THE MESCAL SHEIKS

Hola a todos!

Hace un par de años alguien me habló de una buena banda de blues que giraba por Estados Unidos con mucho éxito, y desde allí me envió un par de canciones en mp3, que de verdad llamaron bastante mi atención. Se da la circunstancia que desde 2007 no había vuelto a interesarme por ellos, pero cuando hoy pretendía rescatarlos para traerlos hasta el blog, me he encontrado con la luctuosa noticia del fallecimiento de su cantante, así que el editorial de hoy, casi sin pretenderlo, bien podría resultar un homenaje póstumo.

Hoy quiero presentaros a: "THE MESCAL SHEIKS".

Clabe Hangan (cantante fallecido el 9 de agosto de 2008 a los 74 años de edad); Dean Sterling (guitarra y coros); Rick Solem (teclados y coros); Rick Smith (harmónica y percusión); y Phil Bloch (batería, percusión, y coros); conforman ésta espectacular banda de blues, en la que podemos encontrar un combo muy compacto. "Grasiento" a veces, siempre divertido, inevitablemente enraizado en su cultura autóctona, y algo sentimental.

Con influencias sonoras que llegan directamente desde el delta del Mississippi, Chicago, o Memphis, y tamizados por la ecléctica mezcolanza de los diferentes estilos de Nueva Orleans, "The mescal sheiks" consiguen un soberbio resultado en su trabajo, a través de lo que podríamos denominar "Mardi Gras Blues". Transportando a sus canciones toda la fuerza heredada del rico patrimonio musical norteamericano.

Country, rythm & blues, gospel, blues. La creatividad y versatilidad de la banda se enfatiza y gana enteros a través de su rendición al contenido más espiritual de canciones como "Walking to the river", o "This world is not my home", en las que aparece latente la diversidad de culturas musicales adquiridas por los miembros de la banda a lo largo de sus años sobre los escenarios.

Con un disco ya publicado ("This world is not my home" - 2006) la banda comenzó en 2007 a preparar lo que sería su segundo trabajo, "Second wind", que se vio paralizado por el repentino fallecimiento de Hangan, y que tras tomarse un tiempo sabático para superar tan irreparable perdida, el resto de componentes anuncian para agosto de 2009 (coincidiendo con el primer aniversario de la muerte de su líder, cantante, y amigo). Estaremos atentos a esas nuevas composiciones de "The Mescal Sheiks, que prometen encerrar toda la carga emocional y sensible que se le presupone al buen blues...

Estamos ante un grupo sin "rarezas" de ningún tipo, sin soflamas "comercialoides", y sin elaboradas, rebuscadas, y sofisticadas producciones en el estudio de grabación, que puedan llegar a distraer nuestra atención de lo único que realmente importa. Es sólo buena música, simple y llanamente...

Espero que os guste: "THE MESCAL SHEIKS - HOW LONG".

Para más info sobre The Mescal Sheiks: http://www.mescalsheiks.com

HASTA MAÑANA!!

D.J. SWEENEY

Hola a todos!

Hoy llego hasta vosotros con la alegría de ver a mi padre ya fuera del hospital, y gracias a Dios en perfecto estado de salud. Ésta situación me ha hecho poder relajarme por primera vez en toda una semana, y tras una buena sesión de sueño plácido, y descanso a raudales, puedo volver a afrontar el trabajo en el blog con todas mis capacidades mentales óptimamente recuperadas. Por eso quizá hoy me he dejado seducir por una alegre pieza swing, que chisporrotea en los oídos como muestra de la mejoría en mi estado de ánimo. Gracias a todos los que os habéis interesado en éstos días por la salud de mi padre, y como regalo, ahí vamos...

Hoy quiero presentaros a: "D.J. SWEENEY".

Resulta obligado comenzar diciendo que "D.J. Sweeney" no es un Disck Jockey que se dedique a pinchar discos, y hacer música propia de Dj's. Trás la contracción "D.J." se encuentran las iniciales de Deborah Jane, el nombre real de ésta fantástica cantante norteamericana, a la que le gusta contraer su nombre de pila para presentarnos su trabajo musical.

Deborah Jane "D.J." Sweeney nació en Los Angeles (California) un 30 de julio de 1962, y en su infancia siempre estuvo rodeada de música, ya que en los años '60 tanto su madre, como sus hermana y hermano, viajaban incesantemente por pequeñas poblaciones estadounidenses acompañando a su padre, que en aquella época se dedicaba a actuar en modestos festivales interpretando boogie-woogie, bluegrass y country. Además su madre formaba parte de una compañía de teatro, cantando en aquellos musicales que representaban. Hermana flautista, y hermano pianista, terminan por completar una familia eminentemente musical, de la que no podía salir otra cosa, que el gran talento que Deborah atesora en su trabajos posteriores.

Cuando "D.J." contaba con tan sólo 10 años de edad sus padres se divorciaron, y parte de la familia se trasladó hasta su actual residencia en Kansas City, desde donde nos presenta un excepcional trabajo que podríamos enmarcar en el terreno del jazz, el swing, y el blues.

Como casi todos los artistas interesados en la buen música, Deborah comenzó escuchando toneladas de rock, soul, y rythm & blues, hasta que con 16 años de edad, un compañero de instituto le descubrió los placeres del jazz a través de las genialidades de Billie Holiday, Charlie Parker y Joni Mitchel. Desde entonces soñó poder llegar a frasear como ellos, a cantar como ellos, a interpretar como ellos, y conseguir para si misma ese nutrido repertorio de recursos vocales y jazzísticos que poseían aquellos ídolos de su juventud.

Con un estilo extremadamente elegante, natural, y sin aberrantes exageraciones vocales o instrumentales, D.J. Sweeney nos muestra algunas claras referencias a esos artístas que ella considera como sus favoritos. Aunque interpretando la magnífica "I'm gonna lock my heart and throw away the key", nos dibuja también grandes argumentos al estilo de la esplendorosa y potente Etta James.

Con un repertorio cargado de geniales e intemporales estandares del jazz más clásico, mezclados con piezas originales, Deborah sabe rodearse de bellas y profundas baladas como, "What are you doing the rest of your life". De elegantes y sentidos blues como en, "I only want some". E imprime ese frenético ritmo del swing en composiciones como el "You'd be so nice to come home to" que hoy os traigo. Todo sin estridencias narcisístas, sin absurdos sobresaltos, y con la refrescante sobriedad que ofrece la interpretación más sensible y purísta.

Con dos discos publicados en el mercado norteamericano: ("D.j. Sweeney" - 2006) y ("Are you the one?" - 2008) Deborah Jane nos regala una intensa colección de 20 canciones, en las que encontraremos todas las influencias ya descritas en éste editorial (la primera la de su propio padre) y que resulta un buen compendio armónico, melódico, e instrumentísta, para todos aquellos que pretendan iniciarse en el magico mundo del jazz, y que no quieran asustarse a las primeras de cambio con ciertas "excentricidades" propias del género. Ni mucho ni poco, ni más ni menos, ni todo lo contrario. Todo en su lugar correcto e idóneo, y siempre acompañada por un gran cuarteto de guitarra, contrabajo, piano, y batería, (formado por algunos de los mejores músicos de Kansas), que nos asegurará horas y horas de delicias sonoras.

Espero que os guste: "D.J. SWEENEY - YOU'D BE SO NICE TO COME HOME TO"

Para más info de D.J. Sweeney: http://www.djsweeney.us

HASTA MAÑANA!!

XTC

Hola a todos!

En ciertas ocasiones uno tiene la sensación de que existen determinados grupos musicales que han convivido permanentemente a tu lado, pero a los que quizá no se le ha prestado la debida atención. ¿Os ha pasado alguna vez? Cuántas canciones y sus correspondientes autores han sonado en la banda sonora original de nuestras vidas, y ni tan siquiera sabíamos quién se ocultaba tras aquellas melodías. Hasta que un día, por casualidad vuelves a encontrarte con ellos, y removiendo material compruebas que no son nuevos, y que prácticamente todo cuanto reza en su biografía, no te es completamente desconocido. Hoy os traigo a una de esas bandas...

Quiero presentaros a: "XTC".

Quinteto formado en torno a las composiciones de Andy Partridge y Colin Moulding, que nos llegaba desde Swindon (Inglaterra) allá por 1975, aunque ambos músicos ya venían tocando juntos desde 1972, inducidos por el movimiento punk de finales de los '60.

Aunque nunca fueron una formación de fama multitudinaria, "XTC" han recorrido una más que interesante trayectoria de 30 años, que en 2005 culminó con la desaparición definitiva de la banda, y que ha sabido dejar su huella en artistas actuales como "Blur".

Capaces como ningún otro artista, de comprimir un gran éxito de calidad en apenas 3 ó 4 minutos de duración, Partridge y Moulding siempre se definieron por un característico e impecable sonido de ritmos sincopados, melodías inesperadas, estribillos pegadizos, letras tan personales como sarcásticas, y un pop que nada tenía que ver con sus ancestros de la década de los '60.

En 1977 firman contrato con "Virgin Records", y su primera grabación EP ("3D"), pasa por el mercado sin pena ni gloria. Será en 1978 con el sencillo "This is pop" (extraído de su segundo disco "White music"), el que comienza a suscitar algo de atención en su trabajo por parte de las emisoras británicas, y abre las puertas a lo que más tarde llegaría.

"Go 2", también en 1978, sigue la misma senda continuista que su anterior disco, y por fin, "Drums and wires" (1979), consigue catapultar el éxito de la banda, gracias a canciones tan "redondas" como aquél "Making plans for Nigel" que les situó por vez primera en el "Top 10".

"The black sea" (1980), y "English settlement" (1982), no hacen más que confirmar el éxito mundial de "XTC", que a pesar de todos los logros alcanzados, en ese mismo 1982 tuvieron que cancelar su gira por el Reino Unido y E.E.U.U a causa de una crisis de pánico escénico sufrida por Partridge, y que de no ser por el contrato que les vinculaba a "Virgin Records" para sus seis siguientes discos, les habría llevado a la ruina... Desde entonces jamás volvieron a actuar en directo, aunque sí grabaron cinco álbumes más, hasta su separación en 1998.

Tras multitud de discrepancias con "Virgin Records", Partridge y Moulding deciden en 1999 crear su propio sello discográfico ("Idea Records"), para poder continuar así con sus trabajos de grabación. Lo que se traduce en dos discos más: "Apple Venus Volume 1", y "Apple Venus Volume 2", (que publicados en 1999 y 2000 respectivamente), sirvieron como recopilación de todos los trabajos anteriores del grupo, como escaparate para sus nuevas canciones en dúo, y también significaron su punto y final.

Como podréis comprobar por el post kilométrico de hoy. Muchos son los ratos (que sin saberlo) hemos pasado escuchando a "XTC", muchas son las cosas injustamente olvidadas sobre ellos, y también muchas son las ganas de recordarlos. Aunque en ésta ocasión me decanto por una de sus últimas composiciones del año 2000 (ya en dúo) y que hasta en el final de su carrera, nos deja clara la genuina genialidad de su estilo.

Espero que os guste: "XTC - SPIRAL".

Para más info sobre XTC: http://www.xtcidearecords.co.uk

HASTA MAÑANA!!

SELON RECLINER

Hola a todos!

En los últimos días me está costando bastante esfuerzo sacar adelante el blog, ya que mi padre se encuentra hospitalizado desde el jueves pasado, y la verdad es que entre trabajo nocturno, visitas diurnas al hospital, dormir poco y mal, nervios, cierta preocupación, y todo aderezado con la sensación de soledad que me está provocando el "abandono" por parte de mis supuestos amigos más íntimos; creedme si os digo que me preocupa no estar trabajando los editoriales al cien por cien. Aunque la fuerza de voluntad siempre fue una de mis virtudes, y a pesar de tanto contratiempo, ésta semana ya hemos viajado a lugares antes nunca visitados en nuestro blog: Chile, Japón... y hoy, para rizar el rizo aun más, vamos a marcharnos hasta la lejana, hermosa, y desconocida Nueva Zelanda...

Quiero presentaros a: "SELON RECLINER".

"Como las hojas cayendo de los árboles en otoño, como el goteo del rocío sobre un frío hilo de alambre, como el parpadeo de pestañas durante un sueño. Como el deseo, como el beso de una madre, como pasos sobre la manta de hojarasca en el lecho del bosque. Como las alas de un ave en pleno vuelo, como la luz del sol a través de nubes oscuras, como un perfume derramado. Lujo..."

Así es como, ni más ni menos, definen su propio sonido éste maravilloso sexteto neozelandés, que desde Auckland, nos presentan un trabajo a caballo entre el indie más alternativo y el pop electrónico con tendencias "new age", en el que los ambientes resultan ciertamente sobrecogedores, épicos, y teñidos con mucha psicodelia.

Belinda Bradley (voz); Darlene Te Young (voz y coros); Guy Wishant (guitarras); Vernon Rive (bajo); Perry Bradley (teclados y electrónica); y Michael Te Young (batería y percusión); se reunieron por primera vez en 2004, con la intención de dar rienda suelta a su creatividad artística, en búsqueda de una música emotiva, cinemática y evocadora. Y ésto, que puede resultar quizá un poco pretencioso por su parte, es lo que final y magistralmente han conseguido. Por ello he querido transcribir literalmente su propia y poética definición de sonido, ya que no puede ser más acertada...

Originalmente el nombre de la banda fue tan sólo, "Recliner"; pero debido a cierta confusión que se producía entre ellos, y una banda de "neo-punk" con el mismo nombre, tuvieron que ajustar su apelativo hasta dejarlo en el actual "Selon Recliner".

Su álbum debut como "Recliner" se publicó en 2006 ("Rest room"), y con la aclamación unánime de la crítica, los expertos coincidieron en describir su estilo como un "pop oscuro, de una belleza hipnótica, con una refrescante brisa de atmosféricas guitarras, certeros teclados, y ritmos agradables". Y justo todo eso es lo que encontramos en sus composiciones: intimismo, sensualidad, y canciones trabajadas casi como si de obras pictóricas se tratasen, para conseguir reflejar fielmente los más bellos espacios interiores.

Ya en abril de 2009 nos presentaron su segundo trabajo discográfico ("The orchid door"), en el que sin abandonar su innovador y esplendoroso talento, nos refieren un abandono del interiorismo, para centrarse más en los paisajes exteriores, consiguiendo mostrarnos a través de las más hermosas y pausadas piezas, toda la épica y la sinfonía cósmica que se esconde tras una puesta de sol.

Espero que os guste: "SELON RECLINER - SWAN".

Para más info sobre Selon Recliner: http://www.selonrecliner.com

HASTA MAÑANA!!

BILL WITHERS

Hola a todos!

Para cerrar con buen sabor de boca éste agitado mes de junio, hoy me apetece traer hasta vosotros alguna de esas canciones, que de cuando en cuando saco de la carpeta de mis canciones preferidas de todos los tiempos. Y es que ya hace varias semanas que no recurro a la "artillería pesada"...

Hoy quiero presentaros a: "BILL WITHERS".

Y digo presentaros, ya que aunque muchos de vosotros le conoceréis perfectamente, tengo la ligera sensación de que el señor Withers es bastante desconocido para el gran público, aunque sin duda, algunas de sus obras maestras serán conocidas por todos.

Bill Withers es un cantante y compositor afro-americano, que nacido un 4 de julio de 1938 en Slab Fork (Virginia - U.S.A), mantuvo una espléndida carrera musical, con grabaciones y actuaciones que se sucedieron desde 1970 hasta 1985.

Withers es uno de los mayores representantes (aunque quizá no valorado como tal) de la nueva era del soul, que en la década de los '70 abanderaba junto artistas como Marvin Gaye, Al Green, o el mismísimo Stevie Wonder. No en vano, algunos de sus éxitos residen en la memoria colectiva de todos los amantes del soul, y suyas son canciones emblemáticas como: "Ain't no sunshine", "Use me", "Lovely day", "Lean on me", "Grandma's hands", o "Just the two of us". Auténticos himnos intemporales, que independientemente de haber alcanzado el estrellato en la voz de Withers, también han sido versionadas hasta la saciedad por decenas de artistas distintos, incluso en los tiempos más recientes.

Su carrera musical comenzó de una forma tardía, ya que fue al abandonar la marina en 1965, con 26 años de edad, cuando realmente se tomó en serio la posibilidad de poder llegar a vivir de la música. De echo cuando escribió y grabó el gran éxito "Ain't no sunshine", que le posibilitó su primer contrato discográfico, Withers aun trabajaba en una factoría de "Douglas Aircraft Corporation", en la que se dedicaba a la fabricación de tazas de water para los aviones "Boeing 747"; pero pronto aquella canción le permitiría dedicarse a la música por tiempo completo, y en 1970 llegó su espectacular álbum debut ("Just as I am"). Como curiosidad añadiré, que éste primer disco se grabó en tan sólo tres sesiones de estudio, aunque eso sí, entre la primera y la última sesión pasaron nada más y nada menos, que seis seis meses...

Tras aquella primera y brillante incursión en el mudo discográfico, que en cierta medida consiguió conmocionar el panorama musical estadounidense, llegaron nueve discos más, numerosas recopilaciones, y versiones de todo tipo de sus principales títulos. Hasta que en 1985, la pésima promoción y distribución de su trabajo, consiguen frustrar al genio Withers, que muy decepcionado con la "industria discográfica", se retira definitivamente, para dedicarse a cuidar su jardín...

Sus tres premios "Grammy", obtenidos en 1971 por "Ain't no sunshine"; en 1981 por "Just the two of us" (a dúo con Grover Washington Jr.); y en 1985 por "Lean on me"; parecen poco reconocimiento para éste maestro compositor, que nos muestra en cada una de sus composiciones un sentido del ritmo y una sensibilidad muy especiales, quizá sólo al alcance de los más grandes genios de la música.

Como muestra un botón, y aunque cualquiera de sus virtuosistas piezas quedaría perfectamente ubicada en éste editorial, me he decantado por quizá su sencillo más "personal", y menos comercial. Aunque el tratarse de una canción "poco estandar", no resulta un impedimento para que podamos encontrar en ella los mimbres necesarios para convertirla en una de las mejores obras del siglo XX, y quién sabe si quizá de la historia de la música en todas sus épocas...

Espero que os guste: "BILL WITHERS - USE ME".

Para más info sobre Bill Withers: http://www.billwithersmusic.com

HASTA MAÑANA!!

MONDAY MICHIRU

Hola a todos!

Comenzamos nueva semana, la que nos llevará a partir del miércoles a estrenar también nuevo mes. Y en mi denodado esfuerzo por encontrar buena música allá donde ésta se encuentre, si ayer saltamos hasta Chile, hoy el salto va a ser mucho mayor, ya que hoy vamos a viajar hasta el lejano imperio del sol naciente, Japón, para en Tokyo encontrarnos con todo el "glamour" de nuestra asombrosa y completa artista de hoy.

Quiero presentaros a: "MONDAY MICHIRU".

Cantante, compositora, flautista, productora, y actriz. Monday nació un 19 de agosto de 1963 en Tokyo, fruto del matrimonio entre la pianista de jazz japonesa "Toshiko Akiyoshi", y el también saxofonista de jazz norteamericano, "Charlie Mariano"; que decidieron bautizar a su hija con un nombre que pudiese reflejar la rica herencia de sus dos culturas, japonesa y estadounidense.

Monday comenzó muy joven a mostrar su interés por el arte, y a los 8 años de edad estudió ballet durante cinco años. En cuanto cumplió los 11 años de edad comenzó a estudiar flauta clásica, y durante ocho años más ese fue su instrumento predilecto, hasta que algo más tarde comprobó las delicias del instrumento más completo que existe: la voz...

En los años '90 fue pionera del "acid-jazz" en Japón, dedicada a producir y remezclar los trabajos de artistas compatriotas como: "Mondo Grosso", "Wyolica", "Soul Source Productions", "Angelica", o "Kyoto Jazz Massive", con los que sigue colaborando asiduamente.

En 1997 apareció en la película nipona, "Hikaru Onna" ("Mujer luminosa", en español) consiguiendo con ella el premio a la mejor nueva actriz del año, en el "Yokohama Film Festival".

Así: cine, teatro, televisión, y prensa, eran las otras dedicaciones que mantenían aun apartada a "Monday Michiru" de su carrera musical. Con una crónica sobre el mundo del jazz ("What is Jazz") regularmente publicada en el "The Tokyo Journal", y sus habituales trabajos como actriz. Hasta que en 1991 decide publicar su álbum debut ("Mangetsu"), momento éste en el que la música pasa a ocupar el primer plano en su vida artística, y ya desde ese momento no ha dejado de regalarnos y sorprendernos con algunos de los más maravillosos trabajos jazzísticos modernos que he podido escuchar.

"Mangetsu", 1991. "Maiden Japan", 1994. "Jazz brat", 1995. "Adoption Agency" y "Delicious poison", 1996. "Double Image", 1998. "Optimísta", 1999. "4 Seasons", 2000. "Episodes in color", 2002. "Moods", 2003. "Naked breath", 2004. "Routes", 2005. Y "Nexux", 2008, son sus trabajos en solitario publicados hasta la fecha de hoy.

En su extensa discografía encontramos canciones "fáciles" y pegadizas, cálidas baladas, muchos guiños a la bossa nova, y una más que clara vocación por el acid-jazz, que a los interesados por el genero, les quedará muy palpable a través de su disco "Deliciosus poison" de 1996.

Actualmente Monday reside en Nueva York junto a su hijo Nikita, y su marido (el también trompetista de jazz Alex Spiagini). Y aunque sus referencias biográficas resultan interminables, en definitiva podemos decir que estamos ante una verdadera "flor de loto" del jazz/soul/funk/bossa, aunque la constante inquietud innovadora y creativa de Monday, nos hace difícil poder encasillarla en éste o aquél estilo, ya que en cada disco nos cuenta una historia distinta, y con un diferente estilo cada vez. Personalidad arrolladora, glamour por los cuatro costados, y una depurada técnica vocal e instrumentista, que hacen de "Monday Michiru" un referente para los amantes de la música "adulta", con mucho fondo y mucha forma...

Espero que os guste: "MONDAY MICHIRU - HUNG UP".

Para más info sobre Monday Michiru: http://www.mondaymichiru.com

HASTA MAÑANA!!

MUZA

Hola a todos!

¿Qué puede ocurrir cuando se juntan jazz, boleros, bossa nova, electrónica, y una magnífica voz...? Pues, seguramente, en el subconsciente colectivo de cada uno podrán acontecer sentimientos de todo tipo; pero quizá lo primero que puede percibirse en un proyecto así, es una extraña y vibrante sensación de electricidad, anunciando la cercanía de alguna musa "traviesa", que juguetea con las pasiones, la inspiración, y las emociones. Los puristas más retrógrados se rasgarán las vestiduras al grito de: "va de retro"; pero hoy os traigo una auténtica "delicatessen", que a buen seguro os sorprenderá, os subyugará, y os encantará, todo a partes iguales...

Hoy quiero presentaros a: "Muza".

"Muza" es el nombre del proyecto tras el que podemos encontrar a la cantante y compositora chilena, Sol Aravena. Y es que, hasta un destino tan poco habitual en nuestro blog como lo es Chile, vamos a viajar hoy para conocer un poco mejor ésta auténtica delicia sonora que ayer cayó en mis manos.

Sol se inició en la música de la mano del dúo chileno "Sol azul", que en los `90 desarrollaba un tecno-pop con ciertos aires euro-dance, y con el que gracias a la telenovela de aquél país, "Adrenalina", consiguieron que su canción "Atrévete a amar" (tema central incluido en la B.S.O de la serie), se convirtiese en todo un himno generacional para la juventud "post-Pinochet" de aquella década, y en un verdadero éxito de ventas.

Trás la desaparición del dúo, Sol se decantó por continuar con su carrera en solitario, elaborando para ello un sonido mucho más electrónico y atmosférico. Adoptando definitivamente el nombre de "Muza", y publicando en 1999 su primer disco en solitario para el mercado chileno, titulado "Dream electrónico". Éste excepcional disco inmediatamente llamó la atención del sello discográfico norteamericano, "Petroglyph Records", con el que firmó la producción y lanzamiento a nivel internacional de su segundo álbum ("Cambio de estación" - 2004) que en 2006 alcanzó el premio al mejor disco de música "dance-electrónica", en los "Independent Music Awards".

"Terciopelo", editado en 2008, es el último trabajo hasta la fecha de "Muza". Un imprescindible, apasionante, bello, y sorprendente disco, en el que Sol revisa en clave electrónica, algunos de los boleros y bossa novas más populares en la música latina de los años '50 y '60. Disco dedicado a la compositora mejicana Consuelo Velásquez (compositora del intemporal "Bésame mucho") en "Terciopelo" encontramos un magnífico sonido de atmósferas líquidas, percusiones electrónicamente latinas, y guitarras eléctricas con unas preciosistas progresiones de acordes jazzísticos. Tecnología y orgánica se dan cita en las partituras de todo el disco, para acompañar a la maravillosa voz de Sol, que perfectamente interpretada en dos idiomas, acaricia cada estrofa, susurra cada estribillo, y ondula en nuestros oídos, tiñendo cada canción con una seductora sensualidad, capaz de rendir un inmenso y hermoso homenaje a las composiciones originales, con su singular y excitante estilo electrónico.

Jugando con las palabras, podemos decir que todas las "musas" se dan cita en una sola "Muza", para permitirnos acuñar y disfrutar un nuevo concepto musical: el "bolero electrónico". ¡Apasionante, hermoso, vibrante...!

Espero que os guste: "MUZA - MAÑANA DE CARNAVAL".

Para más info sobre Muza: http://www.muzadream.cl

HASTA MAÑANA!!

LUGO

Hola a todos!

¡The show must go on! Un día después de perder al "rey", intentaremos retomar el pulso...

27 de junio de 2009. Ésto, entre otras cosas, significa que justamente ayer se cumplieron ya cinco meses desde que comenzásemos con la aventura de "La música que no sonó en los 40 principales". 154 artículos publicados, 154 artistas, con 154 fotografías, 154 canciones... Y, por supuesto, toneladas de material audiovisual revisado, que aunque descartado finalmente para ser traído hasta el blog, me ha supuesto una media de cuatro horas diarias de trabajo. 616 horas de un intenso, agotador, e ímprobo esfuerzo, que afortunadamente resulta estar proporcionando más satisfacciones que sinsabores, ya que a lo gratificante que resulta por si solo el poder difundir música de calidad, se suma la motivadora complicidad de cuantos me seguís habitualmente. Gracias a todos por estar ahí...

Hoy quiero presentaros a: "LUGO".

Lujo, sensibilidad, y elegancia, para éste sábado de celebración a media asta, en el que vamos a regresar hasta Nueva York, para darnos un baño de buen soul.

"Lugo" es el nombre artístico tras es que se esconde Edwin Anthony Walker. Cantante, compositor, percusionista, actor; con ascendentes portorriqueños, y que a través de un preciosísta trabajo pop-soul-R&B, seduce nuestros oídos con un "groove" de muchos quilates, casi minimalista, evocadoramente paisajístico y emocionantemente tranquilizador.

Sobrino del famoso jugador de baseball y filántropo portorriqueño, Roberto Clemente Walker. Edwin comenzó su carrera musical mientras con tan sólo tres años de edad cantaba gospel latino en la Iglesia de su padre al sur del Bronx, lo que ha conseguido transmitirle a su personalidad un muy acentuado fervor religioso, al mismo tiempo que conseguía inculcarle toda la maravillosa gama de sonidos, matices, sabores, y colores, que sin duda proporciona la música espiritual.

Graduado en la prestigiosa "Performance Arts High School" de Nueva York, y licenciado en música por la Universidad de Texas, en Austin. Edwin comenzó a principios de los '90 componiendo canciones para otros artistas del panorama "dance" y latino, como: "Tracie Spencer", "Judy Torres", y "Odalis García"; para a renglón seguido ingresar como percusionista en la orquesta de "Christina Aguilera".

Su debut en solitario se produce a través de un álbum homónimo publicado en 2001, y su trayectoria discográfica nos conduce hasta 2008, año en el que se publica su hasta ahora último trabajo, "That's what's up". En medio quedan, "Good to go" (2002); "Latin soul" (2003); "Abolition" (2005); "Alabaré" (2006); y "Spiritual bodega" (2007). Una magnífica séptupla de discos, en los que Edwin nos muestra todas sus capacidades compositoras e interpretativas, destilando en ellos talento y espiritualidad por los cuatro costados.

Certificado con un premio "Grammy", Edwin actuó junto a Marc Anthony, Edita Nazario, y Rubén Blades, en el reparto del musical "The Capeman", que Paul Simon llevó con gran éxito hasta Broadway. Todo un lujo. Y es que no en vano, en Estados unidos algunos le comparan con "Lionel Richie", y otros hablan de él como del nuevo "Marvin Gaye". No sé si exageran, pero la verdad es que el suyo es un trabajo digno de tales alabanzas, y por ello se ha ganado un merecido espacio en nuestro post de hoy.

Espero que os guste: "LUGO - KISS THE RAIN".

Para más info sobre Lugo: http://www.lovekissmusic.com

HASTA MAÑANA!!

MICHAEL JACKSON

Hola a todos!

¡Ha muerto el Rey del Pop!

Así de duro, triste y complicado, resulta comenzar éste post de hoy, en un día que debería ser feliz por los cinco meses de blog que cumplimos, pero que ayer a las 21:00 horas en horario español, enturbió mi ánimo musical, y zarandeó los cimientos de todo aquél que alguna vez sintió ese funk que "Jacko" calzaba en sus pies.

No es necesario hablar de su currículum, de sus logros, de sus decenas de éxitos, y mucho menos del actual declive que estaba sufriendo en los últimos años. Michael seguirá siendo por siempre el Rey del Pop, y desde aquí, en toda su gloria le recordaremos.

Pero hoy quiero aportar mi granito de arena en el humilde y sincero homenaje a ésta auténtica "bestia" del escenario. No tuve la oportunidad de conocerle en persona, pero no me importan ninguna de las cosas malas que últimamente cuentan que hizo, y que tuve que escuchar con sorpresa y desagrado. Sólo me importan su "moonwalk", su magnífico "falsete" vocal, su forma de reinventarse disco a disco, sus coreografías imposibles, su vestimenta de dudoso gusto, pero de espectacular resultado, y su innegable y "devoradora" genialidad.

Hoy Os dejo mi particular "remix" de su tema estrella, "Billie Jean", en el que se conservan las voces originales de Michael, pero montadas para la ocasión sobre una nueva instrumentación que yo mísmo he creado e interpretado, y todo editado sobre el vídeo-clip original, para que sus felinos pasos de baile, su voz de niño eterno, sus gestos, y su traje de cuero negro, sean lo que desde hoy recordemos siempre de él...

¡Va por ti, "Jacko", descansa en paz...

Espero que os guste: "MICHAEL JACKSON - BILLIE JEAN (nacho valenciaga '09 remix).

Para más info sobre Michael Jackson: http://www.michaeljackson.com

HASTA MAÑANA!!

PINK TURTLE

Hola a todos!

Hoy será la segunda vez en lo que va de mes que mencionaré a José Luis Salas de "Onda Cero Radio", y es que es lo que tienen los maestros: que siempre te enseñan; y el "chivatazo" que ayer noche nos regaló en formato de café bien cargado, bien vale un editorial urgente, una atronadora ovación, y un justo agradecimiento: ¡enorme, maestro...!

Hoy quiero presentaros a: "PINK TURTLE".

"1969: Los Pink Turle se retiran de la música, víctimas de su propio éxito, tras una multitudinaria gira que les llevó a actuar sobre algunos de los mejores escenarios del mundo..."

Así de escueta, y como si de una broma se tratase, reza su biografía oficial. El caso es que si hacemos caso a ésta sucinta anotación, 40 años después de su separación los parisinos "Pink Turtle" vuelven a reunirse en 2008. Con las pertinentes reformas, convenientemente actualizados y renovados, aunque eso sí, con la misma calidad inherente a su trabajo, y que es capaz de aunar en un mismo proyecto a siete magníficos y virtuosos músicos, con sus siete magníficas y bien templadas voces, y sus correspondientes dispares instrumentos.

Patrick Backqueville (trombón y voz); Michel Bonnet (trompeta y coros); Pierre-Louis Cas (flauta, clarinete, y coros); Christophe Davot (guitarra y voz); Jean-Marc Montaut (piano, triángulo, y coros); Stéphane Roger (batería, tabla de lavar, y coros); y Laurent Vanhée (contrabajo y coros), nos ofrecen todo un simposio estilístico de jazz-pop-swing, en el que abandonando el estricto y serio ademán jazzístico, persiguen el tono humorístico y desenfadado de "Les Luthiers", mezclado con la grandiosidad armónica, orquestal, virtuosísta y sonora de la "Glenn Miller Orchestra".

"Pop in swing" es el álbum que nos presentaron en 2008, en el que revisan con clave de swing algunas de las más importantes composiciones de la historia de la música. Pero no esperéis encontrar versiones al uso. Más bien podríamos decir, que nuestros siete protagonistas de hoy pretenden emular al fantástico "Rat pack" de Frank Sinatra, Sammy Davis, y Dean Martin, realizando unas geniales y "golfas" interpretaciones, que consiguen no dejar a nadie indiferente.

Y es que viendo el "track listing" del disco, uno comprende que éstos franceses se atreven absolutamente con todo, y tamaña osadía les lleva a diseccionar y reinventar canciones como: "Smoke on the water" de "Deep Purple"; "How deep is you love" de los "Bee Gees"; "Walk on the wild side" de "Lou Reed"; "The logical song" de "Supertramp"; "Money" de "Pink Floyd"; "Every breath you take" de "Police"; "I love rock 'n' roll" de "Joan Jett"; ¡o incluso en mismísimo "Higway to hell" de "AC/DC"...! No os lo perdáis, es una auténtica genialidad...

Pero como había que seleccionar una sola pieza para acompañar al post de hoy, finalmente me he decantado por traer un título mucho más clásico si cabe que los ya mencionados, y en el que encontraremos los seis minutos, cuarenta y siete segundos, mejor aprovechados de toda la historia de éste blog: "Hotel California". Sobran las palabras... ¡A disfrutar...!

Espero que os guste: "PINK TURTLE - HOTEL CALIFORNIA".

Para más info sobre Pink Turtle: http://www.myspace.com/pinkturtlemusic

HASTA MAÑANA!!

LOS LONELY BOYS

Hola a todos!

Afortunadamente cuento en mi entorno con alguna hábil y viajera espía, quien gracias a su inquietud y su buen gusto musical, en ocasiones me facilita impagables informaciones sobre músicas de los lugares a los que habitualmente viaja, y en los que casi como por "arte de magia", solemos coincidir al cien por cien. Y aunque en las últimas fechas se muestra algo esquiva, ausente, alejada, y con una alarmante dejadez de funciones en sus tareas de "charla" y asesoramiento musical, una vez más, ha vuelto a dar en el clavo...

Hoy quiero presentaros a: "LOS LONELY BOYS".

Y es que con una escueta nota generalista publicada en esa famosa red social en la solíamos estar conectados, mi "admirada/querida/odiada" espía, ha conseguido refrescarme la memoria sobre éste fantástico trío norteamericano, del que ya tuve alguna noticia en el año 2005, pero que desde entonces permanecía oculto en lo más profundo de mi olvido. Un imperdonable error...

Los hermanos, Henry (guitarra y voz), Jojo (bajo y coros), y Ringo Garza (batería y coros), forman éste afamado y fantástico proyecto musical, que desde San Angelo, en Texas, nos ofrecen un vibrante rock-blues-pop, con mucho "sabor" a lo que por aquellas tierras ha dado en llamarse "Texican Rock", o "Tex-Mex". Y es que a pesar de su acentuado y afianzado espíritu estadounidense, las raíces mejicanas de los hermanos Garza resultan maravillosa y generosamente evidentes.

Iniciados en la música siguiendo la estela de su padre (Ringo Garza senior) que con su grupo "The Falcones", recorrió USA en los '70 y los '80; los Garza comenzaron su andadura musical en los años '90, sirviendo como banda de apoyo en la carrera ya en solitario de su padre, hasta que en 2003 decidieron "independizarse", para grabar su primer disco como "Los Lonely Boys".

Ese primer disco homónimo no vio la luz hasta marzo de 2004, y a pesar de la espera entre grabación y lanzamiento, sorprendió a propios y extraños con un sonido fresco, envolvente, y virtuosista, que catapultó sus ventas hasta alcanzar el "doble platino". Todo un bombazo en el país de las "barras y estrellas", que vio como su sencillo, "Heaven", se situaba en el número 1 de las listas, y alcanzaba un nada desdeñable puesto número 16 en el "Billboard top 100", además de ser galardonado con un premio "Grammy" en el apartado de "Mejor interpretación pop en directo".

Tanto talento, y tanta explosión de elogios, pronto llamaron la atención del "siempre atento" Carlos Santana, para el que escribieron, y con el que grabaron la canción "I don't wanna lose your love", que el mítico guitarrista incluyese en su disco "All that I am", publicado en 2005. A partir de ahí, sólo era cuestión de esperar... "Sacred" llegó en 2006, y "Forgiven" en 2008. Dos discos continuistas con el estilo mostrado en el primero, y es que si algo funciona, para qué cambiarlo.

Un sonido limpio, elegante, cuidadoso en los detalles instrumentales y vocales, y que a pesar de moverse en los mismos ámbitos que algunos otros grandes artistas del "Texican Rock", consigue no recordar en nada a, por ejemplo, "Los Lobos"; lo cual no resulta ni bueno ni malo, pero sí dice mucho de la personalidad propia que atesoran los hermanos Garza. Y algo de cierto debe haber en todo ésto, ya que allá donde van, llenan estadios, venden millones de discos, y sus giras son verdaderas rutas completas por el país.

He de reconocer que actualmente ignoro si alguno de sus trabajo está publicado en España, pero de no ser así, sería bueno que alguno de esos "geniales profesionales" del mundo discográfico, hiciese un pequeño parón en sus eternas quejas sobre lo mal que está el mercado por culpa de la piratería y la escasez de talentos, se dejase de rescatar del olvido a geniales aunque quizá "quemadas" bandas "ochenteras", y apostase por sonidos que no sean sub-productos de dudoso gusto, y/o difícil digestión.

Espero que os guste: "LOS LONELY BOYS - STAYING WITH ME".

Para más info sobre Los Lonely Boys: http://www.loslonelyboys.com

HASTA MAÑANA!!

ELLISON

Hola a todos!

Tras un buen puñado de días, en los que he estado inmerso en la búsqueda y captura de música algo más "superficial" de lo que habitualmente pretendo mostraros desde éstas líneas, para mi ha sido un auténtico deleite navegar entre grupos de los llamados "adolescentes", y comprobar la gran cantidad y calidad de proyectos interesantes que se esconden tras esa etiqueta, que en ocasiones, y sin duda debido a nuestros prejuicios, pasa desapercibida como música tonta, hecha por y para gente en "la edad del pavo"...

Hoy quiero presentaros a: "ELLISON".

Evidentemente, hoy proliferan cientos de esos grupos "creados" en el laboratorio de los más "hábiles" productores discográficos, con el único afán de enriquecerse a costa de esa generación de acné fácil y enamoramiento a flor de piel; pero aunque jóvenes, alocados, e inmaduros, habría que tenerles un respeto, y no pretender "venderles" cualquier cosa... ¿Quién demonios ha dictaminado que la música juvenil deba de ser estúpida, interpretada sólo por "guapos", y carente de calidad? Menos mal que, como siempre, en Estados Unidos se empeñan en quitarme la razón...

Y es que "Ellison" son un claro ejemplo de ésto. "Guapos", sin estupideces, y con calidad suficiente, son un muy buen grupo de pop-rock adolescente, quizá sin pretensiones "ultra-terrenas", pero que conquista por la calidad, frescura, y potencia de su bien trabajado sonido. Con un estilo marcádamente juvenil, cercano a la idiosincrasia de bandas como "Jonas Brothers" o similares, en el que se agradece comprobar que al menos parecen saber lo que hacen, y no se limitan a ser marionetas de éste o aquél productor "abrazafarolas". Y llegados a éste punto me vais a permitir una licencia. Que nadie se ofenda por mi comentario, pero la verdad es que no sé que les dan de comer a los músicos adolescentes americanos. Quizá sean las grasas saturadas de las hamburguesas, o los conservantes del "fast food"; pero el caso es que hasta para realizar una música, supuestamente, "consumible", "comercial", y "hortera", tienen un excepcional talento que saben aprovechar al máximo, ofreciendo al mismo tiempo algunas muy buenas pinceladas de técnica instrumentista, buen gusto, y calidad desenfadada.

Josh Hill (guitarra y voz); Ian Bolender (guitarra); Kent Landvatter (bajo); y Stefan Wright (batería); nos envuelven con ese magnífico sonido que yo ya pretendía alcanzar con mi primer grupo allá por los años '80, pero dado que no teníamos de idea de lo que hacíamos, nunca llegamos a poder desarrollar.

Guitarras contundentes y "ruidosas", pero siempre buscando buenas armonías. Trepidantes y electrizantes secciones rítmicas, que ayudan a la descarga de adrenalina. Y redondeando todo el producto, unas cuidadas y elaboradas melodías vocales, en la que los coros alcanzan tanta importancia como la voz principal, y ayudan a llevar la canción hacia adelante.

No es de extrañar que "Ellison" (a pesar de su insultante juventud) cuenten ya con tres discos publicados: "Indecisive and halfhearted" - 2005; "Say goodnight, sleep alone" - 2006; y "Color of compassion" - 2008. Y es que a pesar de que las historias que narran es sus textos, puedan interesarnos más o menos: las buenas ideas, la buena música, y las buenas interpretaciones, deberían prevalecer sobre cualquier otro tipo de consideración, ya sea social, económica, o prejuiciosa. Y "Ellison" nos ofrecen eso: buenas ideas, muy bien interpretadas, y con un "descarado" estilo, cargado de talento musical. ¡MAGNÍFICOS! ¿Qué sólo tienen 20 años de edad? No importa, eso se cura con el tiempo...

Espero que os guste: "ELLISON - YOUR GOODBYES".

Para más info sobre Ellison: http://www.ellisonsite.com

HASTA MAÑANA!!

MIA SABLE

Hola a todos!

Comenzamos una nueva semana, y la verdad, es que hoy lunes se dejan sentir en el ambiente algunas viejas carencias personales, que mueven mi ánimo en un círculo de introspección y nostalgia. ¿En alguna ocasión os habéis dejado atrapar por una determinada canción, sin saber muy bien por qué? Pues tras levantarme de la cama y revisar durante un par de horas toda la música candidata para el post de hoy, precisamente eso es lo que ha ocurrido...

Hoy quiero presentaros a: "MIA SABLE".

Nos encontramos ante una joven y hermosa cantante y compositora, que a través de las letras de sus canciones intenta reflejar la profundidad de pequeños "mini-dramas" cotidianos, envolviendo sus textos en unos ambientes musicales que ella misma describe como: "cabaret-folk/trip-pop/indie-alternativo/música de una chica triste..."

Nacida hace 25 años en Carolina del Norte, de madre Coreana y padre Alemán, quizá sus dispares ascendentes le proporcionan por una parte esa imagen exótica, sensual, bella; y por otra, la intelectualidad y emocionalidad suficientes para combinar las complejas ideas de su mundo interior, con una música de estructuras eminentemente pop, melodías muy pegadizas, y fáciles de escuchar.

Mia comenzó a escribir poemas y canciones con tan sólo 12 años de edad, y durante su época de instituto adquirió una sólida formación en guitarra y piano; pero no fue hasta 2002, al fijar su residencia en Los Angeles (para estudiar arte dramático en "UCLA"), cuando realmente comenzó a valorar seriamente la posibilidad de sacar adelante su proyecto musical en solitario. Y tras liderar algunas bandas locales, se lanzó a preparar el material para sus primeras "demos".

Tras fundar su propio sello discográfico, "Maduristic Records", en 2006 llegó su álbum debut, "Propeller". Un disco en el que nos muestra una sublime sencillez, intimísta y quizá algo melodramática, con 12 canciones cargadas de sentimientos, cotidaniedad, y elegancia.

En 2008 nos presentó su segundo trabajo, "Scenic route". Trabajo mucho más acústico que el anterior, y que ésta vez en formato EP, explora los mismos sentimientos costumbristas, pero desde un ángulo mucho más maduro, orquestal y preciosista. También en diciembre de 2008 se puso a la venta un sencillo de edición limitada, en el que retomando su habitual pop-electrónico, Mia revisa algunas canciones navideñas, en clave de aprovechar la temporada.

Nominada como mejor cantante femenina en los "L.A. Music Awards 2007", y mejor compositora indie en 2006, Mia Sable también fue merecedora de una nominación como cantante del año en los "South Bay Music Award 2006", y semifinalísta al premio de mejor canción indie del año 2008 en "KIAC". En su trayectoria queda claro que nos encontramos ante una gran artista, que como tal es valorada en su país, y que su estilo de "sad girl music", llega hasta los corazones de sus oyentes, con todo el lirismo y la melancolía que perfectamente sabe imprimirle a sus composiciones.

Mia Sable se encuentra actualmente preparando el material para lo que será su nuevo disco, y que se anuncia llegará a finales de 2009. Estaremos atentos para comprobar si esa maravillosa melancolía, sigue aquilatándose en sus próximos títulos; pero de momento nos quedamos con una de las canciones extraídas de su primer álbum: "A long silence". Una canción que ésta mañana me atrapó por su sencillez, por su melódico costumbrismo, y por esa fascinante y ya descrita cualidad de: "canción de chica triste".

Espero que os guste: "MIA SABLE - A LONG SILENCE"

Para más info sobre Mia Sable: http://www.miasable.com

HASTA MAÑANA!!

GEORGIA THOMAS

Hola a todos!

Hoy domingo vamos a cerrar la semana de nuevo en Estados Unidos, donde nos reuniremos con otra bella dama de la música. Pero no os dejéis engañar por ésta belleza sureña, ya que tras su preciosa cara de ángel, y sus profundos ojos marrones, se esconde un auténtico diablo, que exterioriza toda su "maldad" a través de unas privilegiadas cuerdas vocales, que rompen el aire como si de un imparable ciclón se tratase.

Hoy quiero presentaros a: "GEORGIA THOMAS".

Dulce como las magnolias del Mississippi. Sincera como un sentimiento puro. Fresca como una pradera de césped bajo la lluvia. Fantástica como un bello y extraordinario suceso. Divertida como la contagiosa risa de un niño. Enérgica como el imparable cauce de un río. Talento por los cuatro costados... El diccionario de adjetivos parece acabarse entregado a describir a ésta joven artista, de la que en su país todo el mundo habla maravillas. Y es que "de casta le viene al galgo...".

Su padre (Cliff Thomas) fué músico de estudio del sello discográfico "Sun Records" allá por los ños `50, además de un magnífico compositor e interprete de country y rithm and blues, que llegase a ser nominado a los premios "Grammy". Indudablemente toda esa excepcional genética musical se transmitió hasta su hija Georgia, que siendo aun una niña aprendió a tocar el piano de forma autodidacta, aunque algo más tarde se decantó definitivamente por la guitarra, y siguiendo los pasos de su padre, pronto comenzó a sorprender a todos con su magia para componer e interpretar sus propias composiciones.

En el año 2000 se trasladó a vivir a Nashville, Tenesse, con la intención de estudiar y ampliar su técnica y vocal, y así poder dedicarse a cantar en tiempo completo. Su impresionante voz ha sido comparada por los críticos, con la de algunas de las mejores interpretes del género, tales como: "Trisha Yearwood", "Shania Twain", o "Patsi Cline".

Ya en 2008 nos presentó su auto-titulado álbum debut. Un primer disco increiblemente enérgico, y cargado hasta la borda de country, rock, y blues, en el que Georgia zarandea nuestro espíritu con auténticas apisonadoras sonoras como "Ash and embers", y nos acaricia el alma con penetrantes interpretaciones acústicas como la de "Angel on the ground". "Ash and embers", "Sorry", "That's just love", "The hard way", "Sugar rain", "Green", "Takin' me down", "Angel on the ground", "Be the change", "Amen sister"... Diez efervescentes canciones, sin "absurdas" concesiones a la galería de los delirios, en las que Georgia despliega todas sus "diabólicas armas", y nos muestra esa fascinante mezcolanza entre seda y acero, que suelen mostrar los más grandes intérpretes de éste poderoso "new-country".

Y si poderoso es su disco, más aun resulta serlo su directo, en el que encontramos una "performance" rotunda, contundente, eléctrica, temperamental, y contagiosa, en la que ya sea al frente de su banda al completo, o tan sólo acompañada por su voz y su guitarra acústica, es capaz de hacer vibrar el escenario, llenándolo con su presencia como la gran artista que ya es, y de poner "patas arriba" al público, como la gran estrella que seguramente llegará a ser.

Sobran las palabras, mejor escucharla. Y no hay mejor ejemplo para comprobar el diablo que habita en las cuerdas vocales de Georgia, que éste aniquilador "Ash and embers" que hoy os traigo. "Cenizas y brasas", queda claro que con Georgia Thomas nos vamos a quemar, y yo encantado de ello...

Espero que os guste: "GEORGIA THOMAS - ASH AND EMBERS".

Para más info sobre Georgia Thomas: http://www.myspace.com/georgiathomasmusic

HASTA MAÑANA!!

UN POETA EN PARO

Hola a todos!

Vaya, parece que ésta semana estamos en racha, y si el pasado miércoles nos ocupábamos desde aquí del trabajo de un grupo español, hoy estamos de enhorabuena y repetimos. Además nos cantan en castellano, lo que hace que nuestros protagonistas de hoy sean una buena alternativa para invertir el tiempo de éste sábado.

Hoy quiero presentaros a: "UN POETA EN PARO".

Y es que yo no digo que España sea un desierto en cuanto a buenos e interesantes grupos se refiere, pero la verdad es que resulta un poco tedioso escuchar decenas y decenas de canciones que no acaban por "engancharte", para quizá con algo de suerte, acabar encontrando algo que realmente apetezca escuchar, analizar, y compartir. Es por una mera cuestión de pereza, que quizá el mercado anglosajón me resulta mucho más cómodo, ya que habitualmente no necesito "revolver" esas decenas de "mp3" para encontrar algo que me atrape. Pero hoy, y la primera, éstos dos jóvenes de Badalona han conseguido llamar mi atención desde el minuto uno, de la primera de sus canciones que llegó hasta mis oídos...

Biográficamente, pocos son los datos que puedo aportar sobre "Un poeta en paro". Fran Gómez (guitarras y voz); y Gerard Pámies (guitarra y coros), son los jóvenes integrantes de éste dúo badalonés, que con 28 y 26 años de edad respectivamente, nos presentan un interesante proyecto que se mueve a caballo entre el pop, el rock, y el folk, por lo que alguna prensa especializada les ha catalogado como una banda de "rock de autor".

Con sonidos e influencias que reposan sobre algunos de los grupos españoles más importantes de la historia musical de nuestro país, Fran y Gerard desarrollan unas composiciones "sencillas" (no simples) y que sin complejos de ningún tipo, persiguen una frescura cargada de honestidad, en la que los exagerados virtuosísmos no tienen cabida, y nos dejan ver lo que realmente importa: textos elegantemente directos y muy costumbristas, que se alzan líricamente sobre unas armonías y "riffs" de guitarra, que en ocasiones nos recuerdan a ese sonido progresivo del blues llegado desde norteamérica.

"Rasgo el telón negro" fue su primer EP, que con dos canciones se publicase en 2005, para dar paso a "El verdadero camino", disco en el también con formato EP, ya podemos encontrar 5 canciones, y que espero anticipe lo que pueda llegar a ser un primer "larga duración", cargado con los mísmos buenos argumentos que nos entregan en sus hermanos "cortos".

Ganadores y finalistas en varios certámenes musicales celebrados en Cataluña, su canción "Amará" será incluida en un disco recopilatorio que se anuncia para junio de 2009, y en el que bajo el título de "Hoy, mañana, y siempre: un tributo a Mikel Erentxun", más de 20 grupos nacionales rendirán homenaje a los 17 años de carrera del artista.

Pero nosotros hoy vamos a quedarnos con la canción, "Cristina". Una canción no grabada en ninguno de los dos discos del grupo, y que encierra una curiosa historia. Cristina es el nombre de una chica vallisoletana, incondicional seguidora de "Un poeta en paro", a la que el grupo olvidó mencionar en los agradecimientos de su primer disco, por lo que decidieron escribirle su propia canción, para en alguna medida susbsanar el error. Buen detalle, que dice mucho, de qué tipo de personas son Fran y Gerard. Disfrutemos con ellos de éste pop honesto, fresco, y directo.

Espero que os guste: "UN POETA EN PARO - CRISTINA"

Para más info sobre Un poeta en paro: http://www.unpoetaenparo.com

HASTA MAÑANA!!

SUSAN RAVEN

Hola a todos!

Me apetece mucho comenzar el fin de semana con un aire distinto, y para ello quizá no existe mejor planteamiento, que el de abandonar la bulliciosa y siempre asfáltica metrópolis, para adentrarnos en territorios mucho más agrestes, bucólicos, y de paisanaje tranquilo. A través de "La música que no sonó en los 40 principales", hemos realizado viajes sonoros por Norteamérica, Australia, Nueva Zelanda, Europa; pero creo que el Reino Unido no lo hemos explotado lo suficiente, y sólo hemos parado alguna que otra vez en Londres. Así pues, hoy vamos a zambullirnos en la siempre verdosa Gales, para entre misteriosos lagos, bosques milenarios, e inmortales leyendas, encontrarnos allí con nuestra atípica protagonista de hoy.

Quiero presentaros a: "SUSAN RAVEN".

Caersws (población galesa en el condado de Polwys), vio iniciarse la carrera musical de ésta apasionante mujer, cuando a los 13 años de edad recibió como regalo de su madre una guitarra de 12 cuerdas, con la que aprendió a tocar sus canciones favoritas de Bob Dylan. Aquél fue un maravilloso descubrimiento que marcó su vida, y rápidamente comenzó a investigar en sus propias melodías y textos, hasta alcanzar la sensibilidad y sonoridad que hoy nos muestra en su trabajo.

Con un estilo "new age/chill out": palpitante, luminoso, emocional, y emocionante, en el que tienen cabida grandes cantidades de belleza cósmica y de sentimientos interiores, que consiguen brillar con luz propia a través de unas composiciones muy personales y casi tribales. En el Reino Unido se la asemeja como, mitad "Sinead O'Connor", mitad "Cramberries"; pero en realidad yo veo en sus canciones un sonido quizá más cercano al más puro estilo "Enya". Eso sí, en el que Susan consigue forjar un arquetipo infinitamente menos "cargante" y "meloso", aportando algo mucho más eléctrico, racial, y directo.

Ya en los años '90 comenzó a alternar sus primeros conciertos acústicos por pequeños e íntimos clubes de Londres, con su trabajo como guía turístico especializada en los lugares sagrados de la Bretaña Celta. Éste trabajo que en su momento le sirvió para ganarse la vida, se ha convertido en casi una doctrina para Susan, y eso se trasluce en las letras de sus canciones, que reflejan su apasionado interés por lo místico, lo esotérico, y por las tradiciones ancestrales de los pueblos. Por todo ésto, tal vez podamos ver en Susan Raven a un auténtico trovador del siglo XXI.

En 2000 se publicó su espectacular álbum debut, "Glittering cities", en el que nos encontramos con todo ese sabor Celta que se esconde en los legendarios bosques de Gales, y que Susan transmite hasta sus canciones con una inconmensurable magia, completamente exenta de sonidos "rancios", y alcanzando quizá la modernidad de su propia leyenda...

"Ravensong", su segundo disco, llegó siete años más tarde, con un sonido mucho más acústico, y cimentado en la estupenda sonoridad de su antigua guitarra "Martin" de 12 cuerdas; pero sin abandonar ésa calidez misteriosa que puebla de mágicos duendes, bellas ninfas, trasgos esquivos, y magos medievales, los desarrollos armónicos de sus excepcionales composiciones.

Buena prueba de todo lo que pretendo transmitiros con mi editorial de hoy, lo encontraréis en éste "Glittering cities". Cuarto corte del disco homónimo, y que extraído como sencillo de presentación en aquél álbum del año 2000, nos cautiva con una línea vocal sensible (no sensiblera), y con una tribalidad (no trivialidad), al margen de modas, alejada de manidos estereotipos, y podría decirse, que prácticamente atemporal...

Espero que os guste: "SUSAN RAVEN - GLITTERING CITIES".

Para más info sobre Susan Raven: http://www.susanraven.com

HASTA MAÑANA!!

THE JANE DOE'S

Hola a todos!

Hoy he querido utilizar el día libre entre mi trabajo de diario y mi trabajo de fin de semana, para volver a perderme en un intenso viaje desde las costas del mar Mediterráneo, hasta las costas del océano Pacífico. Y es que si ayer nos quedábamos con el interesante "hard-rock" de los castellonenses "Panic Idols", hoy saltaremos hasta la dorada California, para en la más extensa exclusividad de Hollywood, encontrarnos con nuestros fantásticos, fantásticos, y otra vez fantásticos, protagonistas de hoy.

Quiero presentaros a: "THE JANE DOE'S".

Y aun a riesgo de parecer pedante, reitero el adjetivo fantástico por triplicado, y quizá hasta me quede corto para describir el esplendoroso trabajo de éste brillante y subyugante quinteto norteamericano.

No es ningún secreto para los que seguís diariamente el blog, que el soul, el jazz, el funky y todas sus variantes, son quizá los estilos más traídos hasta éstas líneas, y quizá también los estilos que más satisfacen mi "hambre" sonora. Es por eso que al encontrarme con el trabajo que hoy quiero proponeros, no lo he dudado ni un minuto: excepcional, simplemente excepcional...

A.R. Tubbs (guitarra y voz); Daniel Thomas (bajo); Dennis Hamm (piano); Ian Grom (teclados y percusión); y B. Radley (batería y coros); nos presentaron allá por 2005 su álbum debut, "You bring the devil", en el que magistralmente nos muestran un sensual, íntimo, "juguetón", e intrigante funk-soul, que etiquetado en Estados Unidos como "Red Eyes soul", consigue centrar nuestra atención en su profundo "groove", con una atmósfera extremadamente elegante y acertada.

Con una magnificencia artística quizá tan sólo al alcance de genios como "Prince", Tubbs (líder creativo de la banda) nos dibuja a través de su fascinante portamento vocal, unas intimistas y casi terapéuticas líneas melódicas, que sin exageraciones, ni amanerados "egocentrismos", consiguen introducirse a hurtadillas entre los recovecos armónicos generados por los sublimes "colchones" de piano "Rhodes", y las sencillas pero muy efectivas guitarras. Todo ello ornamentado con una imponente base rítmica, en la que bajo, batería y percusión, consiguen una ondulante, sinuosa y demoledora compenetración.

Basta de escribir, hoy directo al grano, claro y conciso... Y si siempre una imagen vale más que mil palabras, en el caso de la música, un sonido quizá pueda valer más que mil imágenes. Así que aquí os traigo éste inconmensurable "Junkie". Primer sencillo extraído del álbum "You bring the devil", en el que sin duda vais a poder encontrar todas las excepcionales cualidades de las que hoy he pretendido hacerme eco, y que (al menos en mi gusto personal) sitúan desde hoy a "The Jane doe's", entre mis bandas favoritas y altamente recomendables.

Espero que os guste: "THE JANE DOE'S - JUNKIE".

Para más info sobre The Jane doe's: http://www.thejanedoes.com

HASTA MAÑANA!!