que afortunadamente resulta estar proporcionando más satisfacciones que sinsabores, ya que a lo gratificante que resulta por si solo el poder difundir música de calidad, se suma la motivadora complicidad de cuantos me seguís habitualmente. Gracias a todos por estar ahí...

Hoy quiero presentaros a: "LUGO".

Lujo, sensibilidad, y elegancia, para éste sábado de celebración a media asta, en el que vamos a regresar hasta Nueva York, para darnos un baño de buen soul.

"Lugo" es el nombre artístico tras es que se esconde Edwin Anthony Walker. Cantante, compositor, percusionista, actor; con ascendentes portorriqueños, y que a través de un preciosísta trabajo pop-soul-R&B, seduce nuestros oídos con un "groove" de muchos quilates, casi minimalista, evocadoramente paisajístico y emocionantemente tranquilizador.

Sobrino del famoso jugador de baseball y filántropo portorriqueño, Roberto Clemente Walker. Edwin comenzó su carrera musical mientras con tan sólo tres años de edad cantaba gospel latino en la Iglesia de su padre al sur del Bronx, lo que ha conseguido transmitirle a su personalidad un muy acentuado fervor religioso, al mismo tiempo que conseguía inculcarle toda la maravillosa gama de sonidos, matices, sabores, y colores, que sin duda proporciona la música espiritual.

Graduado en la prestigiosa "Performance Arts High School" de Nueva York, y licenciado en música por la Universidad de Texas, en Austin. Edwin comenzó a principios de los '90 componiendo canciones para otros artistas del panorama "dance" y latino, como: "Tracie Spencer", "Judy Torres", y "Odalis García"; para a renglón seguido ingresar como percusionista en la orquesta de "Christina Aguilera".

Su debut en solitario se produce a través de un álbum homónimo publicado en 2001, y su trayectoria discográfica nos conduce hasta 2008, año en el que se publica su hasta ahora último trabajo, "That's what's up". En medio quedan, "Good to go" (2002); "Latin soul" (2003); "Abolition" (2005); "Alabaré" (2006); y "Spiritual bodega" (2007). Una magnífica séptupla de discos, en los que Edwin nos muestra todas sus capacidades compositoras e interpretativas, destilando en ellos talento y espiritualidad por los cuatro costados.

Certificado con un premio "Grammy", Edwin actuó junto a Marc Anthony, Edita Nazario, y Rubén Blades, en el reparto del musical "The Capeman", que Paul Simon llevó con gran éxito hasta Broadway. Todo un lujo. Y es que no en vano, en Estados unidos algunos le comparan con "Lionel Richie", y otros hablan de él como del nuevo "Marvin Gaye". No sé si exageran, pero la verdad es que el suyo es un trabajo digno de tales alabanzas, y por ello se ha ganado un merecido espacio en nuestro post de hoy.

Espero que os guste: "LUGO - KISS THE RAIN".

Para más info sobre Lugo: http://www.lovekissmusic.com

HASTA MAÑANA!!